Primer Plano

Marcello Mastroianni, una cultura entera

por Vera Meiggs

Así como Greta Garbo encarna la melancolía romántica del período de entreguerras, James Dean la aparición sociológica de la juventud y Marilyn Monroe la pérdida de la inocencia, el italiano Marcello Mastroianni (1924-1996) acarreó sobre sí unos significados de los que evitó perezosamente hacerse cargo.

A un siglo de su nacimiento revisemos si lo logró.

Nació en familia modesta en un pueblo que hoy es atracción turística, Fontana Liri, uno más de los centenares de encantadores pueblos medioevales que cubren Italia de sur a norte y en los que todos soñamos vivir. Pero el niño Marcello soñaba con irse de ahí. Lo logró rápido: sus padres emigraron a la nortina Turín, donde nació su hermano Ruggero, con el que tuvo estrechos lazos durante toda la vida.

Fue un tipo afortunado, como el mismo lo reconoció más de alguna vez. Su apostura física fue la justa y necesaria para hacer de ella una afortunada tarjeta de presentación. En el terreno de la actuación eso puede ser una bendición y, en aquellos tiempos, de digna pobreza antes de la guerra y de ultrajante necesidad después de ella, se suponía podía abrir las puertas del cine, lo que era tener el billete premiado de la lotería. Pero Marcello era un poquito flojo y lo disfrutaba. Esa parsimonia personal sería el latido natural de sus mejores actuaciones futuras, pero alargaría su despegue a la fama hasta que el látigo directivo del gran Luchino Visconti le sacara trote, en teatro primero y luego en cine.

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EL FLAITE CHILENO EN LAS PANTALLAS DE STREAMING

Fernando Fuente-Alba Cariola

Flaites en Chile; Chakas en México y Pibes Chorros en Argentina (Álvarez et al, 2018). Jóvenes marginados de sectores populares que contribuyen a reproducir la desigualdad y el control social mediante el temor, el rechazo y el desprecio, situación que afecta profundamente su vida cotidiana, sus relaciones con diversas instituciones y espacios (Bayón, 2022: 78). Lo que hace fascinante la serie chilena Baby Bandito (2024, Netflix) es el poder revelar potencialmente, a través de sus personajes, un submundo oculto, plagado de códigos y términos cercanos al ampa, tráfico y delincuencia. Recuerdan en algún momento la marginalidad post dictadura de la película Caluga o Menta de Gonzalo Justiniano (1990) y permiten al/la televidente insertarse en la violencia del barrio, recorrer sus pasajes estrechos y convertirse en un cómplice más de la banda.

Baby Bandito, dirigida por Julio Jorquera, Fernando Guzzoni y Pepa San Martín, estrenada el 31 de enero del 2024 en la plataforma Netflix, está basada en una historia real, un hecho delictivo ocurrido en Chile conocido como El robo del siglo, que permitió a este grupo de delincuentes hacerse con más de seis mil millones de pesos. La serie se inspira en la vida de Kevin Olguín, Kevin Tapia en la serie, interpretado por Nicolás Contreras, uno de los ladrones reales a quien la prensa internacional bautizó como Baby Bandito tras farrearse los millones del botín en una vida de lujos por Europa.

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"Cuando se generalice el uso de las cintas de video y se puedan ver las películas que uno quiera en casa, quien tenga una copia de Mr. Arkadin será un hombre afortunado."

François Truffaut

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OLVIDA TODO LO QUE SABES SOBRE EL BIEN

por Francisco Rivera León

Una primera consideración: esta película no es una apología a la naturaleza, a la Madre Tierra, proba y bondadosa que nosotros, los advenedizos homo sapiens, hemos venido a expoliar y consumir. Incluso, pareciera que se trata de justamente lo contrario. El que crea que detrás de todo esto hay un abogar por un ideal ecológico, es porque no ha entendido nada.

Es tal vez la película más filosóficamente violenta, peligrosa, sobrevalorada y contracultural que podremos ver en el último lustro. Pocas obras pueden dejar esa sensación de pesadez y desesperanza en el proyecto civilizatorio como El mal no existe. No recuerdo algo similar desde El caballo de Turín (2011) y Saló, o 120 días de Sodoma (1975). No porque haya un parecido de orden temático, estético o narrativo con esas películas, sino más bien por los efectos secundarios que inundan la mente y el espíritu del espectador una vez finalizado el filme. “Un fantasma recorre Europa” pregonaba Marx, pero ese fantasma, en esta película no es el comunismo, sino el silencio de la physis, de la natura naturans, en una palabra: el silencio de Dios…

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La deleitosa Cachorro avala, con provocador descaro, el anhelo gay de tener hijos

Pedro Labra Herrera

A ratos divertidísima o emotiva, siempre estimulante, esta comedia española sumamente suelta de cuerpo sobre homoparentalidad y tolerancia, parece sin duda muy actual y de reciente estreno. Error. Es un juvenil vejestorio de 20 años de edad, con buenos pergaminos, además, en festivales y de crítica. De más está decir que –y no es raro- nunca se supo aquí de él. Hoy el streaming brinda su disfrute tardío.

Junto a los títulos iniciales, Cachorro abre con imágenes de tres hombres cuarentones desnudos, encamados teniendo s**o en grupo, libre, gozosa, naturalmente. El exabrupto no dura más que un par de minutos, pero basta para anunciar a los espectadores recatados que se ajusten bien el cinturón para las turbulencias que vienen. El viaje que sigue se ubica de seguro entre lo más ‘fuerte’ en oferta. No porque sea una cinta demasiado explícita visualmente, nunca lo es, sino porque los modos en que sus personajes se relacionan social, familiar e íntimamente, están a años luz de la chilenidad actual como contexto. Retrata una sociedad con una conciencia moral que hace rato nos dejó muy atrás en la apertura, desprejuiciamiento y evolución de sus cánones culturales.

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ESPECIAL: LA MIRADA ABORÍGEN

por Vera Meiggs

EN EL PRINCIPIO ERA EL VERBO, es decir la acción. Y VIO DIOS QUE ERA BUENO, es decir útil…

Así comienza el tiempo y su relación con el Paraíso, que es el ente que nos formó a su imagen y semejanza. Somos el resultado de lo que nos precede, de lo que estuvo ahí antes de que evolucionáramos para adquirir el grado de conciencia (llamémosla así) en la cual hoy padecemos nuestros apetitos y nuestras culpas, nuestras codicias y abandonos. Y gozamos también de algunas virtudes.

Una vez Orson Welles imaginó una fiesta en la que todos los asistentes tuvieran una cámara para registrar el encuentro. El m***aje de todo ese material ¿daría visiones similares de la misma fiesta? ¿O serían fiestas distintas? A Raúl Ruiz, que era muy barroco, le fascinaba esta idea e intentó ponerla en práctica varias veces y siempre con resultados distintos.

Es que ya es vuelve difícil coincidir en las visiones de los mismos acontecimientos. Parados uno al lado del otro los individuos de la modernidad ven cosas distintas. Eso es lo que caracteriza al ser humano contemporáneo.

En vez, las culturas aborígenes pueden más fácilmente coincidir en una visión común, en la que la belleza y la utilidad se confunden con materiales y formas.

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ESPECIAL LA MIRADA ABORIGEN: «NOSOTROS NO SOMOS CHILE, NO SOMOS CHILENOS, SOMOS MAPUCHE»

por Daniel Miranda Acuña

Algún día las raíces, ficción basada en la realidad, construye los últimos momentos de Matías Catrileo. Un ejercicio de resistencia, donde la lucha y la identidad mapuche vuelven a estar dentro del encuadre de la narración cinematográfica chilena. El filme ha sido presentado en espacios independientes y alternativos, uno de los objetivos iniciales del equipo realizador.

La idea surge como un proyecto de título de la Escuela de Cine de la Universidad Mayor y de la canción Weychafe Catrileo, del grupo Eterna Inocencia. Alejandro Valdeavellano, Catalina Saavedra Reyes y Cristóbal Díaz decidieron hacer una película sobre Matías Catrileo, estudiante de la Universidad de la Frontera e integrante de la Coordinadora Arauco Malleco (CAM), que fue asesinado por un carabinero el 3 de enero de 2008, cuando junto a otros compañeros participaban en la recuperación del Fundo Santa Margarita, en la comuna de Vilcún.

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ALAIN DELON (1935-2024)

Pocos hombres han sido más afortunados físicamente que él en el cine.
Más que un gran actor fue uno de máxima eficacia, a los ñ que buenos directores lograron crear personajes zurcidos sobre su personalidad contradictoria, matizada de oscuridades e idealismos difusos y conservadores.
Surgido de la calle, como él mismo se definía, luego soldado en Indochina y cargador en el mercado de París, su excepcional fotogenia lo haría triunfar tempranamente en comedias románticas de poca m***a. Sería René Clément el que lo haría famoso con el personaje de Ripley en A pleno sol. El gran Luchino Visconti lo puso de protagonista de Rocco y sus hermanos confirmando los mejores pronósticos sobre sus capacidades. Lo seguiría Antonioni con El eclipse y de nuevo Visconti con El gatopardo, el único director que lograría subirlo al escenario, junto a Romy Schneider, que sería su pareja romántica por un tiempo.
Entre obras interesantes y otras comerciales, su carrera se fue disolviendo en los años ochenta.
Como ha dicho Claudia Cardinale, su pareja en El gatopardo: “Se termina el baile”…

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GENA ROWLANDS  (1930-2024)

Estadounidense hasta la médula y más neoyorkina que hollywoodense, la rubia actriz y musa del también actor y cineasta John Cassavetes, ha fallecido dejando una galería de personajes intensos, a menudo inestables y que son un entrañable retrato del proceso de empoderamiento de las mujeres.

Por su belleza física se la tendió a encasillar en roles decorativos, como el de su debut teatral en La comezón del séptimo año, que en cine haría Marilyn Monroe. Su marido la rescataría entregándole un repertorio de personajes inolvidables, hasta hacerla alcanzar alturas descollantes. (Una mujer bajo influencia, Noche de estreno, Torrentes de amor, Gloria). Woody Allen le dio otro de sus personajes cumbres en La otra mujer. 

A pesar de su fama de actriz exquisita e inteligente, tuvo también memorables apariciones en televisión (Bonanza, La hora de Hitchcock, La caldera del diablo, Monk).

Su personaje de la neurótica Mabel en Una mujer bajo influencia ha sido considerada una de las mayores de la historia del cine. Cuarenta años después Hollywood le daría un Oscar reparatorio.

ESPECIAL LA MIRADA ABORIGEN: LA UTOPÍA Y EL AMOR EN TIEMPOS DE CALENTAMIENTO GLOBAL

por Edgard Wang-Saldaña

Itu Ninu muestra el amor romántico y el clásico relato chico “conoce a chica” bajo un contexto particular: un futuro distópico con supervigilancia computarizada y dos protagonistas indígenas que son refugiados producto del calentamiento global, escribiéndose cartas en su lengua materna. Aquello abre una interrogante: ¿su componente indígena es un factor que transforma radicalmente la manera de ver una premisa clásica?

Mientras Ángel toma una ducha, con su rostro en primer plano que marca sus facciones, una voz artificial le recuerda que como refugiado climático está siendo monitoreado 24/7, y eso incluye todo lo que habla y todo lo que ve. Acto seguido, la imagen muestra que trabaja en completa soledad, germinando semillas para una misteriosa mujer, que solo tiene comunicación con él mediante la misma voz artificial.

Pero un encuentro casual con una chica llamada Sofía subvierte todo.

Hasta aquí, la trama de Itu Ninu, frase traducida como Cumbres de maíz, podría parecerse a muchas otras. Un hombre en un estado de soledad, en un futuro distópico, conoce a una chica que cambia su mundo. Salvo que Sofía también proviene del mismo lugar de origen que Ángel, un pueblo agrario del sur de México, azotado por una catástrofe climática, y hablan el mismo idioma: el mixteco.

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UNA FÁBULA PREMONITORIA SOBRE EL DESENCANTO

por Consuelo Abalos

Probablemente si hacemos el ejercicio de preguntar a un grupo de jóvenes veinteañeros si han visto series chilenas, la primera – y a veces la única – que recuerdan es El reemplazante. Las razones pueden ser múltiples, pero hay algunas intuiciones que se esbozan en esta crítica.

El reemplazante es una serie televisiva chilena basada en la idea original de Javier Bertossi, Ni**od Amitai e Ignacio Arnold. Fue producida por Parox con el apoyo del Fondo del Consejo Nacional de Televisión (CTNV) entre los años 2012 y 2014; emitida por Televisión Nacional de Chile (TVN) con unos índices de audiencia tan altos como poco frecuentes para las producciones locales.

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¡MUCHAS GRACIAS!

PRIMER PLANO cumplió tres años y lo celebramos en grande hace unos días en la Cineteca Nacional.

Queremos seguir compartiendo con ustedes lo mejor de la cultura cinematográfica. ¡Con su apoyo y entusiasmo podremos lograrlo!

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PRIMER PLANO. Histórica, actual y recargada.

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"Creo que un film que ha sido hecho con mucha devoción, específicamente para niños, puede fácilmente gustar mucho a los adultos."

Hayao Miyazaki

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PUAN: FUNCIONAR Y NO EXISTIR

por Francisca Ponce

Lo último de los argentinos María Alché y Benjamín Naishtat es una comedia filosófica que sabe jugar con el humor y el drama existencial. Ganadora del premio en el Festival de San Sebastián al mejor guion e interpretación protagonista, Puan no tardó en convertirse en un extraño fenómeno en su país al representar una fiel radiografía social y política de la Argentina… pero no solo…

En una de sus clases particulares, Marcelo Pena se detiene en el significado del ser que Heidegger definió como el acto de existir. “Es una acción, el único movimiento que nos puede salvar de la caída. Uno existe cuando está dispuesto a experimentar en su vida todo aquello que no conoce, que le produce vértigo”, explica Pena, como si ello fuera la máxima definitiva.

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NILS BONGUE, FUNDADOR DEL CINECLUBISMO UNIVERSITARIO CHILENO

por Camilo Matiz Zamorano

Esta presentación se inscribe en una inquietud personal del autor –probablemente, también generacional- ligada al redescubrimiento, reivindicación y recuperación de películas, autores y espacios de producción y divulgación de cine en Chile no registrados en la historia oficial, o cuya referencia es marginal. Es un ejercicio de indagación tanto teórica e histórica, como también material. En años anteriores, indagué en el caso de la Cineteca de Ovalle y del Cine Club Amateur (de Santiago).

Ambas exploraciones me permitieron recuperar toda clase de referencias, documentos e incluso obras en sus soportes originales, asociadas a estos singulares espacios. Bajo ese mismo espíritu abordé la gestión de dos ciclos de Cine-Arte, una iniciativa encabezada por el cineclubista Nils Bongue y apoyada por el semanario Pro Arte y la Universidad de Chile. Esta fue la primera experiencia sistematizada de cineclubismo desarrollada en el circuito universitario chileno, a comienzos de los años 50 del siglo pasado.

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"Cuanto más nervioso estoy como cineasta, más ideas me vienen para resolver los problemas que todos los cineastas encuentran para contar historias."

Steven Spielberg

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LA GRAN BATALLA ENTRE EL DON Y LA ENFERMEDAD

por Marcos Lizenberg

El 25 de junio se estrenó en Amazon Prime el documental I am Celine Dion, retrato íntimo de la lucha de la cantante canadiense contra una rara enfermedad neurológica llamada Síndrome de la Persona Rígida (SPR). La potencia dramática de la cinta, dirigida por Irene Taylor Brodsky, está basada en dos principios constructivos.

El primero: la cámara persigue a la cantante a través de una vida cotidiana teñida por la angustia de la enfermedad, en la casa familiar, en el estudio de grabación, en las visitas médicas. Es Dion la que, mirando a los ojos al espectador, cuenta que la enfermedad le impidió subirse a un escenario durante los últimos dos años. Ahora busca dar un paso hacia la reconquista de su carrera (El que sin duda dio en la inauguración de los Juegos Olímpicos de París).

Ese doble papel de personaje y narradora anticipa un grado de condensación explosivo en la protagonista: no habrá otros testimonios ni tampoco recreaciones ficticias. Nadie gritará ¡corte! cuando la cantante se entregue a la congoja de haber perdido su voz, ni cuando sufra un ataque convulsivo en medio de una sesión de grabación.

La otra decisión sensible es la omisión de su trayectoria. La película no repasa las eras de la estrella del pop ni reconstruye su vida. Las únicas ráfagas que cortan el registro puro y duro del presente son algunos fragmentos de performances: conciertos, videoclips, filmaciones caseras donde una niña con cara de pájaro despliega un talento histriónico y, al mismo tiempo, elegante. La clave está en que estos flashbacks, en vez de historizar, revelan una especie de núcleo impermeable, una continuidad espiritual: Celine Dion ha sido siempre la misma.

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PRIMER PLANO VOLVIÓ Y YA CUMPLE TRES AÑOS

Todo comenzó por un hallazgo. Y por ejercitar la memoria y la reflexión. Claudio Salinas, Hans Stange y David Vera-Meiggs (todos profesores del entonces ICEI de la Universidad de Chile, hoy facultad) estaban investigando sobre la obra de Sergio Salinas, uno de los grandes críticos de cine nacionales por varias décadas y co-fundador de la revista Primer Plano, en los setenta. Y se encontraron con que Héctor Soto, a quien entrevistaron para la investigación y otro de sus co-fundadores, guardaba los originales del número de la primavera del 73 que, por razones obvias… no fue publicado por la Universidad Católica de Valparaíso, su casa editora.

Se fueron entusiasmando, Héctor encontró los originales. Los “del ICEI” le llevaron la idea de publicar el número “suspendido” a Faride Zerán, a la sazón Vicerrectora de Extensión de la Universidad. Y el número 6 de Primer Plano, casi 50 años después, entró a imprenta.

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JUEGOS ESPECULARES DE IDENTIDAD NACIONAL

por Vera Meiggs

En Cofralandes hay surrealismo chileno en cambiante formato y cruce de géneros, con citas de grandes en boca de chicos, alusiones visuales al lenguaje verbal y una inusitada libertad narrativa que tal vez aún no sea posible tragar muy racionalmente, pero sí saborear, siempre y cuando se tenga humor y gusto por el cine.

Los últimos treinta años del cine de Raúl Ruiz fueron un constante desafío a las convenciones narrativas y un juego permanente con la poesía y el lenguaje. Se dirigió sin inhibiciones hacia el terreno del delirio, de las asociaciones libres, de los juegos intrincados, de los collages. Ruiz no tuvo piedad con las convenciones y arrojó a su espectador a un laberinto, sin mapa, sin avisos y sin una Ariadna que le permitiera volver sobre sus pasos. «Arrégleselas solo» pareciera haber sido su imperativo empujón dentro de su mundo creativo.

La larga residencia en Francia le estimuló esta actitud juguetona. Laberinto sí, pero sin monstruo devorador, excepto el que el espectador mismo va formando con los fragmentos de espejos que Ruiz fue dejando desparramados por el camino. De esos fragmentos, de su selección y ordenamiento aleatorio, está hecha buena parte del arte de Ruiz.

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LOS BOSQUES NO ENVEJECEN

por María Eugenia Meza

La frase del título es una mentira. Los bosques, como todo, sí lo hacen. Pero en el último documental de Ignacio Agüero –“Notas para una película”- los que fueron filmados en 2022, aparentan ser de fines del siglo antepasado. Un marco para un filme en que el tiempo se camufla, se imbrica, se deshace en medio de la lluvia y de una evocadora fotografía en blanco y negro. Y parece decir que lo que tampoco envejece es la injusticia.

La vegetación captada por la cámara puede ser del mil ochocientos o del dos mil y tantos … el ojo de quien observa desde una butaca no puede distinguir. Por eso, el actor Alexis Maspreuve puede ser a veces él mismo o Gustave Verniory, el ingeniero belga que dejó un registro de los 10 años en que vivió en la Araucanía tendiendo caminos para el tren, entre 1889 y 1899. Solo los árboles y los helechos saben que siempre será 2022…

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Ven a compartir con nosotros y nuestros anfitriones de la .cl, la celebración de nuestra revista de cine digital.

Te esperamos el viernes 26 de julio a las 20:00 horas, con una función gratuita de “Cofralandes 1”, una gran conversación y la noticia de la renovación completa de nuestra página.

Reserva tu ticket para la función en el siguiente link: https://www.cclm.cl/ticketera/?pid=387432 (Link en BIO)

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Exportando lo solemne

por Gabriel Angel Sánchez

¿Es Chile un país solemne? Esa es una pregunta extranjera, que se plantea y, asumo, se responde afirmativamente, cada vez que una película independiente se hace con alguna nominación importante en algún festival importante. Puedo imaginarme (y no sólo imaginarme, porque lo he visto), cómo el público europeo admira (y disfruta) la capacidad de Chile para retratar un país triste y cansado, de gente dañada y contemplativa.

Pero esa declaración es una aberración cultural: Chile no es un conjunto de planos fijos de cuatro minutos en plano conjunto. En Chile se grita, en Chile se canta, en Chile se insulta, en Chile se ríe, como buen país latinoamericano. Gran parte de las producciones nacionales independientes, sin embargo, han decidido que tras esas pulsiones no hay caldo de cultivo para exportar particularidades. En el eterno desligue de su condición latinoamericana, una vez más, Chile ha inventado otra forma de ser Chile.

¿Cómo lo ha hecho?

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¿Qué se necesita para que haya vida en otro planeta?: agua y un pampino
por Cristobal Urzua

Pampas Marcianas, dirigida por Aníbal Jofré, desafía las convenciones del género documental al integrar elementos de ciencia ficción en su relato. Desde el primer fotograma, la película se sumerge en la árida geografía de María Elena, un pueblo chileno ubicado en la región de Antofagasta. Con una duración de 75 minutos, Jofré logra capturar la esencia de una comunidad que vive en lo que es considerado el lugar más seco del planeta, un entorno que, paradójicamente, se asemeja a las condiciones de Marte.

La premisa de la película -¿qué pensarían los habitantes de María Elena, los llamados pampinos, sobre la posibilidad de colonizar Marte?- es tan audaz como cautivadora. Este planteamiento, que podría parecer una simple fantasía, se aborda con una seriedad y profundidad que invita a reflexionar sobre la identidad, el arraigo y la adaptación humana frente a entornos extremos.

Aníbal Jofré emplea una narrativa colaborativa que integra voces diversas, desde la radio comunitaria hasta estudiantes del Liceo María Elena. Esta técnica no solo enriquece el relato, sino que también le otorga autenticidad. Los pampinos, descendientes de trabajadores de diversas salitreras, cerradas después del apogeo del salitre en Chile, se reconocen a sí mismos en esta comunidad única.

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NOSTALGIA VISUAL: “LOS 80” Y EL USO DEL ARCHIVO
por Claudia Bossay

«Los 80, más que una moda« (Canal 13, Wood Producciones) ha sido una serie de televisión que marcó un hito en los proyectos desarrollados para la celebración del Bicentenario de la Independencia de Chile, con su primera temporada el 2008, y que además se convirtió en una exhibición ícono de Canal 13, ya que continuó con seis temporadas más, acompañando desde la pantalla a buena parte de quienes vivían en Chile hasta el 2014.

La serie fue programada en horario estelar (luego del noticiario vespertino) y también formó parte de la parrilla programática de los días domingo. Además, a solicitud de los espectadores, se volvió a emitir en reiteradas ocasiones, hasta que el 2014 pasó a formar parte de la señal internacional del canal 13i. La serie también está disponible en Prime Video, CNTV play, y en el sitio del propio canal, extendiendo así la posibilidad de verla y volver a verla.

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UN ESLABÓN EXTRAVIADO DEL CINE AMATEUR CHILENO
por Camilo Matiz Zamorano

El 1 de febrero de 1946 el diario La Nación publicó una inquietante fotografía grupal donde posan, por primera y única vez juntos, los miembros del Club Fotográfico de Chile y del Cine Club Amateur de Chile. Lo inquietante es que todos los rostros están borrosos, difusos, irreconocibles. La imagen no está mal digitalizada: es así, ya sea por el uso del flash, el retoque para la diagramación, o por un error de laboratorio. Como haya sido, se constituye en un retrato fantasmal clave, un registro espectral que presagia la ausencia de la materia. La ausencia fílmica a la que apela este artículo (*).

El Foto-Cine Club de Chile fue una organización privada, fundada en Santiago en 1937 como Club Fotográfico de Chile. Sus principales actividades fueron la organización, en torno a fotografía, de salones anuales, talleres, charlas y exposiciones. En 1950, los socios modificaron nombre y estatutos para ampliar sus actividades hacia la cinematografía. Movie Makers, revista estadounidense, informó dicha fusión, aunque a entender de este investigador el Club Fotográfico absorbió al Cine Club Amateur, fundado en 1942, porque de él… nunca más se supo. El giro, al incluir el cine en su nombre y prácticas, se entiende en gran medida por la bullante actividad cinematográfica desarrollada en Chile durante la década de 1940. Bullante, mas no del todo exitosa en lo comercial.

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