Espacio Cine y Psiquiatría

🎬 Un 1ro de noviembre, hace 11 años, se estrenó en cines ‘DALLAS BUYERS CLUB’

🎥 "Dallas Buyers Club" (titulada en Hispanoamérica como "El club de los Desahuciados") es una película biográfica estadounidense de 2013 dirigida por Jean-Marc Vallée y protagonizada por Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner y Steve Zahn. La cinta está basada en la vida de Ron Woodroof, quien en 1992 fue objeto de un extenso reportaje escrito por el periodista Bill Minutaglio para The Dallas Morning News. Debutó en el Festival de Cine de Toronto el 7 de septiembre de 2013 y llegó a los cines estadounidenses el 1 de noviembre del mismo año.

́cularecomendada destacados

Prefieren perder su tiempo con clips de 30 segundos de tonterias.

"Ya no se hacen películas como antes, ahora las películas son hechas por empresas de juguetes. La gente no presta atención, ya no quieren ir al cine, prefieren ver est*pid*ces en su casa o mirar 10 minutos de una película e irse a dormir. Se perdió la tradición de ir al cine, después ir a cenar o tomar algo, y comentar la película".

[* Willem Dafoe ✨] (* Actor estadounidense, conocido por sus diversos papeles en el cine, ha recibido varios galardones, incluida la Copa Volpi al Mejor Actor, así como nominaciones a cuatro Premios de la Academia, un Premio BAFTA y cuatro Premios Globo de Oro)

🎥 Crítica de 'Anora' - Una película notable que es 'Pretty Woman' pero con el estilo de Guy Ritchie

● La cinta, Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2024, ya está disponible en los cines.

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La más reciente obra de Sean Baker, 'Anora', se consagra como una de las propuestas más refrescantes del año. Esta película, que obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2024, va más allá de ser simplemente una comedia; es un análisis incisivo de las complejidades sociales y económicas que definen la vida en la Nueva York contemporánea.

La historia se centra en Ani, una chica de 23 años interpretada magistralmente por Mikey Madison, que trabaja en un club de st******se y se ve envuelta en un juego de poder y sentimientos al involucrarse con Vanya, un adinerado joven ruso. Este encuentro, provoca una serie de enredos tan hilarantes que recuerda al estilo de líos y mafiosos de Guy Ritchie.

La dirección de Baker se distingue por su capacidad para alternar entre la comedia física y el drama, creando un equilibrio que como espectador se siente como una montaña rusa de emociones. Desde el primer acto, el filme adopta un tono enérgico, muy parecido al amor, a un primer flechazo, rindiéndose al amor más explosivo de sus protagonistas como si fuera una Pretty Woman moderna. Baker ya había demostrado su predilección hacia los personajes desfavorecidos en películas como 'The Florida Project' y 'Tangerine', y en 'Anora', vuelve a mostrar este punto de vista con una madurez que potencia la autenticidad de la trama. El guión, repleto de diálogos ingeniosos y escenas para nada predecibles, conduce a Ani a confrontar no solo la estructura de poder que la envuelve, sino también sus propios límites y aspiraciones.

👉🏿 La protagonista es de lo mejor de la cinta

Una de las características más destacadas de la película es la interpretación de Madison, quien desborda personalidad y magnetismo. Consigue que cada instante en pantalla esté repleto de sentido, desde sus silencios hasta sus bailes o estallidos emocionales. A través de ella, Baker explora la lucha por la independencia económica en un entorno donde las oportunidades están controladas por la élite. El contraste entre la resolución de Ani y la indiferencia de las demás figuras femeninas enfatiza su función como catalizadora del cambio, aunque también resalta lo solitaria que puede resultar esa batalla.

Una película bella pero cruda con la representación de las clases sociales.

́cularecomendada

FRASES DE PELÍCULAS

"Entonces, ¿Qué somos en esta vida?"

Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con mucha afinidad, se separan después de que la familia de Nora emigra de Corea del Sur. Décadas más tarde, se reencuentran en una fatídica semana donde se enfrentan al destino, al amor y a las decisiones.

🎥 ["Past Lives", 2023]
🎬 (Dir. Celine Song)

Alfonso Cuarón estrena serie “Desprecio”, thriller psicológico protagonizado por Cate Blanchett

Después de una pausa de seis años, el mexicano Alfonso Cuarón regresó a la dirección y lo hizo aventurándose con su propia adaptación de la novela de Renée Knight “Desprecio”.

El dos veces ganador del Oscar como Mejor Director realizó declaraciones sobre el gran reto que enfrentó al desarrollar este thriller psicológico, en cuatro narrativas diferentes, para lograr sumergir al público en la historia, que está completamente basada en el libro.

“La manera que nos conectamos con el universo es a partir de narrativas y entonces escribí el guion creando cuatro narrativas, que son contradictorias entre sí”, reveló el mexicano.

Cuarón añadió, que tenía mucha curiosidad de ver cómo, la manera en que está contada la historia, creará en el espectador una serie de prejucios, sobretodo en el inicio, y más adelante cómo se confrontarán con ellos mismos: “Todos tenemos prejuicios”, aseguró Alfonso Cuarón.

Añadió, que con la narrativa de la serie, quiere ir llevando al público a sacar sus propios juicios, a pesar de la falta de información sobre los personajes.

“Si tú llegas a ser manipulado alguna vez, no fue porque te hicieron cambiar de opinión. Lo único que hicieron es despertar esos prejuicios que ya tienes dentro”, de eso asegura que va la historia de “Desprecio”.

Los trastornos mentales en el cine y las series 🧠 🎦 🧠 🎦

🎬 📺 Un análisis sobre cómo se representan los problemas de salud mental en el mundo audiovisual.

✍ Por Irene Cambra (Dra. en Psicología. Investigadora y profesora de Bioética y Cine)

Mucho se ha hablado de la representación de los trastornos mentales en la literatura, en el cine y en las series. El señalamiento de lo diferente o de lo anormal (Foucault, 2006) ha generado gran interés y curiosidad desde tiempos inmemoriales.

Puntualmente, en el libro «Imaginarios de los trastornos mentales en las series» (Martínez Lucena y Cambra Badii, 2020) nos preguntamos: ¿Qué significa un problema de salud mental en la época actual? ¿Cuáles son los tras­tornos mentales que se nos muestran en el imaginario cotidiano? ¿Cómo se representan los trastornos mentales en el mundo audiovisual, en particular en las series televisivas? ¿Es su represen­tación fidedigna de acuerdo con los diagnósticos propuestos desde las diversas ciencias de la salud?

La idea de base es que en los últimos años estamos notando una sobreabundancia de personajes protagonistas de series televisivas afectados por algún trastorno de orden psicológico o psiquiátrico.

A través de esta importancia o este protagonismo del trastorno mental en las series, se logra divulgar sobre diferentes diagnósticos y, además, se «negocian» con el espectador los imaginarios sociales de las nuevas sociedades. Nos preguntamos: ¿es posible que a través de las series televisivas tengamos una representación diferente de los problemas de salud mental? ¿Es posible que esto influya en la creación de otros imaginarios colectivos?

En la investigación sobre series que aparece en el libro hemos encontrado retratos sobre la esquizofrenia y la psicopatía, las adicciones, las demencias, el autismo, la depresión y el suicidio, los trastornos sexuales, narcisistas, obsesivos compulsivos y de estrés postraumático. La variedad de formas clínicas se manifiesta a su vez en la variedad de representaciones en las series.

Quizás las películas y las series más resonantes son las de protagonistas con psicosis o esquizofrenias.

Desde las clásicas películas «Psicosis» (Psycho, Hitchcock, 1960) y «El resplandor» (The Shining, Kubrick, 1980) y «Una mente maravillosa» (A beautiful mind, 2001), hasta la reciente Joker (2019), estas películas nos muestran a personas que no pueden controlar sus impulsos, sufren alucinaciones y delirios, y obtienen mayor o menor ayuda por parte de la sociedad. En «Psicosis», además, se ofrece una escena antológica con una explicación profesional sobre el fenómeno, como si se guiara a la audiencia para obtener mayor conocimiento sobre este trastorno.

Este tipo de personajes también tienen su protagonismo indiscutido en las series, entre otras: Bates Motel (2013-2017), Mr. Robot (2015-2019), Maniac (2018) y Homeland (2011-2020). Por ejemplo, en Homeland, la protagonista Carrie Mathison es presentada como agente de la CIA y bipolar. La serie detalla las dos fases del trastorno con bastante claridad desde la primera temporada, con variados síntomas paranoicos y maníacos, y luego una fase depresiva más breve. Todo esto con la inquietud subyacente de que la CIA se entere del diagnóstico porque de esa manera la apartarían de su trabajo: en este caso, el diagnóstico podría ser un motivo de estigma, ya que quedaría automáticamente desacreditada para poder hacer el trabajo que le apasiona. Como espectadores, nos identificamos con sus dificultades y seguimos los pasos de la protagonista deseando que no se enteren del trastorno, lo cual podría multiplicar el estigma que se desprende de este imaginario.

Es interesante puntualizar que en muchos casos la ficcionalización de algunas historias puede llevar a confusiones o errores en la interpretación de distintos signos y síntomas de los trastornos, e incluso a confusiones respecto de los tratamientos.

Por ejemplo, en United States of Tara (2009-2011) una mujer con trastorno disociativo de la persona­lidad permanece sin tratamiento farmacológico e incluso psico­terapéutico durante semanas e incluso meses, lo cual podría ser pernicioso tanto para ella como para su familia.

En «Por 13 razones» (13 Reasons Why, 2017-2020) la adolescente Hannah Baker se suicida en una esce­na demasiado ilustrativa visualmente, que luego se eliminó por recomendaciones de no difundir imágenes sobre suicidios, que pudieran generar identificaciones e imitaciones.

En algunas de las series estudiadas en el libro, como Maniac (2018), Atypical (2017-2021) y Euphoria (2019-), los personajes no se definen únicamente por su diagnóstico. Son personas que hacen y viven muchas más cosas más allá de la vivencia del trastorno mental.

Sin embargo, en algunos casos las transformaciones que los personajes tienen en las diferentes temporadas de las series pue­den llevar a una ilusoria percepción de cambio, como en el caso de los autismos asociados con altos coeficientes intelectuales, como en The Good Doctor (2017-). En este caso, la representación del diagnóstico incluye nuevas etiquetas: la de ser destacados por sus logros, o la obligación de ir cambiando y «mejorando» con el tiempo.

Para terminar, es interesante reflexionar sobre una particular sobreabundancia de personajes de los últimos años, cuyas conductas pueden ser pensadas como parte de trastornos narcisistas o incluso psicopatías. Si bien este tipo de personajes ya despertaba fascinación con las clásicas películas «El silencio de los corderos» (Silence of the Lambs, Demme, 1991) y «Psicópata americano» (American Psycho, 2000), a la que hace algunos años se sumó «Tenemos que hablar de Kevin» (We need to talk about Kevin, 2011), es con el universo de las series que este interés se expande y ramifica.

Tanto en Dexter (2006-2013, 2021), Breaking Bad (2008-2013), Hannibal (2013-2015), Killing Eve (2018-2022) y Mindhunter (2017-2019) vemos protagonistas que asesinan a sangre fría y son capaces de conmovernos con su ausencia casi total de empatía y un llamativo encanto y autoconfianza.

Las conductas delictivas, en algunos casos, se producen por esta incapacidad empática con el prójimo, pero en otros se justifican mediante otros trastornos mentales, como en Mr. Robot (2015-2019) y su incapacidad para discernir realidad y alucinación. De una u otra manera, sobrevuela la idea de peligrosidad, tan frecuentemente asociada a los imaginarios sobre la psicosis, la demencia o la psicopatía.

Estos estereotipos pueden conducir a un estigma donde la representación del trastorno mental quede asociada a determinada característica, cuando en nuestra realidad cotidiana puede no ser siempre así.

En los últimos años también se observan personajes narcisistas que pueden confundirse perfectamente con el resto de los personajes de la serie. Tal es el caso de The morning show (2019-), cuyo encanto hace que nos veamos seducidos por los argumentos de los personajes y perdamos de vista la legalidad o ilegalidad de sus acciones. Estos personajes son confusos, nos sumergen en sus argumentos y en sus encantos, y es justamente allí donde radica el peligro. En estos casos debemos tomar un poco de distancia y reflexionar; y ese punto de incomodidad que provoca la serie es, justamente, uno de sus grandes aciertos.

En definitiva, tanto en las películas como en las series que hemos mencionados, sobrevuela la pregunta: ¿nos identificamos con el problema de salud mental, empatizamos con sus protagonistas, o los apartamos de nuestra realidad cotidiana y los estigmatizamos?

Es interesante que en las series de los últimos años casi no hemos visto ridiculizaciones de los personajes con padecimiento mental, sino más bien lo contrario: la posibilidad de empatizar con personajes protagónicos frágiles, vulnerables.

Sin lugar a dudas, esta es una ocasión única para poder sensibilizar a la sociedad en general respecto de estos padecimientos, y para difundir las características y posibilidades de acompañamiento terapéutico y la necesidad de contar con espacios de cuidado para la salud mental.

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EL GRAN DICTADOR: UN GRAN MENSAJE SOBRE LA TIRANÍA Y LA CRUELDAD DE LA GUERRA

✍ Por Joel Bañuelos
(Tomado de CINE DE CULTO 🎬)

El Gran Dictador (1940)
Película escrita, dirigida y protagonisada por Charles Chaplin siendo esta su primer película sonora.

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La película nos muestra a la ficticia nación de Tomenia, que ha sido tomada por el partido de Adenoid Henkel (una obvia parodia de Adolf Hi**er), el cual desea conquistar el mundo, sin embargo hay un barbero judío que es muy parecido a Henkel y acaba de salir del hospital con amnesia, por lo que no sabe nada de la ocupación o las desgracias que ahora sufren los judíos, lo que provocará una serie de situaciones cómicas a lo largo de la película.

Esta película fue hecha para burlarse de Hi**er, quien aun estaba en el poder al momento de su estreno, se dice que el ejército N**i logro hacerce de una copia y que el mismo Hi**er la vio dos veces.

El filme es un gran mensaje sobre la tiranía y la crueldad de la guerra, sin dejar de ser una comedia, me sorprende que sea la primera película sonora de Chaplin, un veterano del cine mudo, ya que el uso del discurso es simplemente maravilloso.

Si la quieren ver alguien la subió a YouTube.

La cruda realidad del matrimonio: Análisis de 'Historia de un matrimonio' de Noah Baumbach

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(Tomado de: Cine express)

La película "Historia de un matrimonio", dirigida por Noah Baumbach y estrenada en 2019, nos sumerge en la cruda realidad de una relación que se desmorona. A través de la historia de Nicole y Charlie, interpretados magistralmente por Scarlett Johansson y Adam Driver, somos testigos de los altibajos de una pareja que lucha por mantenerse unida mientras enfrenta conflictos y desafíos inesperados.

Desde el comienzo, Baumbach nos sumerge en la intimidad de la relación de Nicole y Charlie, mostrando de manera realista y honesta los momentos de felicidad, complicidad y amor, así como las tensiones, diferencias y resentimientos que existen entre ellos. La película nos invita a reflexionar sobre la complejidad de las relaciones de pareja y cómo la comunicación, la empatía y la capacidad de compromiso son fundamentales para su supervivencia.

Uno de los aspectos más destacados de "Historia de un matrimonio" es la interpretación de Scarlett Johansson y Adam Driver, quienes logran transmitir de manera magistral los matices emocionales de sus personajes. Johansson nos cautiva con su vulnerabilidad y fuerza, mientras que Driver nos conmueve con su intensidad y vulnerabilidad. La química entre los dos actores es palpable y contribuye a hacer creíble y conmovedora la historia de Nicole y Charlie.

Además, Noah Baumbach nos sorprende con una dirección impecable y un guion inteligente que evita caer en clichés y estereotipos, ofreciéndonos una visión honesta y realista del matrimonio. La narrativa fragmentada y no lineal de la película nos sumerge en la mente de los personajes y nos permite empatizar con sus dilemas y conflictos de una manera auténtica y conmovedora.

En conclusión, "Historia de un matrimonio" es una obra maestra del cine contemporáneo que nos invita a reflexionar sobre el amor, la intimidad y la complejidad de las relaciones humanas. Con una mezcla de drama, comedia y emoción, la película nos conmueve y nos hace cuestionar nuestras propias creencias y experiencias en torno al matrimonio y la pareja. Sin duda, una historia que perdurará en la memoria de quienes la vean.

NO TE PIERDAS ESTE DIÁLOGO DE LA PELÍCULA "PIERROT LE FOU"

- ¿Por qué estás triste?

- Me hablas con palabras y yo te miro con sentimientos.

- Imposible hablar contigo, no tienes ideas, sólo sentimientos.

- ¡En los sentimientos hay ideas!

Pierrot el loco (en francés Pierrot le fou) es una película francesa de 1965 dirigida por Jean-Luc Godard, y protagonizada por Anna Karina y Jean-Paul Belmondo. Está basada en la novela homónima, de Lionel White.

🎬 Pierrot le fou (1965)
📽️ Director: Jean-Luc Godard

Los prejuicios hacia las películas comerciales, hicieron que esta película, en el momento de su estreno y tal vez todavía hoy, no fuese apreciada como se merecía.

Pero existen películas comerciales que se pierden y otras que quedan, como Forrest Gump, Drácula, Terminator, entre tantas. Y para mi (y muchos), esta es una de las más auténticas, creíbles, emocionantes, y sobre todo, profundas películas que se ha visto. Con un Tom Hanks que se coloca sobre los hombros casi todo el filme, con ella debió ganar el Oscar indudablemente.

Sin mucho más comentario, ya que quien ya la vio entenderá y quién no, tiene ya que verla.

Saludos.

Francisco Le-bert
CINE DE CULTO 🎬

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CONOZCA MÁS SOBRE EMMA THOMPSON

🌟🌟🌟🌟🌟🌟🌟🌟🌟🌟

Emma Thompson Law (Londres, 15 de abril de 1959) es una actriz, comediante y guionista británica, ganadora de los premios Emmy, Globo de Oro, BAFTA y Óscar.

Emma Thompson comenzó su carrera haciendo pequeños papeles en televisión, en 1987 trabajó a las órdenes de Kenneth Branagh, quien después sería su marido en "Enrique V", a la que seguirían muchos títulos como:
● "Morir todavía"
● "Los Amigos de Peter"
● "Mucho Ruido y Pocas Nueces"

En 1992 se consagra en "Howards End" por la que obtiene su primer Oscar. Repite el Oscar en 1995 con "Sensatez y Sentimientos" al escribir el guión y protagonizarla. Es una de las actrices más reconocidas del cine.


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PRIMERAS REACCIONES ANTE GLADIATOR 2... LA PRENSA YA LA VIO Y OPINÓ 📽 📽 📽 📽

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🎦 SE ESTRENA EN CINES EL 14 DE NOVIEMBRE / 2024

🎦 El duelo de Paul Mescal y Pedro Pascal sobre la arena del Coliseo está cada vez más próximo.

⏩ Estos son los comendatarios de los críticos:

📌 "GLADIATOR II es una verdadera epopeya y la mejor película de Ridley Scott en años. Paul Mescal es una gran estrella de acción sin sacrificar su carácter indie, un digno heredero al trono. Denzel Washington SE COME cada escena sin exagerar nunca."

[Awards Watch]

📌 "Ridley Scott regresa al Coliseo para demostrar al mundo que TODAVÍA 'LO TIENE'. Una historia ÉPICA de Shakespeare sobre esperanza, futilidad y poder en un sistema que se desmorona. Denzel se DA UN FESTÍN en una actuación maquiavélica y sensacional."

[Griffs Chiller]

📌 "¡GLADIATOR II es una joya! Una secuela épica digna de su predecesora: gran acción, efectos visuales asombrosos, actuaciones estelares en todos los aspectos (especialmente PAUL MESCAL y DENZEL WASHINGTON). ¡Un regreso a la forma de RIDLEY SCOTT!"

[Movie Mantz]

📌 "GLADIATOR II es la mejor película de Ridley Scott desde The Martian. Un espectáculo de acción sangriento y brutal que se basa en el legado de la original. Paul Mescal brilla y Denzel Washington se come el escenario"

[Scott D Menzel]

📌 "¡Volvieron las malditas películas! Eso resume Gladiator II. El mejor trabajo de Ridley Scott desde Black Hawk Down. Paul Mescal como Lucius fue una de las sorpresas más sinceras de la película. Otro éxito que la Academia definitivamente puede apreciar."

[Clayton Davis]

📌 "Gladiator II es la continuación perfecta de la original y una historia épica por derecho propio. ¡Un reparto fantástico, pero Pedro Pascal, Denzel Washington y Paul Mescal son trascendentales! ¡Exige ser vista en la pantalla grande!."

[Caitlin Tyrrell]

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'AMISTADES PELIGROSAS', UNA SUGERENCIA DIFÍCIL DE RECHAZAR

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Esta recomendación es sencillamente una propuesta difícil de rechazar y es que nos trae a un gran elenco de actores y actrices que nos deleitan en una historia turbia y llena de pasión, deseo y mentiras, en un juego que resultará demasiado peligroso.

☆ Dangerous Liaisons (Las Amistades Peligrosas)
☆ País: USA
☆ Año: 1988
☆ Dirección: Stephen Frears

Francia, Siglo XVIII.
La Marquesa de Merteuil (Glenn Close) es una mujer fría y calculadora que ha sido recientemente abandonada por su último amante. En venganza, ha decidido pedirle al Vizconde de Valmont (John Malkovich) (un inescrupuloso y carente de toda moral) que seduzca y deshonre a la futura esposa de este, una inocente y virginal joven llamada Cécile de Volanges (Uma Thurman).

Para el Vizconde esto sería algo demasiado sencillo aún cuando la joven está interesada en su profesor de música, el Caballero Danceny (Keanu Reeves), el Vizconde está en algo más interesante y difícil: seducir a Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer), una mujer casada y de fuertes convicciones religiosas.

El Vizconde acepta la solicitud de la Marquesa con una sola condición: si él además de ello, conquista a Madame de Tourvel, la Marquesa deberá entregarse a él en un fogoso encuentro. El macabro juego comienza entonces, desatando toda clase de pasiones, engaños y trucos, pero podría tener consecuencias inesperadas.





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UN PELICULÓN: 'THE THIN RED LINE'

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Peliculón, de esos que te hacen pensar un poquito más sobre la profundidad de la vida, que explora la guerra de una manera única, sumergiéndose en lo más profundo de la naturaleza humana.

Lejos de ser una simple película bélica, es un poema visual sobre el caos exterior y el conflicto interno. La guerra aquí no es solo explosiones y combates, sino una lucha filosófica entre el espíritu y la furia.

El director, Terrence Malick, usa la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo para indagar en las preguntas más complejas de la existencia: ¿Qué nos impulsa a destruirnos unos a otros? ¿Dónde queda la conexión con la naturaleza en medio de tanta violencia?

A través de imágenes casi oníricas y reflexiones íntimas de los soldados, la película revela cómo la guerra no solo destroza cuerpos, sino también almas. La furia que se desata entre los hombres no es solo física, sino emocional y espiritual. Es el choque entre lo que somos en esencia y lo que nos volvemos en tiempos de conflicto.

Malick captura la belleza y la brutalidad de la naturaleza humana, mostrando que, incluso en los momentos más oscuros, hay destellos de espiritualidad, de búsqueda de sentido en medio de la barbarie.

La banda sonora es brutal, actuaciones estelares como Jim Caviezel y Sean Penn a los veinti tantos años, que hacen que la película te transporte en primera persona.

Recomendadisima para aquellas personas que buscan más que un simple relato, película profunda, 5 estrellas en mi opinión, para gente que tiene el coraje de mirarse una peli de casi 3 horas.

́culas ́cularecomendada

“No te nace, no lo hagas. No lo sientes, no lo digas. Así de simple. Si algo no fluye desde dentro, es mejor no forzarlo. Creo que la vida debe vivirse en su autenticidad, con propósito y verdad. Cada día es un regalo, así que haz lo que amas, di lo que sientes y vive como si no hubiera mañana. No hay tiempo para ser alguien que no eres”.

[Keanu Reeves, actor y músico canadiense]

EL SUEÑO DE GABRIELLE: UNA PELÍCULA SOBRE EL AMOR Y LA ESPIRITUALIDAD

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"El Sueño de Gabrielle", dirigida por Nicole Garcia en 2016, es una obra que explora el anhelo profundo de conexión y la búsqueda incesante del amor ideal, un amor que trascienda los límites de lo cotidiano. La película sigue a Gabrielle, una mujer atrapada en un matrimonio sin pasión, que persiste en su deseo de experimentar un amor arrebatador y casi místico. Cuando conoce a un soldado herido durante la guerra, su percepción del amor cambia para siempre, llevándola a cuestionar los fundamentos de su vida y sus elecciones.

Este viaje emocional de Gabrielle puede compararse con el camino espiritual que muchas personas emprenden al buscar algo más profundo y significativo en sus vidas. Al igual que Gabrielle, quienes persiguen el desarrollo de la conciencia y la espiritualidad suelen sentir una inquietud interior, una sed de experiencias trascendentales que los liberen de las cadenas de la realidad material. A menudo, este impulso se manifiesta a través de la búsqueda del amor, no solo como un sentimiento romántico, sino como una forma de alcanzar la unidad con algo superior.

La película refleja el dilema eterno entre el deber y el deseo, el anhelo y la renuncia, símbolos de las batallas espirituales que libramos en el camino hacia la conciencia plena.

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IDEAS DE UMBERTO ECO SOBRE LA PELÍCULA "EL NOMBRE DE LA ROSA"

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A Umberto Eco, autor de "El Nombre de la Rosa", no le gustó nada la elección de Sean Connery para el papel del Fray Guglielmo da Baskerville (William de Baskerville en la versión fílmica de 1986).

Curiosamente, sucedió lo mismo con el escritor Ian Fleming, a quien siempre le pareció un terrible error que Connery fuera elegido para ser James Bond.

Al parecer, el favorito de Eco era Robert De Niro. Pero sus cuestionamientos al guion y el capricho de tener un duelo de espadas con el villano al final del film, hicieron que el director Jean-Jacques Annaud perdiera todas las ganas de contratarlo.

Cuando Sean Connery llegó al casting y leyó sus primeras líneas del guion, Annaud ya sabía que tenía a su protagonista. No habría otro mejor.

El personaje de Fray William de Baskerville era una suerte de Sherlock Holmes. Su Watson fue el actor Christian Slater, por entonces un adolescente de 15 años sin mucha experiencia cinematográfica. Sin embargo, la dupla funcionó maravillosamente.

THE THIN RED LINE: UN PELICULÓN

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PELICULON, de esos que te hacen pensar un poquito más sobre la profundidad de la vida, que explora la guerra de una manera única, sumergiéndose en lo más profundo de la naturaleza humana.

Lejos de ser una simple película bélica, es un poema visual sobre el caos exterior y el conflicto interno. La guerra aquí no es solo explosiones y combates, sino una lucha filosófica entre el espíritu y la furia.

El director, Terrence Malick, usa la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo para indagar en las preguntas más complejas de la existencia: ¿Qué nos impulsa a destruirnos unos a otros? ¿Dónde queda la conexión con la naturaleza en medio de tanta violencia?

A través de imágenes casi oníricas y reflexiones íntimas de los soldados, la película revela cómo la guerra no solo destroza cuerpos, sino también almas. La furia que se desata entre los hombres no es solo física, sino emocional y espiritual. Es el choque entre lo que somos en esencia y lo que nos volvemos en tiempos de conflicto.

Malick captura la belleza y la brutalidad de la naturaleza humana, mostrando que, incluso en los momentos más oscuros, hay destellos de espiritualidad, de búsqueda de sentido en medio de la barbarie.

La banda sonora es brutal, actuaciones estelares como Jim Caviezel y Sean Penn a los veinti tantos años, que hacen que la película te transporte en primera persona.

✅ Recomendadísima para aquellas personas que buscan más que un simple relato, película profunda, 5 estrellas en mi opinión, para gente que tiene el coraje de mirarse una peli de casi 3 horas.


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