De Cuerda Rasgada

😳 Es muy probable que la mayoría de la gente no llegue a tocar un instrumento en su vida, y sobre todo el que siempre soñaron en hacerlo.

🙄 Por cierto, los que lo logran es porque practican ciertos hábitos que los hacen más resilientes en superar la frustración. Y lo logran con mucho esfuerzo y voluntad.

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😇 Son muchos los hechos que dejan ver la unión histórica entre uno de los instrumentos reyes de la música clásica y la figura femenina. Para ello, se hace necesario detenerse en la vida musical italiana de los siglos XVII y XVIII y observar cómo las mujeres consiguieron relacionarse y entendieron la sociedad que les rodeaba a través de la unión con la música y la interpretación de este instrumento. Así pues, toman aquí importancia los hospicios italianos como lugares en donde las mujeres consiguieron aprovechar las pequeñas oportunidades que la vida les brindaba para salir airosas y reforzadas.

Es durante los siglos XV y XVI cuando, producto de guerras y epidemias, muchas ciudades europeas se vieron asoladas por la desnutrición. Debido a que el pueblo no encontraba medios para poder valerse por sí mismo, las gentes recurrieron a la Iglesia cristiana y a su caridad para aliviar sus necesidades. Este hecho provocó que cobrasen especial importancia las instituciones caritativas eclesiásticas. En esas fundaciones, la Contrarreforma Católica procuró dar una nueva extensión al concepto de caridad medieval. Así, las autoridades eclesiásticas, que se hacían cargo del abandono infantil producto de la pobreza que imperaba durante este periodo en Europa, pretendían dotar de una moral cristiana y cierta cultura a sus protegidos para que desarrollasen un conocimiento profesional que les permitiera ganarse la vida y, en un futuro, poder ayudar a la obra cristiana. La música, junto a los estudios tradicionales como el latín, la retórica o la teología, ocupó un lugar central en la vida educativa de los hospicios.

Esta situación de caridad por los huérfanos que imperaba en Europa, junto al ardor que la música despertaba en la sociedad veneciana, provocó, en dicha ciudad, una de las experiencias musicales y educativas más sobresalientes en la historia europea y dentro del periodo musical conocido como Barroco. En ella se abrieron cuatro hospicios u Ospedali y, si en Nápoles las instituciones reservaban, en su mayoría, el estudio de la música a los jóvenes, en Venecia las muchachas eran las únicas encargadas de recibir dichas enseñanzas. Pues, si los niños salían pronto del hospicio para ocupar puestos de aprendices en las distintas corporaciones de la ciudad, las niñas no podían salir de ellos antes de la edad adulta y solo para casarse o tomar el velo. Esto provocaba una longevidad de la relación de estas pupilas con la institución eclesiástica y, por tanto, el desarrollo de los conocimientos adquiridos por estas niñas dentro de la propia institución era mucho mas aprovechado a beneficio de esta.

Aunque la música religiosa realizada dentro estos centros se basaba en música coral acompañada de órgano, a mediados del siglo XVII se fue introduciendo la utilización de los instrumentos como parte de esta actividad musical. Tanto dentro como fuera de dichas instituciones esta práctica se hacía cada vez mayor, pero fue el Ospedale de la Pietà la institución que adquirió gran fama en el uso de instrumentos, principalmente de cuerda, dentro de sus manifestaciones musicales-religiosas. El violín fue uno de los instrumentos cultivados por la institución de manera excepcional, y el repertorio escrito para este aumentó de manera vertiginosa por el gran nivel que demostraron muchas de las muchachas que en el hospicio residían. Precisamente por esa necesidad de formar a gran nivel a estas jovencitas es por la que aparece la figura del compositor veneciano Antonio Vivaldi (1678-1741), el cual ha quedado ligado fuertemente a los muros del Ospedale de la Pietà.

Dentro de los muros de estas instituciones italianas se hace posible rescatar los primeros nombres de mujeres violinistas, como es el caso de Anna María della Pieta, Michielina della Pietá o Santa María della Pietá (1725-ca.1750, mu**ta después de 1774). Estas imágenes del pasado sirven de punto de partida para establecer los orígenes de esta relación y para seguir relatando la misma en el siglo XIX y principios del XX.

https://www.melomanodigital.com/la-figura-de-las-mujeres-en-la-historia-del-violin/

😍 En la Edad Media el artesano que construía instrumentos musicales se le conocía como Hacedor de instrumentos, profesión que se consideraba unida a las de tañedor de instrumentos y maestro de danza.

En el siglo XVI en España, esta profesión no se considera oficial, se le conoce como violero y guitarrero, posteriormente como lutero por asociación al luth o laúd, que era el instrumento más popular.

A comienzos del siglo XVII, entre 1614 y 1620, el alemán Michael Praetorius (1571-1621), cuyo verdadero apellido era Schulz, Schultz ó Schultze, publica Syntagma Musicum, tratado sobre música e instrumentos musicales en tres volúmenes, con excelentes referencias de la música en el período griego, además de ser una importante fuente de referencia sobre organología y fabricación de instrumentos Theatrum instrumentorum.

También en este siglo, Marin Mersenne, monje y teórico musical francés, escribe los tratados Questions harmoniques…(Temas armónicos); Harmonie universelle…(Armonía universal); De la Nature des sons…(De la Naturaleza de los sonidos).

En el siglo XVIII el lutier tenía el monopolio de la construcción de instrumentos de cuerda frotada y pinzada y desde esta época la lutería se asocia generalmente con las ciudades de Cremona, Mirecourt y París y las familias: Amati (el padre y sus tres hijos, Cremona 1505 – 1684), Antonio Stradivarius y sus dos hijos (Cremona, 1644-1742) y los Vuillaume (Mirecourt y París, 1700-1875).

Y a comienzos del siglo XVI Bolonia también (Maler, Tononi, Fiorini, Poggi, Regazzi).

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😇 ¿Cómo se usa la brea?
Para empezar a usar la brea, cuando es nueva, es necesario rasparle un poco la superficie que se va a usar con algo punteagudo, para sacar un poco de “polvo”. Una vez que se ha raspado o rallado un poco, por ejemplo, con la punta de una llave, se puede comenzar a frotar en las cerdas del violín.

La brea, al ser untada o frotada en las cerdas del violín, despide un polvo blanco que se pega a las cerdas. Este polvo blanco pegado en las cerdas hace que haya fricción entre las cerdas del arco y las cuerdas del violín, produciendo el sonido.

¿Cómo se pone la brea en el arco del violin?
La brea se pone en el arco del violin frotando o untando. Para hacerlo, sujeta en tu mano izquierda la brea, y con tu mano derecha coge el arco desde el talón. Frota las cerdas del arco sobre la brea para que se pegue el “polvo blanco” en las cerdas del arco. Hazlo uniformemente para que haya la misma cantidad de brea en todas las partes de las cerdas del arco.

Cuando el arco es nuevo, la primera vez deberás frotar bastante brea. Par que el “polvo blanco” de la brea se pegue a las cerdas por todos lados. Pero una vez que ya has tocado con el arco, no es necesario volver a poner brea todos los días. Puedes poner brea una vez a la semana, si tocas todos los días. O una vez al mes si tocas poco.

¿Como restaurar la resina (brea) de mi violin?
La brea o resina se funde con el calor, osea se hace líquida. Y conforme se enfría se endurece en la posición que la dejes. Si se te ha caído la brea y se te ha roto, puedes juntar todos los pedazos y ponerlos a calentar en una olla. Ten en cuenta que la olla será difícil de lavar, así que trata de usar una vieja.

Luego, una vez que se funda, la puedes colocar de nuevo en el plástico o estuche donde quieres que se endurezca. Puedes poner cinta o algo en los bordes para darle forma al espacio donde pondrás la brea caliente, para darle la forma que quieras. Una vez que enfríe, quedará en esa misma forma.

¿Cómo usar el arco del violin?
Para usar el arco del violin, primero debes aprender a tomar el arco de la manera correcta, es decir a colocar cada dedo en su lugar y entender la función que cada dedo tiene al tocar. El video a continuación te mostrará esto.

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😘 ¿Qué es la brea de un violin?
La brea se obtiene por destilación de ciertos tipos de árboles resinosos. La brea de un violin se unta en las cerdas del arco y sirve para darle mayor fricción y que el sonido se pueda producir.

Un arco sin brea no produce sonido. La brea se mira como un rectángulo y normalmente viene incluída al comprar un violín con arco y estuche. Este rectángulo, viene en una cajita de plástico o en una funda de tela, y es esencial para poder tocar el violín. Si quieres aprender a tocar el violín visita nuestro curso de violin online gratis.

El color de la brea o resina
El color de la brea o recina lo dicta la época del año durante la cual se recolecta. Si la resina se extrae a fines del invierno o principios de la primavera, será de color dorado o ámbar y de consistencia dura. A medida que las estaciones cambian a verano y otoño, el color de la resina se oscurece y la consistencia se suaviza.

La brea oscura es más suave y, por lo general, demasiado pegajosa para climas cálidos y húmedos; se adapta mejor a climas fríos y secos. Dado que la brea clara es más dura y no tan pegajosa como su contraparte más oscura, también es preferible para las cuerdas más altas.

Por lo que para el violín se recomienda la brea clara. La oscura es generalmente más recomendada para instrumentos graves como el chelo o contrabajo.

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🥰 ¿Cómo templar el arco del violin?
Para templar el arco del violin debes girar el tornillo en sentido de las manecillas del reloj. Lo ideal es templar las cerdas moderadamente, si las tensas demasiado puedes dañar la vara, al doblarla de una manera indeseable con el paso del tiempo.

Con el paso del tiempo, el exceso de tensión en el arco dobla la punta de la vara hacia la derecha o hacia la izquierda, lo cual no es bueno para tu arco.

Por el contrario si no tiemplas las cerdas lo suficiente, puede ser que al tocar la vara del arco entre en contacto con las cuerdas del violín, produciendo un sonido metálico y poco agradable. Por lo tanto, es importante aprender a tensar el arco correctamente.

¿Cuánto se debe tensar el arco del violin?
Lo mejor es tensar las cerdas solamente hasta que quepa el grueso de un lápiz entre la vara y las cerdas a la mitad del arco. Es decir, que pueda pasar un lápiz entre la vara y las cerdas a la altura de la mitad de toda la vara, en el centro del arco. Es importante que pases el lapiz en el centro del arco, ya que cerca del talón y cerca de la punta las cerdas se separan mucho más de la vara.

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😘 Un arco de violin es un palo de madera que se ensarta con pelo (tradicionalmente el pelo de la cola de un caballo) que se frota contra cuerdas afinadas para producir sonido. El arco es la parte larga y delgada con la que se toca el violín, con la que se produce el sonido.

Los arcos utilizados en violines, violas, violonchelos y bajos varían algo en términos de longitud, peso y número de pelos utilizados en el proceso de encordado.

¿De qué está hecho el arco del violin?
El arco del violin está compuesto por una vara de madera, usualmente de pernambuco (un buen arco), y muchas “cerdas” que se ven como hilos, normalmente blancos. En realidad se llaman cerdas, y provienen de la cola de caballos. Recientemente también se fabrican arcos de fibra de carbono, en vez de madera.

Además el arco del violin tiene otros componentes como el tornillo, que se gira para apretar o aflojar las cerdas. El talón, que es el rectángulo de donde salen las cerdas. La montura o entorchado, que es donde se asienta el dedo índice. Y el anillo que sujeta, da firmeza y acomoda las cerdas.

¿De qué son las cerdas del arco del violin?
Las cerdas del arco del violin están hechas, normalmente, de crin, o pelo de cola de caballo, tratado químicamente. Algunos arcos tienen cerdas de nylon, pero las cerdas naturales de cola de caballo son mejores.

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🥰 Lutheria o Lauderia puede definirse como el arte de hacer y derecho de vender instrumentos musicales de cuerda, viento o de percusión.

También se aplica al almacén o comercio del luthier.

Lutier es el artesano que fabrica, vende o repara instrumentos musicales de cuerda o instrumentos de música en general.

Ambas palabras provienen de la raíz luth (laúd), un instrumento común en la época medieval.

Es una ciencia amplia que abarca múltiples disciplinas relacionados con la música: su historia, métodos de construcción, mejora y desarrollo de nuevos instrumentos, innovaciones de mecanismos y accesorios que optimicen su rendimiento y resultado sonoro, estudio de materiales para su construcción, etc.

En los aspectos teóricos, se basa ampliamente en el estudio de la historia de la música de donde puede obtenerse el conocimiento y evolución de la musicología.

En el ámbito práctico, se apoya en multitud de publicaciones sobre materiales y técnicas para construcción de instrumentos musicales.

🧐 La profesión de Laudero es de las mas bonitas que podemos encontrar en el ámbito que rodea la música un Laudero o LUTIER y es la persona que se dedica a la construcción, fabricación y reparación de los instrumentos de madera específicamente de cuerda frotada y pulsada.

Obviamente se especifica en el conocimiento y tratado de las maderas tanto las mas comunes como las exóticas, los Lauderos pueden arreglar y pegar los diferentes tipo de maderas tienen los conocimientos para hacer un instrumentos a tu medida y también los puedes personalizar.

Uno de los problemas mas comunes en el ukulele referente a maderas es que se les despega el puente, la pieza de la tapa del ukulele donde van las cuerdas, y esto pasa ya que las maderas están vivas y reaccionan a los cambios de temperatura es ahí donde hay un problema en el puente y suele despegarse, pero tiene arreglo cuando lo llevas con un Laudero el lo puede pegar y también puede arreglarte un ukulele con algún problema mas grave.

https://ukuleleria.com/blogs/blog-ukuleleria/article-2

🧐 En la música, como en la vida cotidiana, encontramos situaciones sonoras en las que se dan relaciones inestables entre los elementos de un conjunto. De la aparente inestabilidad, los grandes compositores han sabido crear algo superior. En esta capacidad del sonido de conectar lo cotidiano con una cierta forma de belleza intangible reside una de las claves de la emoción musical.

En Las cuatro estaciones (1725) de Antonio Vivaldi (1678-1741) se puede escuchar cómo se representa el paso del tiempo a través de los paisajes sonoros y de una visión programática de la música. Estas piezas no son meramente una idea de la naturaleza, una sucesión de referentes lejanos, sino que sugieren que su compositor pasó largas horas escuchando y observando el paisaje para plasmarlo en la partitura.

😊 Albert Einstein de padres judíos, nace el 14 de marzo de 1879 en la ciudad de Suava de Ulm, al sur de Alemania, ciudad desaparecida en la segunda guerra mundial.

Cuando tenía un año se trasladó con su familia a Munich. Cursando los estudios de primaria recibió la instrucción católica, y la formación judaica la recibió en su entorno familiar, a pesar de que sus padres eran agnósticos.

El niño Einstein mostró en su formación católica un interés exacerbado por Dios, el cual fue disminuyendo debido a las lecturas científicas y filosóficas, aunque siempre en sus reflexiones y pensamientos estuvo Dios presente.

Él afirmó que su motivación por la ciencia era el “conocer los pensamientos de Dios”.

https://lacarnemagazine.com/albert-einstein-pasion-musica/

😁 Ara Malikian es un violinista español de origen libanés y ascendencia armenia. A muy temprana edad reconocieron su talento a pesar de las circunstancias en que la guerra civil libanesa le obligó a vivir. La gira 15, una de las más grandes de los últimos años, fue un éxito de público y crítica con más de 175.000 espectadores y más de 150
conciertos. Tras su última gira Petit Garage, fruto de la transformación de su anterior gira Royal Garage en un espectáculo de piano y violín, con el que recorrió el mundo, regresa con The Ara Malikian World Tour.

Ara Malikian define su nueva gira como “el resultado de ver crecer a mi hijo, de mi crecimiento a su lado, es todos esos sonidos y melodías que intentan darle forma a lo que he sentido y me ha inspirado de él y de la vida a través de él. Es un encuentro con el niño que no pude ser y hubiera soñado ser. Es un homenaje a esos seres que son tan libres como un pájaro libre”.

https://www.liceubarcelona.cat/es/temporada-2021-2022/otros-espectaculos/ara-malikian

😁 Niccolò Paganini, también conocido como “el violinista del diablo”, nació en Génova en 1782, fue un violinista, guitarrista y compositor italiano, considerado el más grande violinista de la historia y el máximo representante del movimiento instrumental del romanticismo, sus aportaciones contribuyeron de manera importante al desarrollo de la “técnica moderna del violín”.1 Figura 1

Sus padres fueron Teresa Bocciardo y Antonio Paganini, quien era un violinista aficionado y dedicado al comercio marítimo. Le enseñó a tocar la mandolina cuando Niccolò contaba con 5 años y a los 7 incursionó en el violín. Hizo su primera aparición pública a los 9 años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los 13. Antes de cumplir los 14 años dominaba ya todos los secretos del violín, al extremo de que profesores como Rolla, un muy respetado profesor y un hombre honesto, reconocían no tener nada más que enseñarle. Niccolò se impuso un curso de autoformación muy estricto en el que ensayaba aproximadamente 15 horas al día.

Entre las obras de su autoría destacan los Veinticuatro caprichos para violín solo Op. 1 (1818), probablemente su obra más famosa y compleja, seis conciertos para violín y orquesta, nueve cuartetos para guitarra y arcos (1806-1816) y piezas como La danza de las brujas (1813) y Tarantella (1830).3

En 1828 se internacionalizó con una gira en las ciudades de Viena, Praga, Varsovia y Berlín con duración de seis años, lo que lo consagró como el mejor violinista de su tiempo, capaz de extraer al instrumento musical sonidos y efectos inconcebibles, y le valió la fascinada admiración de personalidades como Franz Liszt. El sorprendente talento de Paganini y su capacidad histriónica en las salas infaliblemente cautivaron a las audiencias, quienes repletaron los lugares donde se presentaba.

https://dermatologiarevistamexicana.org.mx/article/niccolo-paganini-genialidad-atribuida-a-una-enfermedad/

😀 ¿Qué es el alma?
Chris Lilley dice que el alma es una pieza circular pequeña de madera que se coloca entre la tapa superior e inferior del violín. Puede ser vista a través de los huecos en forma de "f" (al mismo lado de la cuerda Mi) en el violín. La colocación del alma puede afectar en gran medida la resonancia y tono del violín ya que no sólo añade soporte y estructura al violín, sino que también afecta los harmónicos de las piezas individuales del violín.

¿Cómo funciona el alma?
El alma sostiene la estructura del violín y añade balance a la curvatura de la tapa superior del violín. Sin embargo, es mucho más que eso. La colocación del alma afecta en gran medida el sonido del instrumento. Según el fabricante de violines Peter Van Arsdale, el sonido del violín se transfiere desde las cuerdas vibrantes a través del puente y hasta el alma en un movimiento oscilante. Van Arsdale dice que este movimiento el que causa las vibraciones precisas de la barra armónica que corre a lo largo de la tapa superior. Las vibraciones de esta barra causan que las moléculas de aire vibren, lo que produce la resonancia en la caja del violín.

Sin alma
Sin alma, el sonido del violín suena plano y débil. Las cuerdas todavía vibran y se transfieren de las cuerdas hasta el puente y hasta la tapa superior del violín, pero sin el alma, no hay nada que absorba y transfiera estas vibraciones a la parte posterior del violín. Esta transferencia causa el movimiento de las vibraciones descrito antes. Como resultado, la barra armónica no vibra de la misma forma. Las vibraciones se confinan a la tapa superior, lo que hace que haya muy poca o nada de resonancia produciendo un sonido plano o débil.

Ajustando y remplazando el alma
Puedes remplazar y ajustar el alma. Sin embargo, no es una tarea fácil. Requiere el uso de una herramienta especializada llamada colocador de almas. Además, requiere una colocación precisa para mantener la estructura del instrumento y la calidad tonal. Es mejor contactar a un lutier de confianza.

https://www.geniolandia.com/13147631/que-pasa-cuando-un-violin-no-tiene-alma

🥰 En toda la historia del violín el siglo XIX fue la edad de oro del repertorio para violín, casi todos los grandes conciertos se escribieron en su transcurso, pero resulta curioso que sus compositores no eran violinistas. El primer concierto “romántico” fue de LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827), que tocó el violín en su juventud. Beethoven iniciaba su concierto con una larga introducción para orquesta antes de dar entrada al solista.

Pero FELIX MENDELSSHON (1809-1847) aportó una importante innovación: suprimió la introducción. El solista era casi desde la primera nota con una frase lírica que se remonta hasta las mayores alturas en el registro del violín, explotando al máximo el nuevo arco y las modificaciones introducidas.

También revolucionó la cadenza, lapso en el que el tradicionalmente el solista era libre de improvisar, de la misma manera que lo hace hoy el músico de jazz. Mendelsshon conservó la cadenza pero escribiéndola el mismo, de forma que fuera parte integrante del conjunto y no una interpolación para que el ejecutante desplegase su virtuosismo.

Con la ayuda de FERDINAND DAVID uno de los primeros violinistas de la época, se asesoró para que las partes fueran técnicamente practicables.

😇 Pese a las innovaciones musicales del siglo XX, el violín se ha mantenido como principal soporte de la música de conjunto e instrumento solista por excelencia su flexibilidad y amplia gama expresiva le han permitido adaptarse a todas las exigencias.

En Europa y América existe una artesanía que mantiene las tradiciones de los primeros constructores de violines y es indudable que su carrera se prolongará en el tiempo.

El op. 54, n.º 2 en Do mayor, compuesto en 1788 de Franz Joseph Haydn, es uno de sus muchos cuartetos de inventiva excepcional. Haydn experimentó con casi todas las tonalidades posibles (cambios de tono y modos mayor y menor), así como con formas clásicas (sonata, fuga, variaciones, minueto, scherzo y rondó). Tal vez algunos cuartetos de virtuosismo más constante y mayor brillantez de proyección, y también algunas composiciones anteriores, como el movimiento lento de su op. 20, n.º 1, evoquen mejor el perfecto sonido íntimo de un cuarteto, pero los contrastes extremos entre movimientos de su op. 54, n.º 2, así como la inspirada y audaz decisión de concluir con un movimiento lento, singularizan a este concierto como una pieza musical auténticamente memorable.

El Cuarteto op. 54, n.º 2 fue uno de los que Johann Tost, un violinista muy admirado por Haydn y astuto negociante, llevó a París para su promoción y venta. Su brillante partitura solista para el primer violín estaba dirigida a una audiencia que prefería el quatour concertant, un tipo de cuarteto de cuerda de moda en la capital francesa entre 1775 y la revolución de 1789. También debió de adecuarse al talento de Tost para tocar en registros muy altos.

🙏 Cuando se procura estudiar el papel ejercido por las mujeres de Occidente y su actividad artística a lo largo de la historia, es difícil encontrar a todas aquellas que han ejercido una importante labor en el proceso de aprendizaje, creación o interpretación de una obra, solo quedando escrito en la historia el nombre de un reducido grupo de ellas. Es sabido que los estudios musicales poseen numerosas especialidades, tanto teóricas como prácticas, dentro de las cuales las mujeres han jugado papeles muy diferentes a lo largo de la historia. Pero si pretendemos agudizar nuestros sentidos,en los estudios realizados sobre el campo de la interpretación y docencia de uno de los instrumentos reyes como es el violín, el panorama no es mucho más alentador en cuanto a estudios se refiere.

Se cumple este año el aniversario de violinistas tales como las inglesas Laura Barker (1819-1905), May Harrison (1891-1959), la francesa Félicité Le Brun (¿1779?-1838) o de las italianas Alba Rosa Viëtor (1889-1979) y Regina Strinasacchi (¿1761?-1839), entre otras. Si bien, a estas alturas no esgrimiremos aquí todas las cuestiones que demuestran el importante papel ejercido por estasmujeres, sí cabe preguntarnos: ¿por qué no las conocemos? ¿En qué ámbitos han desarrollado su labor? ¿Cuáles son las influencias y contribuciones realizadas por estas mujeres para el progreso en el desarrollo y conocimiento de este saber? Junto a un largo etcétera que podríamos seguir desarrollando.

🤩😻 Nació en 1971 en Novosibirsk capital del Distrito Federal de Siberia.

Era un niño prodigio que empezó a tocar el violín con 5 años de la mano de Dmitri Vaks.

Con 11 años ya ganó el Concurso internacional de Wieniawski y a los 17 el concurso Internacional de Música Reina Isabel de Bélgica siendo el ganador más joven.

Ha tocado con la Filarmónica de Berlín, la de Nueva York, la orquesta de La Scala, Chicago, Boston…

Desde el 2006 tiene un contrato en exclusiva con la discográfica Deutche Grammophon.

Toca con un Guarnieri del Gesù de 1743 Bonjour.

🧐 Se cree que Haydn conoció a Mozart a principios de la década de 1780 y que ambos se hicieron buenos amigos. Haydn como segundo violín, Mozart a la viola, el austriaco Carl Ditters von Dittersdorf al primer violín y el checo Johann Baptist Vanhal al violonchelo tocaron juntos a menudo cuartetos de cuerda y experimentaron mutuamente con sus composiciones. Esto llevó a Mozart a dedicar a Haydn sus seis primeros cuartetos de cuerda maduros.

A medida que crecía en Europa la demanda de música de Haydn, sus cuartetos empezaron a ser interpretados tanto en salas de conciertos como en salones privados, y el compositor adecuó su estilo a su finalidad. De forma natural, al hacer aún más brillantes las partes del primer violín, con notas más altas y exhibiciones de virtuosismo, también hizo que las tres voces inferiores fueran más atléticas. Además, los intérpretes tenían que aprender a proyectar su sonido.

😃 Si algo bueno tiene gestionar un blog es la cantidad de cosas que se aprenden cuando intentas escribir sobre cualquier tema. Al final, al investigar para documentarte y asegurarte de lo que estás contando, te das cuenta de que en realidad sabías muy poco, y descubres montones de cuestiones que probablemente habrías seguido ignorando si no te hubieras creado esta pequeña obligación de escribir un artículo de vez en cuando.

Músicas, técnicas, páginas web, artistas, aunque a veces piense que se me acabarán los temas, siempre surgen cosas nuevas.

Es lo que me ha pasado un poco con el tema de este artículo. Empecé a escribir sobre algunos trucos para hacer sonidos diferentes a los producidos por los golpes de arco habituales, y al final he encontrado bastantes ideas por ahí que nunca se me habrían ocurrido.

Hablamos de esos otros sonidos diferentes a los que tradicionalmente se enseñan que también podemos extraer de nuestro instrumento.

Tendemos a pensar que hay un sonido ideal del violín, una forma correcta de tocar (con algunas variaciones) y que los sonidos que se alejan de eso son errores. Sin embargo para expresarnos vale todo, y podemos encontrar muchos recursos, sonidos extraños, peculiares, divertidos o raros, aparte de los que practicamos todos los días.

Los compositores no suelen interesarse mucho por esos sonidos alternativos a los ortodoxos, que son los que conocen y creen dominar. Por eso es infrecuente encontrar música para violín que incorpore estas otras técnicas, salvo que el compositor sea también un intérprete de cuerda frotada.

Un buen músico debe conocer todas las posibilidades de expresión que le permita su instrumento, sobre todo si tenemos la sana de costumbre de buscar nuestra propia música, nuestro propio sonido. Podemos obtener contrastes, atmósferas, sorpresas musicales con las que buscar nuestra personalidad (o la del compositor).

Así que esto esto es una especie de recopilación de posibilidades «alternativas» que sobre todo pueden usarse en tipos de música contemporánea o no clásica.