Pracownia.fikus

Zapraszamy na zajęcia plastyczne dla dzieci i młodzieży.

Pracownia Fikus - prowadzimy zajęcia plastyczne dla dzieci i młodzieży. Mające za zadanie zwiększenie umiejętności rysunkowych i malarskich. Pomóc w rozwoju kreatywności. Poznanie własnych umiejętności artystycznych, pomoc w przygotowaniu teczki do szkół plastycznych, na uczelnie wyższe, jako nowe hobby.

Nauka rysunku i malarstwa rozwija umiejętności obserwacyjne - poszerza horyzonty, uczy bardziej wnikliwej obserwacji świata, widzenia przestrzennego. Koncentracja, kreatywność - pomaga rozwijać wyobraźnię, uspokaja, relaksuje i wycisza.

Zajęcia artystyczne są doskonałą okazją do połączenie nauki i zabawy, pozwalając dzieciom i młodzieży odkryć pasję w dziedzinie sztuki i nauk plastycznych.

Zajęcia grupowe w środę i piątek od godziny 16.00 do 18:00;
Kraków, Al. Słowackiego.

* Grupa maksymalnie 12 osobowa.
* Zajęcia trwają 2 godziny zegarowe.
* Na zajęcia grupowe zapewniamy wszystkie potrzebne materiały.
* Minimalna ilość uczestników 5 osób.
* Dwie grupy wiekowe.
* Dzieci od lat 8.

Zajęcia indywidualne
* Zajęcia trwają 3 godziny zegarowe.

Przygotowanie do egzaminów, do liceum plastycznego, na uczelnie wyższe.
Hobbystyczna nauka rysunku i malarstwa.

Prosimy o kontakt telefoniczny, mailowy w celu ustalenia terminu zajęć indywidualnych.

Cena:

Warsztaty grupowe:

4 spotkań w miesiącu / 320 zł (40 zł godzina)
1 spotkania / 100 zł (50 zł godzina)

Zajęcia indywidualne:

4 spotkań w miesiącu / 600 zł (50 zł godzina)
1 spotkania / 180 zł (60 zł godzina)

Zapisy:

[email protected]
692 303 027

Serdecznie Zapraszamy!

P.s. Dla chętnych, zainteresowanych witrażem - w Fundacji Wyspart
- warsztaty zaczynają się 13 Stycznia!

🎨Sztuka w zgodzie z naturą!

Czy wiesz, że niektóre z najpiękniejszych dzieł sztuki powstały w wyniku artystycznego spaceru w łonie natury? Plenery artystyczne i malarstwo plenerowe to fascynujące połączenie sztuki z przyrodą, które od wieków zachwyca zarówno artystów, jak i miłośników sztuki.

Pierwsze plenery artystyczne miały swoje korzenie w XIX wieku, zwłaszcza w czasach, gdy artyści zaczęli odrzucać tradycyjne metody malowania w atelier na rzecz malowania na świeżym powietrzu. Zmiany społeczne, kulturalne i technologiczne sprzyjały poszukiwaniu nowych środków artystycznych, w tym malowania na świeżym powietrzu.

Grupa impresjonistów była kluczowa dla rozwoju malarstwa plenerowego. Artyści tacy jak Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir i inni wybierali malować na świeżym powietrzu, korzystając z naturalnego światła i unikając idealizacji tematów. Rozwój kolei i innych środków transportu ułatwiał artystom podróżowanie do odległych miejsc, dzięki czemu mieli szansę malować różnorodne krajobrazy i pejzaże.

Malowanie plenerowe umożliwiało artystom bardziej autentyczne odwzorowanie światła, kolorów i atmosfery danego miejsca. Pozwalało to na bardziej naturalne i spontaniczne dzieła, zamiast idealizowanych kompozycji malowanych w pracowni.

Plenery artystyczne odegrały ważną rolę w przekształceniu podejścia do malarstwa. Ruch impresjonistyczny i późniejsze nurty artystyczne kontynuowały praktykę malowania na świeżym powietrzu, przyczyniając się do ewolucji nowoczesnej sztuki.

Artyści malujący w plenerze korzystają z różnych technik malarskich, takich jak olej, akwarela, pastel, gwasze czy akryl, w zależności od swoich preferencji i stylu. Istotne jest, że praktyka malowania w plenerze daje artystom możliwość bezpośredniej obserwacji natury, światła i atmosfery, co może mieć wpływ na sposób postrzegania i uchwycenia tematu.

Pierwsze plenery artystyczne przyczyniły się do wyzwolenia sztuki od tradycyjnych norm i konwencji oraz zaowocowały nowymi formami wyrazu artystycznego. Te początkowe eksperymenty w malowaniu na świeżym powietrzu zapoczątkowały tradycję, która trwa do dzisiaj, zachęcając artystów do szukania inspiracji w naturze i rzeczywistości.

💡 A Ty, co sądzisz o malarstwie plenerowym? Czy wiesz, jakie miejsce bliskie Twojemu sercu warto byłoby uwiecznić na płótnie? Podziel się swoimi myślami w komentarzu!
Reprodukcje:
Claude Monet - "Impresja, wschód słońca" 1872
Vincent van Gogh - "Gwiaździsta noc" (Starry Night) 1889
Pierre-Auguste Renoir - "Le Moulin de la Galette" 1876
David Hockney - "A Bigger Splash" 1967

W piątek zakończyliśmy pierwszy turnus kursu wakacyjnego w Pracownia.fikus. Dzielimy się tym tygodniem z Wami! Pogoda nam dopisała i ostatniego dnia wybraliśmy się na plener do Parku Jordanowskiego.

Otworzyliśmy już nabór na kolejną edycję kursu:
TERMIN: 28.8.23 - 01.09.23

https://fb.me/e/2r7ibBkmA

Do zobaczenia na kolejnym kursie wakacyjnym w Pracowni Fikus!

🎨 ZABIEG FORMALNY W SZTUKACH WIZUALNYCH: UPROSZCZENIE FORMY 🎨

Czy zastanawialiście się kiedyś, dlaczego niektóre dzieła sztuki składają się z uproszczonych figur geometrycznych lub korzystają z wąskich gam kolorystycznych? To właśnie efekt zabiegu formalnego, który odnajdujemy w wielu dziedzinach sztuk wizualnych, takich jak rysunek, malarstwo czy projektowanie graficzne.
Dzisiaj opowiemy Wam o tym zagadnieniu.

Dlaczego taka praktyka stała się popularna?

Zabieg formalny polega na celowym uproszczeniu formy, redukując ją do podstawowych figur geometrycznych lub ograniczając paletę kolorów do wąskiego zakresu. Choć może się wydawać, że jest to niedbałe lub przypadkowe podejście, tak naprawdę ma swoje korzenie w świadomym procesie twórczym.

Twórcy zastosowali ten zabieg w końcu XIX wieku i na początku XX wieku, aby dążyć do esencji przedstawionego obiektu. To pozwoliło na wydobycie emocji i idei
w sposób bardziej klarowny i bezpośredni. Zabieg formalny znalazł swoje miejsce głównie w nurtach artystycznych takich jak kubizm, konstruktywizm czy suprematyzm.
W tych kierunkach możemy dostrzec zastosowanie geometrycznych form
i ograniczonych palet kolorystycznych. Artystyczne eksperymenty z uproszczonymi kształtami, takimi jak sześciany, stożki czy prostopadłościany, miały na celu przełamanie tradycyjnego sposobu przedstawiania rzeczywistości i wprowadzenie nowych, bardziej abstrakcyjnych i ekspresyjnych form.

Dziś zabieg formalny jest również powszechnie stosowany w projektowaniu graficznym. Proste, geometryczne kształty i minimalistyczne palety barw zyskały popularność ze względu na swoją estetykę i czytelność. Zastosowanie uproszczonej formy pozwala na skupienie uwagi na najważniejszych elementach przekazu, umożliwiając łatwiejsze zrozumienie informacji.

W projektowaniu logo, identyfikacji wizualnej czy materiałów reklamowych, ten zabieg formalny często zapewnia nie tylko estetyczne walory, ale także efektywność komunikacji, im prościej tym lepiej. My jako odbiorcy poświęcamy przekazowi wizualnemu bardzo mało czasu, kilka sekund! W tym czasie ma nas coś zainteresować, zaskoczyć i przyciągnąć uwagę na dłużej.

Jeśli chodzi o naukę rysunku i malarstwa, praca z uproszczoną formą ma wiele zalet. Po pierwsze, pomaga rozwijać umiejętność obserwacji, skupiając się na podstawowych kształtach i strukturach, które są obecne w przedmiotach codziennego życia. Uproszczona forma pozwala również na eksplorację kompozycji
i układów.

Korzystanie z wąskiej gamy kolorystycznej wymaga większej uwagi na wartości tonalne i kontrastach, co prowadzi do bardziej precyzyjnego i świadomego podejścia do koloru.

Ta technika pozwala na budowanie kompozycji i struktury dzieła, zaczynając od podstaw i stopniowo dodając bardziej precyzyjne detale. Dzięki tej zasadzie artyści mogą kontrolować proces twórczy, skupiając się na kompozycji i relacjach między elementami, a następnie stopniowo rozwijając detale.
Cieszę się, że mogliśmy podzielić się z Wami tą pasjonującą tematyką.
Podzielcie się swoimi refleksjami i inspiracjami w komentarzach!

* Ilustracje w poście autorstwa

Trzeci temat z naszych zajęć - Ilustracja!

Ilustracja to forma artystyczna, w której obraz staje się interpretacją lub wzbogaceniem tekstu, pobudzając naszą wyobraźnię i lepiej zrozumieć treść.
Ściśle odnosi się do konkretnego tekstu lub tematu, który stanowi jej źródło inspiracji.

Ilustracje znajdziemy w książkach, na stronach czasopism, na plakatach reklamowych, na stronach internetowych czy w animacji. W tej niezwykłej symbiozie słowa i obrazu ukrywa się ogromna siła, która doskonale komunikuje idee i emocje.

Pierwsze ilustracje w historii sięgają starożytności, ale prawdziwy rozkwit tej dziedziny sztuki nastąpił wraz z wynalezieniem druku w XV wieku. Dzięki temu nowemu medium ilustracje zyskały na popularności i zaczęły odgrywać coraz większą rolę w naszym życiu. Wraz z rozwojem druku książkowego stały się nieodłącznym elementem narracji, wzbogacając tekst.

A teraz, tak jak w poprzednich postach z tej serii, przedstawiamy artystów, którzy przyczynili się do rozwoju ilustracji na przestrzeni wieków, poniżej kilka z nich:

🎨Gustave Doré: Francuski ilustrator i rytownik, słynący z przepięknych ilustracji do takiego dzieła jak „Boska komedia" Dantego. Jego prace wyróżniają się niezwykłą precyzją, dramatyzmem i bogactwem detali.

🎨Aubrey Beardsley: Angielski ilustrator i projektant, który przyczynił się do rozwoju secesji i art nouveau. Jego ekscentryczne ilustracje, charakteryzujące się precyzją linii i erotycznym nastrojem, wywarły duży wpływ na ilustrację i sztukę dekoracyjną.

🎨Arthur Rackham: Brytyjski ilustrator, znany z pięknych ilustracji do baśni i literatury dziecięcej, takich jak „Dziecię króla" Shakespeare'a czy „Baśnie" braci Grimm. Jego prace cechuje oniryczny klimat, pełne detali i tajemniczość.

🎨Mary Blair: Amerykańska ilustratorka i projektantka, która miała ogromny wpływ na animacje Walta Disneya.

🎨Tove Jansson: Fińska autorka i ilustratorka, znana przede wszystkim ze swojej serii książek o Muminkach.

Współczesna ilustracja rozwija się w różnych kierunkach i stylach, inspirując nas swoją oryginalnością. Dzisiaj mamy przyjemność podziwiać pracę wielu utalentowanych ilustratorów, którzy tworzą niezwykłe obrazy, przekazując własne historie i interpretacje tekstu.
Ilustracja to nie tylko środek przekazu, ale także forma sztuki, która nas zaskakuje, porusza, wzbudza w nas śmiech, czy wzruszenie.
Macie swoich ulubionych ilustratorów? Jeśli tak, podzielcie się nimi w komentarzach!

Do zobaczenia przy okazji czwartego, przedostatniego posta w naszej serii

‘I like a canvas to breathe and be alive. Be alive is the point.’ - Lee Krasner

🎨📚 Drugi post w naszym cyklu edukacyjnym poświęconym sztuce!

Dzisiaj chcielibyśmy Wam przybliżyć technikę malarską, oraz nurt ekspresjonizmu abstrakcyjnego z XX wieku, czyli action painting. Inaczej można nazwać tą technikę malarstwem gestu. Przygotujcie się na ekspresyjną podróż po tle historycznym i wybitnych artystach, którzy stworzyli kultowe dzieła!

Action painting kładzie akcent na spontaniczne, dynamiczne ruchy pędzlem. To sztuka w czystej postaci, oparta na wyrażeniu emocji i wewnętrznego doświadczenia artysty poprzez ślady farby na płótnie. W tej technicę najważniejszy jest proces twórczy, droga do powstania dzieła, a nie sam efekt końcowy. Sztuka zaczyna się od decyzji artysty, z tej myśli wywodzi się między innymi happening, o którym więcej opowiemy w przyszłości.

Malarstwo gestu sięga lat 40. XX wieku, kiedy to malarze postanowili zerwać z konwencjonalnymi technikami malarskimi i podążyć w kierunku całkowitej swobody wyrazu. To wtedy powstała grupa artystów, którzy zrewolucjonizowali świat sztuki. Pozwólcie, że przedstawię Wam kilku z nich:

🌟 Dan Christensen: Był jednym z najważniejszych przedstawicieli action painting w Ameryce. Jego autorska metoda polegała na używaniu miotły, wycieraczki do mycia okien, oraz sprayów do nanoszenia farby na płótno, co tworzyło wyjątkowe i dynamiczne kompozycje. Uwielbiał eksperymentować z wielobarwnymi liniami i wirującymi formami.

🌟 Lynda Benglis: Ta utalentowana artystka stworzyła niezwykłe rzeźby z farby, które wydawały się unoszące w powietrzu. Jedną z jej charakterystycznych technik było nanoszenie farby przy użyciu sznurków lub wiązek gumowych, co tworzyło trójwymiarowe struktury i efektowne plamy barwne.

🌟 Lee Krasner: Była wybitną artystką, oraz żoną Jacksona Po***cka. Krasner eksperymentowała z różnymi narzędziami malarskimi, takimi jak szpachelki, noże i pędzle o różnych kształtach. Jej autorska metoda polegała na nakładaniu wielu warstw farby, tworząc gęste tekstury i dynamiczne kompozycje.

🌟 Janet Sobel: To artystka, prekursorka action painting. Używała różnych narzędzi, takich jak kawałki drewna, gwoździe i metalowe elementy, aby nanosić farbę na płótno. Jej autorska metoda polegała na malowaniu wirujących form, które przypominały naturalne twory, takie jak horyzontalne fale czy wiry.

🌟 Jackson Po***ck: I w końcu, nasz najbardziej znany artysta z tego grona. Po***ck jest uważany za ikonę action painting. Jego technika polegała na wylewaniu/kapaniu farby na płótno, tworząc abstrakcyjne i energetyczne kompozycje. Nie tylko używał pędzli, ale również farby rozpylanej z puszki w celu uzyskania różnorodnych efektów.

A teraz kilka ciekawostek! Wiecie, że Po***ck malował swoje słynne dzieła często na podłodze? Tak, prawda! Po prostu rozkładał ogromne płótno na ziemi i nad nim pracował, umożliwiając sobie pełną swobodę ruchu. Lynda Benglis, z kolei, używała żywic do swoich rzeźb, dodając im jeszcze większej trójwymiarowości. Action painting często wymagał fizycznego zaangażowania artysty. Niektórzy artyści malowali na dużych płótnach, które wymagały od nich ruchów całego ciała, a nie tylko ręki.

Action painting to wyraz wolności i twórczej ekspresji. To ruch artystyczny, który otworzył drzwi dla niezliczonych innowacyjnych technik i inspirujących dzieł. Mam nadzieję, że ta podróż po XX wieku w sztuce wizualnej okaże się dla Was fascynująca!

Czy znacie inne interesujące fakty o artystach związanych z tym ruchem? Podzielcie się swoimi spostrzeżeniami i refleksjami w komentarzach poniżej! Trzymajcie się! 🎨✨

Dębica

🎨🌟 Zapraszamy na niezwykłą przygodę artystyczną! 🌟🎨

Czy marzysz o odkryciu swojego wewnętrznego twórcy? Czy kiedykolwiek czułeś, że w Twoich dłoniach drzemie magia, która tylko czeka, by się wydostać? 🎨✨ Jeśli tak, to mamy dla Ciebie niezwykłą wiadomość!

Już w najbliższy poniedziałek rozpoczynamy nasze warsztaty plastyczne, gdzie każdy, bez względu na wiek czy umiejętności, może odkryć swoje artystyczne powołanie i rozwijać swoje pasje. Niezdecydowani, szukający inspiracji i wszyscy, którzy pragną wykorzystać swoją kreatywność, są serdecznie zaproszeni!

Czas zrealizować swoje artystyczne marzenia! Nie trać szansy na rozwinięcie swojego talentu. Zapisz się na nasze warsztaty plastyczne już dziś i bądź gotowy/gotowa na magiczne chwile twórczej ekspresji!

📆 Data rozpoczęcia 10 LIPCA
Link do wydarzenia https://fb.me/e/tGts4AV7U

Wraz z tym postem zaczynamy 5 - dniowy cykl edukacyjny, polegający na przybliżeniu sylwetek twórców, którzy wykorzystywali techniki pojawiające się na naszych kursach. Zaczniemy od kolażu!

Nazwa: Kolaż powstała od francuskiego czasownika coller, czyli przylepiać. Kolaż jest techniką, która pojawiła się po raz pierwszy w starożytnych Chinach.
Choć w Europie spopularyzowała się głównie dzięki przedstawicielom Kubizmu: Georges Braque i Pablo Picasso. Już w 1911 spod dłoni Georges’a Braque wyszedł kolaż przedstawiający martwą naturę.

Przenieśmy się trochę w czasie. W XX wieku w 1920 roku zaczął kiełkować nowy kierunek w sztuce: Surrealizm, a wraz z nim nowe postawy, które definiowały go. Max Ernst - niemiecki artysta wizualny stworzył czarno- biały kolaż zatytułowany: „Chory koń”. Do zrobienia tego kolażu Max Ernst wykorzystał litografie z atlasu anatomicznego i zamienił jętkę (skrzydlaty owad) w konia!

To nie wszystko! 4 lata później powstał kolaż-plakat Alexandra Rodchenko. Przedstawiciela konstruktywizmu. Wykorzystał do niego fotografie reżyserki filmowej, Lili Brik. Warto tu podkreślić, że autorem zdjęcia był sam Alexander, więc ów plakat można nazwać także fotomontażem.

Na ostatki zostawiamy coś najbardziej nam bliskiego czasem. W 1956 roku Richard Hamilton wraz z kolażem pt.: Co sprawia, że nasze mieszkania są tak inne..? Pokazuje prawdę o otaczającym go „krajobrazie”. W jego kolażach pojawiają się produkty współczesnego świata: lizaki, komiksy, telewizory, atletyczne ciała, szynka konserwowa.

Skończymy dziś na tym, ale zachęcamy do jeszcze lepszego poznania twórców przedstawionych tu dzieł.

Napiszcie nam, czy taki typ postów jest dla Was inspirujący? A może Wam w nim czegoś brakuje? Lubimy z Wami rozmawiać, więc śmiało piszcie!

Chcemy serdecznie podziękować wszystkim, którzy wzięli udział w naszych sobotnich warsztatach plastycznych "Maski i płaskorzeźby".
Wasza obecność sprawiła, że te warsztaty były wyjątkowe
i niezapomniane!

Zachęcamy Was wszystkich do kontynuowania swojej artystycznej podróży i eksplorowania różnych technik i tematów. Wasze prace są inspirujące dla nas wszystkich i dowodzą, że każda chwila spędzona na tworzeniu jest niezwykle cenna.

Zapraszamy na nasze wakacyjne warsztaty!
Możecie rozwijać swoje umiejętności, czerpać inspirację i odkrywać nowe techniki artystyczne.
Niezależnie od poziomu zaawansowania, każdy znajdzie coś dla siebie.

OD 10 DO 14 LIPCA
Link do wydarzenia https://fb.me/e/tGts4AV7U