Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Categoría: Pintura desnudo
"Hombre desnudo sentado ante una cortina" (1646)
Las dimensiones de esta pintura son 16,3 x 9,6 cm. En la actualidad no está en exhibición, pero se puede visualizar la obra a través de galerías de arte virtuales. La técnica aplicada en la pintura es el aguafuerte, que solo aplica tonos blancos y negros, una gama de colores limitada pero que permite transmitir claramente el concepto de la obra. En esta pintura se aprecia a un hombre con una postura típica de reflexión, la mirada hacia el infinito, las manos entrelazadas dan a entender cierta preocupación. De fondo se aprecia una cortina alta, esto representaría que el hombre está ocultando algo y es por ello que tiene la preocupación. En contraste con ello, el hecho de que esté desnudo da a entender que al final de todo, vive libre y como quiere.

Fuente bibliográfica:

The Met. (s.f.). Hombre desnudo sentado ante una cortina. Rescatado a las 20:32, 3 de octubre de 2021 desde https://www.metmuseum.org/art/collection/search/388943

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/nude-man-seated-before-a-curtain-1646

Categoría: Pintura desnudo
"Mujer en el baño con un sombreo a su lado" (1658)
Las dimensiones de esta pintura son 15,7 x 13 cm. Actualmente no está exhibida en ningún museo físico. La técnica que se aplicó en esta pintura fue aguafuerte y punta seca con tono de plancha sobre papel japonés. En esta obra se rompen esquemas de belleza, se evidencia una mujer algo mayor, con una silueta común. Claramente se ve un excelente manejo de la iluminación, dando luz a todo el cuerpo desnudo de la mujer y ciertos áreas de la habitación. Se aprecia un peculiar sombrero al costado de la mujer, que se puede interpretar de forma que ella tiene un esposo y espera su pronta llegada. El rostro de tristeza y melancolía da a entender que extraña a su ser amado, recuerdos vienen a su mente y atraviesa un proceso de reflexión.

Fuente bibliográfica:

The Met. (s.f.). Mujer en el baño con un sombrero a su lado. Rescatado a las 21:12, 3 de octubre de 2021 desde https://www.metmuseum.org/art/collection/search/392068

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/a-woman-at-the-bath-with-a-hat-beside-her-1658

Categoría: Pintura desnudo
"Desnudo femenino sentado" (1631)
Las dimensiones de esta pintura son 18 x 16 cm. Se encuentra en el Museo Británico. En la obra se aprecia a Saskia, quien sería la esposa del artista, con una actitud obstinada y liberal. En cuanto a la técnica empleada en la pintura se evidencia el blanco y negro, con trazos finos y toques de iluminación el ciertas partes del cuerpo, dando realce a ciertas características femeninas. Conceptualmente se recibe un mensaje de liberación que va acorde con la época, en general representa un progreso en la forma de pensar y de percibir las cosas en la sociedad.

Fuente bibliográfica:

Wikipedia Rembrandt (s.f.). Desnudo femenino sentado. Rescatado a las 21:00, 3 de octubre de 2021 desde https://commons.wikimedia.org/w/index.php?title=File:Rembrandt_-_Seated_Female_Nude_-_WGA19075.jpg&oldid=578623318

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/seated-female-nude

Categoría: Pintura retrato
"Busto de anciano barbudo" (1663)
Las dimensiones de esta pintura son 57,2 x 42,5 cm. Se encuentra en The Leiden Collection, New York, US. La pintura muestra un plano busto de un barbudo anciano, ello representa la tradicional barba que se solía tener durante la época, siendo un signo de virilidad y valentía. La luz que se aplica en la pintura fluye desde la parte superior izquierda, sus ojos bien abiertos generan la sensación de estar contemplando algo con total concentración. La gama de colores varía entre grises y marrones agregando tonos ocres y blancos.

Fuente bibliográfica:

Yeager-Crasselt, L. (2019). Busto de anciano barbudo. En el catálogo de la colección de Leiden , 3ª ed. Nueva York. Rescatado a las 20:15 el 3 de octubre de 2021 desde https://theleidencollection.com/artwork/bust-of-a-bearded-old-man/

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/bust-of-a-bearded-old-m

Categoría: Pintura retrato
"Hombre con lupa" (1660)
Las dimensiones de esta pintura son 91,4 x 74, 3 cm. Se encuentra en exhibición en The Met Fifth Avenue en Gallery 964, US. Se sospecha que el retrato es del subastador Pieter Haringh. La lupa hace referencia al conocimiento del personaje para evaluar a las diversas pinturas que debía subastar y de tal forma poder determinar el precio de la obra. La vestimenta del personaje es tradicional de la época. En cuanto a la técnica de la obra, se evidencian colores fríos y opacos con un énfasis de color e iluminaciín en el rostro neutro del personaje.

Fuente bibliográfica:

The Met. (s.f.). Hombre con lupa. Rescatado a las 19:42, 3 de octubre de 2021 desde https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437399

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/man-with-a-magnifying-glass-1629

Categoría: Pintura retrato
"Hombre con turbante" (1632)
Las dimensiones de esta pintura son 152,7 x 111,1 cm. Se encuentra en la Colección Kremer, un grupo de propiedad privada. En esta pintura se aprecia un hombre con turbante que representa el interés del artista por la cultura oriental, además del estatus social del mismo. En cuanto a la técnica que Rembrandt aplica vemos el claroscuro en esencia, para dar un toque de misterio y a las vez énfasis en la expresión del hombre, que se encuentra en un plano busto. El punto de interés recae también en el turbante, por ello, se resalta sutilmente el interés del artista por una cultura diferente.

Fuente bibliográfica:

Krén, E. y Marx, D. (s.f.). Web Gallery of Art. Recuperado el 3 de octubre de 2021 desde https://www.wga.hu/html_m/r/rembrand/21portra/00portra.html

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/old-man-with-turban

Categoría: Pintura mitológica
"El rapto de Ganímedes" (1635)
Las dimensiones de esta pintura son 130 x 171 cm. Se encuentra en la colección del Staatliche Kunstsammlungen de Dresde, Alemania. La historia narra que el águila de Zeus rapta al niño de cabello rubio, éste trata de quitarse sin tener éxito, por el contrario, queda su cuerpo al descubierto. La interpretación de este suceso gira entorno al poder que un dios puede ejercer sobre la humanidad, eligiendo sin distinción, juzgando sin prejuicios ya que el niño era proveniente de una familia acaudalada. Además, se interpreta que es tomado de la vida a su corta edad, probablemente para un fin particular. En cuanto a los colores que se usan en esta pintura, se aprecian colores cálidos y una gama bastante corta, la iluminación hace énfasis en el cuerpo desnudo del niño y sus gestos de enojo e impotencia frente al suceso.

Fuente bibliográfica:

El rapto de Ganímedes (Rembrandt). (2020, 12 de septiembre). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 19:34, 3 de octubre 2021, desde https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=El_rapto_de_Gan%C3%ADmedes_(Rembrandt)&oldid=138285019

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/the-abduction-of-ganymede-1635

Categoría: Pintura mitológica
"Juno" (1662 - 1665)
Las dimensiones de esta pintura son 127 x 123,8 cm. Se encuentra en en museo Hammer, Los Ángeles, US. Se aplicó el óleo sobre lienzo. En cuanto al personaje de la obra, Juno, es una diosa romana que simboliza el matrimonio, nacimiento, maternidad y fertilidad. La utilería que usa básicamente son una corona que representa estatus y poder, manto de armiño que muestra la valentía, un pavo real en la parte izquierda inferior. Se aprecia una gran realismo en la pintura, con pinceladas firmes y un color con gran solvencia. En este caso la iluminación de la pintura enfoca el rostro serio de Juno y las manos, dando una perspectiva de poder y empoderamiento.

Fuente bibliográfica:

Arte Historia. (s.f.). Juno. Recuperado a las 17:18, 3 de octubre de 2021, desde https://www.artehistoria.com/es/obra/juno

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/juno

Categoría: Pintura mitológica
"Dánae" (1643)
Las dimensiones de esta pintura son 203 x 185 cm. Se encuentra en el museo Hermitage, San Petersburgo. La técnica se aplicó en óleo sobre lienzo. Esta obra vinculada a la mitología griega representa a Dánae, hija de Acrisio, quien tras consultar con un oráculo supo que sería asesinado por el hijo de su hija. Entonces, él la encerró en una especie de cueva, pero a pesar de ello, el dios Zeus logró embarazarla, dando como resultado el nacimiento de Perseo, quien finalmente asesina a su abuelo en un torneo. Rembrandt muestra a la joven en una cama, desnuda y muy bien iluminada, lo que significaría la pureza; además se ve la figura de un ángel por el cabezal, lo cuál se simboliza la castidad. De fondo, en segundo plano se aprecia a la sirvienta, dando a entender que Dánae estaba bien atendida, además de dar a conocer el nivel social en que su familia se encontraba. La mirada de los personajes generan misterio ya que ambas se fijan en la misma dirección.
Un dato curioso acerca de esta pintura es que en 1985, fue dañado con ácido y rajado con cuchillo por Bronius Maigys. Dicho suceso dió paso a una restauración que concluyó en 1997.

Fuente bibliográfica:

Malagón, J. (2014). El mito de Danae en la pintura: Una aproximación desde la literatura comparada. Clío: History and History Teaching. . Consultado el 3 de octubre de 2021.

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/danae-1643

Categoría: Pintura religiosa
"David tocando el arpa ante Saúl" (1655)
Las dimensiones de esta pintura son 50,2 x 61,8 cm. Se encuentra ubicada en el museo Mauritshuis en La Haya. La técnica que se aplicó fue en óleo sobre tabla. Es de estilo barroco - tenebrista. La obra simboliza la tristeza del rey, con una mirada indiferente y una postura de conformismo. Vemos también a David, un joven hábil que toca el arpa muy concentrado para poder complacer los oídos del rey. La vestimenta del monarca transmite su gran poder económico y la vara simboliza su dominio. A través de la música el rey puede controlar mejor sus emociones y calmar su enfurecimiento. Es entonces la música uno de los elementos que también resalta de manera sutil en la obra. En cuanto a la técnica aplicada, se ve un manejo de la luz con enfoque en el rey y se deja en segundo lugar a David, dando a entender la jerarquía dentro de la composición.

Fuente bibliográfica:

Arte Historia. (s.f.). David tocando el arpa para Saul. Recuperado a las 16:30, 3 de octubre de 2021, desde https://www.artehistoria.com/es/obra/david-tocando-el-arpa-para-saul

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/david-playing-the-harp-to-saul

Categoría: Pintura religiosa
"La resurrección de Lázaro" (1630 - 1632)
Las dimensiones de esta pintura son 96,36 x 81,28 cm. Se encuentra en el Museo de Arte del Condado de los Ángeles. La técnica que se aplicó fue el óleo sobre roble (tabla). La pintura es la representación de la resurrección de Lázaro con base en el Evangelio de Juan, capítulo 11. Se puede apreciar a Lázaro saliendo de su lápida, como despertando de la muerte por el llamado de Cristo. Ello se entiende gracias a la luz y sombra que se aplica en la pintura, el lado derecho más opacado y el izquierdo iluminado; dicha técnica característica de Rembrandt, el claroscuro. Los demás espectadores observan los hechos con total asombro y desde una postura de inferioridad, dándole realce a la presencia de Cristo.

Fuente bibliográfica:

Colaboradores de Wikipedia. (2021, 11 de mayo). La resurrección de Lázaro (Rembrandt). En Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado a las 15:42, 3 de octubre de 2021, desde https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=The_Raising_of_Lazarus_(Rembrandt)&oldid=1022619183

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/the-raising-of-lazarus-16

Categoría: Pintura religiosa
"La lapidación de san Esteban" (1625)
Las dimensiones de esta pintura son 123,6 x 89,5 cm. Se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Lyon en Francia. La técnica que aplicó en esta obra es el óleo sobre roble. En su composición se aprecian el claroscuro, en el lado izquierdo maneja colores opacos y va tomando un tono más cálido hacia la derecha. Conceptualmente se sospecha que el autor aparece en esta pintura al menos 3 veces, es decir, repite su figura en diferentes posiciones al menos 3 veces; Esteban, el verdugo y un espectador. Dando a entender su duda respecto a si es un pecador, castigador o un inocente. La temática claramente es religiosa, se vincula con Los Hechos de los Apóstoles, quinto libro del Nuevo Testamento que narra la expansión del Cristianismo por el Imperio Romano. Esteban quien está de rodillas clama el perdón de Dios, mientras el verdugo está listo para golpearlo con la piedra; el espectador mira atemorizado con una expresión que clama clemencia.

Fuente bibliográfica:

La lapidación de san Esteban. (2020, 15 de julio). Wikipedia, La enciclopedia libre. Recuperdado a las 14:20, 3 de octubre 2021, desde https://es.wikipedia.org/wiki/La_lapidaci%C3%B3n_de_san_Esteban

Imagen:

https://www.wikiart.org/es/rembrandt/la-lapidacion-de-san-esteban-1625

BIOGRAFÍA:
Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en la ciudad de Leiden, ubicada en la provincia neerlandesa de Holanda Meridional, Países Bajos. Fue uno de los pintores más resaltantes de la famosa Edad de Oro. Perteneciente al arte Barroco. Su familia se dedicaba a la molinería por lo que tenían una economía estable. Su padre tenía por nombre Harmen Gerritszoon van Rijn y su madre Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck; se sospecha que tuvieron 10 hijos y que dos murieron a temprana edad. Los nombres de los hermanos de Rembrandt eran: Adriaen van Rijn, Cornelis van Rijn, Gerrit van Rijn, Machtelt van Rijn, Lysbeth van Rijn, Willem van Rijn; fue una familia bastante numerosa. El oficio de sus padres permitió que Rembrandt tuviera una educación de calidad, llegando a ingresar a la universidad de su ciudad. Sin embargo, solo llevó un curso, ya que encontró su pasión y decidió dedicarse a la pintura.
Tuvo dos maestros, uno de su natal Leiden y otro de Ámsterdam. Este último, cuyo nombre era Pieter Lastman, tuvo gran influencia en Rembrandt para determinar su estilo de pintura.
En 1625, con 19 años, aperturó un taller en su ciudad natal junto a un colega pintor llamado Jan Lievens. Rápidamente consiguió popularidad y mucha clientela. Con los años se apreció una evolución en cuanto al estilo en sus obras, aplicando inicialmente colores brillantes para posteriormente aplicar el claroscuro, técnica que perfecciona en el año de 1630.
Ese mismo año fallece su padre, motivo por el cual se muda de Leiden hacia Ámsterdam. Fue entonces, cuando se casó con Saskia van Uylenburgh y comenzó una etapa agradable, de buena economía y éxito. Tuvo 3 hijos: Titus van Rijn, Cornelia van Rijn y Rumbartus van Rijn. La felicidad y prosperidad se vio opacada con la muerte de su esposa en 1642. Desde entonces comenzaron los problemas económicos, lo que lo orilló a vender sus pertenencias. Al poco tiempo conoció a Hendrickje Stoffels, quien era un sirvienta, mantuvo con ella una relación sentimental, pero, no llegó a contraer nupcias con ella para no renunciar a la herencia de su difunta esposa.
Pintó más de 600 cuadros; dentro de los diversos géneros que manejó en la pintura, resaltó en el religioso y el retrato, proyectando sus emociones y etapas de vida en sus composiciones. Sus obras se caracterizan por la excelente composición, caracterización ideal de personajes, detallismo en rostros, efectos y dominio total de las técnicas empleadas.
Rembrandt fallece naturalmente el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam, capital de los Países Bajos.

Fuente bibliográfica:

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Rembrandt. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm el 2 de octubre de 2021.