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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Magnum Streetwise》
✨ 期間限定85折 → https://moom.cat/l/b5xCB5

「街頭攝影中唯一算數的，就是好奇心。」── Gueorgui Pinkhassov

《Magnum Streetwise》為一冊定義了何謂街頭攝影、以及街頭攝影可以是什麼的作品大全。其中收錄了包括馬格蘭攝影通訊社成員如法國攝影師布列松（Henri Cartier-Bresson）的作品；布列松作為當代攝影的先驅，定義了「當代」之概念在街頭攝影中的脈絡。但他們對於攝影界的貢獻和影響，早已遠遠超越歷史性地位──從馬格蘭攝影通訊社成員的作品中發展而來的街頭攝影和紀實攝影，宛如一塊豐富的礦土。除了那些早已以街頭攝影作品而聞名的大師級人物──如以幽默建構作品的攝影師 Elliott Erwitt、極具諷刺喜劇意味的英國攝影師 Martin Parr、近距離街頭攝影大師 Bruce Gilden、黑色幽默攝影大師 Richard Kalvar 等人，更有許多雖不自認作品為街頭攝影、卻在此領域中發揮持續影響力的知名攝影師們。

《Magnum Streetwise》是一冊視覺饗宴和盛會，除了完整收錄大師作品外，更詳細註釋了作品分析和攝影師的創作軼事。除此，也以常見的街頭主題（如遊憩場所、市場、旅遊等）和熱門的城市（如巴黎、紐約、東京等）作為索引，跨越年代、出版社、概念性抑或實地拍攝，收錄不同類型的街頭攝影作品。本書宛如一冊傳記；出版社 Thames & Hudson 以龐大的野心、民主的質地，完整記載了馬格蘭攝影通訊社的街頭攝影流變，是為街頭攝影中的聖經。

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台北市大安區忠孝東路三段251巷8弄16號
忠孝復興站1號出口步行5分鐘
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「攝影師總有一套方法可以組織和簡化我們周圍的混亂世界。有人說攝影特別適合『反映』這個世界，但如果我們的環境複雜到無法用視覺和語言描述呢？這個難題就是我想反映的現實，創造出一種理應無法穿透的事物。」—— Gregory Halpern

1977 年出生於紐約州水牛城，美國攝影師 Gregory Halpern 以獨特的紀實風格而聞名，其創作源自於他對世界細緻入微的觀察，以及與所拍攝人物的細膩互動；既根植於現實，又浮現一抹夢幻和神秘感。二十多年來，Halpern 持續在他的家鄉 —— 水牛城及周邊地區 —— 拍攝下美國鐵鏽地帶的後工業城鎮生活，以攝影集《King, Queen, Knave》（國王、皇后、騙子）描繪這座城市的矛盾之處，試圖打破人們對於地方衰落的既定印象，同時開展一種超現實的日常表象。

《King, Queen, Knave》恍若一座抒情的舞台，各有特色且難以預測的人物角色，紛紛出現在孤立的建築物、雪堆和被陽光曬得褪色的場景之中。這些令人著迷的系列圖像，在季節的交替中遺留蛛絲馬跡，在歷史和個體的輝映之間尋求平衡。「世界對我來說有趣的是它的混亂和矛盾，對立的事物在相互關係中可以如此美麗。」Halpern 這樣說道。他以逆轉和昇華為主題，面對其出生地和整個當代美國的複雜性，將美與醜交織，救贖與絕望並存。

Gregory Halpern《King, Queen, Knave》
📦 台灣免運！購買此書 → https://moom.cat/l/kk6Oor

定居於紐約州北部，Gregory Halpern 在羅徹斯特理工學院教授攝影，並出版多部專著，於 2014 年獲得古根漢獎學金；其中《ZZYZX》以當代洛杉磯為起點，在城市中構建了一個半虛擬的世界，獲得了 2016 年巴黎攝影節—光圈攝影書獎的年度攝影書。2023 年，Halpern 成為馬格蘭攝影通訊社的正式成員。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Garden City》Anna Yudina
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混凝土高樓描繪出這個世代的天際線；城市作為一隻無法阻止的灰色巨獸無盡地增長、蔓延；高密度的居住空間和被壓迫的自然環境……

如今，全球的都市環境從未如此迫切地體會到這一切都需要「綠化」。然而，僅僅依靠零星的垂直花園或綠化屋頂也許並不足夠，還有怎樣的實際案例能讓你我實際體會與自然共生的建築或都市建設，將如何改變社會與生活？

《Garden City》與熱衷探索建築、設計、科技能如何與藝術、自然跨界結合的策展人 Anna Yudina 為此帶來全球近七十個建築專案，展示了建築師與設計師們如何以創新、實際又具美感的方式，將自然融入城市建築和室內設計，為人類創造更美好的居住環境，也為每一位未來的建築師與設計師提供了無限靈感。

作家暨策展人 Anna Yudina，目前於義大利佛羅倫斯的 Polimoda 學院教授跨領域創意課程。曾共同創辦並擔任《MONITOR》雜誌的主編長達 12 年，並為 Thames & Hudson 出版了多部著作，包括《Furnitecture》、《Lumitecture》及《HomeWork》。

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🌟 日本攝影大師 瀧本幹也 簽書會
▎時間 → 10/6（日）15:00–16:30
▎地點 → 台北市忠孝東路三段251巷4弄14號

提及日本商業攝影界的代表人物，瀧本幹也無疑是其中最耀眼的巨星。

他不僅與知名導演是枝裕和合作，以《我的意外爸爸》、《海街日記》攝影指導身份，摘下坎城影展評審團大獎及日本電影學院最佳攝影獎，更在廣告領域創作無數經典。

從 TOYOTA 廣告中讓《終極追殺令》的尚·雷諾化身哆啦A夢，到 Calorie Mate 廣告裡滿島光的驚豔亮相，再到麒麟啤酒與日本郵便中坂本龍一的迷人身影，不僅塑造了經典品牌形象，更將創意與才華深深烙印在不同世代的人們心中。

▎展覽資訊：瀧本幹也、矢後直規聯展——「Re-Works」

今年十月，瀧本幹也將與 JAGDA 新人賞得主矢後直規首度於 moom bookshop 舉辦聯展——「Re-Works」。矢後直規不僅為 RADWIMPS、菅田將暉等知名藝人設計過唱片封面，也操刀過篠山紀信和瀧本幹也的攝影集設計；矢後與瀧本兩人長期合作的默契與成果，更是透過《CROSSOVER》及《Mikiya Takimoto Works 1998-2023》兩部經典攝影集廣為人知。

在本次「Re-Works」中，將攝影與設計巧妙融合的兩人不僅會展出特地為展覽創作的全新作品，以及矢後直規設計的 10 款瀧本幹也精選作品海報；此外，限量特裝版的《Mikiya Takimoto Works 1998-2023》及瀧本幹也全新攝影集《LUMIÈRE》和《PRIÈRE》也將首度登陸台灣，在 moom bookshop 亮相！

現場同步販售多款精美周邊商品，誠摯邀請喜愛攝影與設計藝術的您前來欣賞兩位大師的聯合創作。

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瀧本幹也、矢後直規聯展——「Re-Works」
展期：2024/10/05–10/27
營業時間：MON–SUN 12:00–18:00
地點：台北市大安區忠孝東路三段251巷4弄14號
(忠孝復興站1號出口步行5分鐘)
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自古以來，海女不但餵養口腹，介於水與陸之間的存在亦滋養著島國人民的想像力；不背氧氣瓶便潛入海洋的她們，也連帶拋開性別位階僵固的文化，一枚一枚採集鮑魚、貝類和海藻，靠著販售所得的收入實現了經濟獨立。日本攝影師浦口楠一從 1950 年代開始，就持續在太平洋沿岸的志摩市貼身拍攝海女身影，三十餘年積累的近四萬張底片（幾乎全都未曾發表過）集結成《Shima no Ama》，講述海女社群的日常生活、在日本社會中的特殊地位，不僅涵蓋磅礴風景、肖像，更富含臨場感十足的水下奇觀。

在強烈黑白對比營造出來的張力下，自然率性的舉手投足都粼粼發著光；與其雕琢構圖，去框架的畫面反而盡情揮灑討海的瀟灑與無常。浦口楠一採用的攝影語言，無一不是在頌揚團結、自由的身體和獨立精神。

乍看之下，這批珍貴檔案將文化遺產堅毅到近乎神祕的質地提煉得透澈，但震撼人心的影像中，也同時潛伏著另一種現代性──不只在於當地特有的傳統白色潛水服 “Iso”，如何汩汩汰換成橡膠潛水裝這種單純的今昔對比而已──因為，在浪花間如魚得水的整個社群終究不敵時代潮流，隨著都市化浪潮在戰後席捲全國，種種變化深不可測，海女們也逐漸凋零成零星泡沫。

《Shima no Ama》於 1981 年首度出版，法國出版社 Atelier EXB 把握時隔多年的再版機會，將本書的豐富面向勾勒得更清晰，因此邀請獨立策展人 Sonia Voss 撰寫專文，為海女社群揭開神秘面紗；攝影評論家港千尋則將本作納入攝影史脈絡來討論；另外，受日本民族學家瀨川清子的著作啟發，本書亦附上專門介紹漁業和潛水世界的詞彙表，把關於這門學問的點點滴滴探討得淋漓盡致。

▎購買此書 → https://moom.cat/l/MQ4JwT

浦口楠一 (1922-1988) 從小在三重縣志摩郡成長，在經營珍珠首飾事業之餘拍拍照，而後以業餘攝影師之姿持續記錄志摩氣候、海女文化多年，70 年代曾參與獨立藝廊 PUT 的創立工作，出版過的攝影集包括《志摩風土記》、《Shima no Ama》等。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Tropicality: Houses by Andra Matin》
✨ 期間限定85折 → https://moom.cat/l/Imd7b0

木造的，混凝土建成的房子全然地向自然敞開，白日是搖曳樹影與蟲鳴，夜晚抬頭能見滿天星星，聽見潺潺流水──《Tropicality: Houses by Andra Matin》把出自印尼建築師 Andra Matin 之手的 16 棟精緻住宅，有聲書一般地收入書中，翻開能感受自然的聲響與氣味瀰漫生活。

從故鄉印尼萬隆出發，Matin 重新定義了室內生活的概念，將燦爛的熱帶風情融入建築之中，完美詮釋出生活即度假的悠閒氛圍。他秉持著「將自然環境最大化」的信念， 發揮對於材質的敏銳感知，選擇與環境貼合的建材，建造出涼爽宜人且與自然和諧呼應的優雅住宅。

《Tropicality: Houses by Andra Matin》作為 Matin 的首本英文專著，匯集了建築師與團隊在過去 20 年間精心打造的精緻建築，以平面設計圖與多面向的影像紀錄完整地呈現房子的不同面貌；並邀請 Neri&Hu 設計研究室的共同創辦人林兵為本書撰寫序言。

Andra Matin 是印尼頗負盛名且備受推崇的建築師。出生於萬隆，畢業於故鄉的 Parahyangan 大學，並於 1998 年成立了同名建築事務所。身處熱帶氣候大國，Matin 有感於全球氣候暖化議題，將對於環境與建築的深刻見解投注於項目中，發展出創新且永續的設計理念。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《North》Sean Perkins
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英國設計工作室 North 的首本專著《North: Extracts from visual identities》，將過去近三十年間創作的眾多視覺設計匯聚一處。1995 年由 Sean Perkins 創立，工作室的名稱「North 」源於 Perkins 來自英格蘭北部的背景；這間極具個人風格的工作室近似一個秘密，既沒有過度活躍的社群動態，網站上也僅保留基本的作品資訊，然而 North 卻擁有一群遍及全球的忠實追隨者，並吸引無數渴望與之合作的知名文化與商業客戶。

《North: Extracts from visual identities》一書展現 North 透過嚴謹研究、細緻工藝及精準的視覺表現，所提煉出的作品結晶。書中收錄豐富的品牌識別、包裝設計、展覽、書籍、海報和標誌設計，客戶囊括倫敦 Tate Modern 泰特現代美術館、Southbank Center、巴比肯藝術中心 Barbican Centre、奧斯陸孟克博物館 Munch Museum、曼徹斯特表演藝術中心 Factory International 和香港 M+ 視覺文化博物館等。本書的內容依據設計專案的地理緯度排列，如此架構充分反映 North 的國際影響力，並延續 North 的一貫精神 —— 出人意料、與眾不同且反其道而行。

North 現由 Sean Perkins 及合夥人 Jeremy Coysten 和 Stephen Gilmore 組成，三人皆為國際平面設計聯盟 (AGI) 的成員。他們認為平面設計應該「自我表達」，因此這本作品集當中沒有任何描述性或傳記性的文字，而是藉由逾 300 頁的視覺編排，結合攝影、字體、版面和色彩的精心安排，引導讀者進入 North 嚴謹而直白的創意視野。

作為一家以精確性著稱的設計工作室，《North: Extracts from visual identities》的書籍製作亦無可挑剔。封面採用黃色 (BRI4058) Brillianta 布料批覆於 2500 微米厚的灰板上，並以白色燙字處理。全書內頁採用六色印刷：標準的 CMYK 以及專色金屬金 (Pantone 871) 和專色金屬銀 (Pantone 877)；部分照片使用 CMYK 和整合金屬專色油墨的組合印刷，這是透過 Color Library 開發的特殊色彩設定檔所產生的額外分色。書中使用的字體是 Toshi Omagari 為 Monotype 開發的 Neue Haas Unica。

《North: Extracts from visual identities》每本附贈一冊 16 頁的〈視覺識別附錄〉，Perkins 稱之為「那些失之交臂的設計」目錄；內容包含 100 多個未經使用和發佈的識別，首度揭露 North 於各項設計專案中的原始方案及替代路徑。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Hyperborea: Stories from the Arctic》Evgenia Arbugaeva
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身在雅庫次特共和國拉普提夫海濱大鎮季克西，俄國攝影師 Evgenia Arbugaeva 從小就知道北極圈內的西伯利亞日常，堪比一部壯闊難忘的史詩；成為攝影師後實地走訪，人煙稀少的大地迤邐成一片美而脆弱的荒蕪，高緯度地區從植被、建築形式到生命的結構都彷如另一顆星球，於是她精心調度構圖，引出超凡脫俗的豐富色彩，《Hyperborea: Stories from the Arctic》因此瀰漫著當地氣候造就的原始活力，而與世隔絕的極端生活，也證明了生命韌度的邊界。

本書收錄的影像時間跨度長達十年，完整回顧 Arbugaeva 歷來遠征俄羅斯北極灣區的旅程之餘，亦呈現出她與遙遠異境居民之間的深刻連結。每結束一次長駐，Arbugaeva 不僅帶回大量作品，也帶回一座人、自然與天地萬物圓融相連的世界，循著幽寂的生活步調悠然輪轉；影像一道道如任意門般綿延成隧道，邀請觀者一路向北，深思曾經集各國城鄉人憧憬於一身的神話仙境，如今何以在重重氣候變遷下面臨存續危機。

伴隨劍橋大學史考特極地研究中心社會科學系主任 Piers Vitebsky 的介紹文、Arbugaeva 親自寫的四篇文章，以及根據作品誕生地繪製的地圖，翻閱《Hyperborea》就像沉默地展開一趟紙上極地長征，沿途看見陌生曠野的悲喜炎涼，也逐漸認識了 Arbugaeva 的獨特才華。

Evgenia Arbugaeva 於 1985 年生於俄羅斯，現居英國倫敦，為國家地理學會的說故事工作坊 (Storytelling) 合作研究員，曾榮獲國際攝影中心無限獎、徠卡・奧斯卡・巴納克攝影獎 (LOBA)；作品除了在世界各地展出，亦散見於《國家地理雜誌》、《時代》、《紐約客》等著名媒體。

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為即將到來的 2025 年準備一本可撕式日曆，親手迎接嶄新的每一天！

荷蘭平面設計大師 Karel Martens 一向以強烈的實驗性創作風格影響著設計領域；他著迷於數學中的理性與詩意，在其創作中時常可見大量數字元素 。

本次 Karel Martens 與荷蘭出版社 Roma Publications 共同推出 2025 年可撕式日曆《Karel Martens - Calendar 2025 / Every day is a new day》，每個日期皆藏有設計師的巧思。Karel Martens 使用金屬活字印刷創造不同凡響的數字，將他們拼湊成 365 幅作品，讓藝術作為一種日常實踐，落實於生活中的每一天。

▎購買此書 → https://moom.cat/l/LR05Xq

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【展覽資訊】瀧本幹也、矢後直規聯展——「Re-Works」

提及日本商業攝影界的代表人物，瀧本幹也無疑是其中最耀眼的巨星。

他不僅與知名導演是枝裕和合作，以《我的意外爸爸》、《海街日記》攝影指導身份，摘下坎城影展評審團大獎及日本電影學院最佳攝影獎，更在廣告領域創作無數經典。

從 TOYOTA 廣告中讓《終極追殺令》的尚·雷諾化身哆啦A夢，到 Calorie Mate 廣告裡滿島光的驚豔亮相，再到麒麟啤酒與日本郵便中坂本龍一的迷人身影，不僅塑造了經典品牌形象，更將創意與才華深深烙印在不同世代的人們心中。

今年十月，瀧本幹也將與 JAGDA 新人賞得主矢後直規首度於 moom bookshop 舉辦聯展——「Re-Works」。矢後直規不僅為 RADWIMPS、菅田將暉等知名藝人設計過唱片封面，也操刀過篠山紀信和瀧本幹也的攝影集設計；矢後與瀧本兩人長期合作的默契與成果，更是透過《CROSSOVER》及《Mikiya Takimoto Works 1998-2023》兩部經典攝影集廣為人知。

在本次「Re-Works」中，將攝影與設計巧妙融合的兩人不僅會展出特地為展覽創作的全新作品，以及矢後直規設計的 10 款瀧本幹也精選作品海報；此外，限量特裝版的《Mikiya Takimoto Works 1998-2023》及瀧本幹也全新攝影集《LUMIÈRE》和《PRIÈRE》也將首度登陸台灣，在 moom bookshop 亮相！

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展期：2024/10/05–10/27
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📚 推薦書目《Henri Cartier-Bresson: Paris Revisited》
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攝影史上永遠不被遺忘的人物、法國著名攝影家亨利·卡蒂埃－布列松（Henri Cartier-Bresson, 1908-2004）以相機捕捉世界，被譽為是「20 世紀的眼睛」。在海外長途旅行的間隙，他經常拍攝巴黎；在這個他從未停止探索的城市，他感興趣於人們移動和進入空間的方式，同時對周遭時事充滿無比熱情。

《Henri Cartier-Bresson : Paris Revisited》中的 160 幅影像，來自布列松逾半世紀的攝影生涯。這些照片多以黑白底片拍攝，揭示了先鋒紀實攝影師尤金‧阿傑（Eugène Atget, 1857-1927）以及超現實主義對布列松早年作品的強烈影響。在 1932 年跟隨立體派畫家安德烈·洛特（André Lhote）學習之後，布列松買了他的第一台小型便攜式徠卡相機，開始捕捉巴黎日常的變化與節奏；他拍攝下眾多知名藝術家、作家、政治家和巴黎本地人在城市當中的生活，並見證了重大的歷史事件，如 1944 年 8 月的「巴黎解放」和 1968 年的「五月風暴」。對於布列松而言，攝影是一種精神狀態，一種呼吸，有時也是一種抗議的形式。

本書與亨利·卡蒂埃－布列松基金會合作，配合巴黎卡納瓦雷博物館的大型展覽出版，以主題及作品編年的方式劃分十個章節，展示 60 多年來關於巴黎的珍貴圖像。《Henri Cartier-Bresson : Paris Revisited》不僅是記錄下 20 世紀巴黎的最佳寫照，也是布列松在這座城市留有的輕快足跡。

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《可憐的東西》無疑是近年最驚世駭俗的電影，一上映便引發狂熱的現象，不僅在首映會獲得超過 10 分鐘的瘋狂掌聲，更一舉拿下 4 座奧斯卡大獎，然而，在廣受讚譽的同時，也受到不少批評。許多觀眾在放映期間逃離電影院，原因是性愛場面太露骨──一切都來自影后艾瑪史東超級敬業的大尺度演出。

「我不是一直想要脫光的人，但我想盡全力去詮釋這個角色。」

曾是「美國甜心」型演員的艾瑪史東，如今完全顛覆了這個標籤。她所飾演的主角貝拉，是一位性慾過剩的科學怪人，直白的談吐和放縱的性生活，帶有狂野女性之美。她表示，這個角色最大的挑戰在於必須放下羞恥心，將自己徹底歸零。

而導演 Yorgos Lanthimos 也在拍攝的過程中，以隨身相機記錄幕後細節，並出版為攝影集，邀請觀眾以貼身視角進入電影裡的美學世界。

▎閱讀全文 → https://moom.cat/l/38dg7v

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從美國甜心到狂野女性，艾瑪史東評《可憐的東西》：這是我演過最棒的角色 | moom bookshop - 攝影書與雜誌 《可憐的東西》無疑是近年最驚世駭俗的電影！一上映便引發狂熱的現象，不僅在首映會獲得超過 10 分鐘的瘋狂掌聲，更一舉拿下 4 座奧斯卡大獎，然而，在廣受讚譽的同時，也受到不少批評。根據《Variety》報導，許...

🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Vinyl . Album . Cover . Art》
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在搖滾樂與平面設計領域中享有傳奇性地位的英國設計工作室 Hipgnosis，於 1967 年由當時還是英國皇家藝術學院學生的 Storm Thorgerson 與 Aubrey Powell 合作創立，之後加入了另一位設計師 Peter Christopherson。 因為還是學生的關係，可以自由使用學校的暗房設備，因此 1968 年幫友人樂團 Pink Floyd 設計了唱片包裝《A Saucerful of Secrets》，自此與 Pink Floyd 所屬的 EMI 唱片公司取得了緊密的合作關係，包辦了上世紀下半葉的眾多英國搖滾樂團的唱片設計，其中包括 Pretty Things、Free、Toe Fat 與 The Gods 等。

而他們開始受到廣大注意起始於 1973 年 Pink Floyd 的專輯《The Dark Side of the Moon》，工作室提案了八種設計版本，最終與團員們討論後完成的作品。這張專輯取得空前的成功，更在美國 Billboard 排行榜上停留了 1,630 週，創下史上第一。撇除這張專輯音樂本身完美絕倫外，唱片其乾淨俐落的設計更是將這張專輯的知名度更無遠弗屆地拓展，舉凡海報、雜誌、T恤、馬克杯⋯⋯以及各種後人致敬的仿效版本一再出現，再再顯示了這個無懈可擊的設計對這張專輯的重要性。

他們革命性的設計風格擺脫了當時呆板無趣的唱片製作概念，注入了新時代的靈魂，開創性且帶有超現實的設計重新定義了七、八〇年代的搖滾音樂史，眾多知名的樂團透過 Hipgnosis 的設計成就了一張張經典專輯，合作的樂團包括警察樂團 (The Police)、創世紀樂團 (Genesis)、齊柏林飛船 (Led Zeppelin)、Pink Floyd、羽翼樂團 (Wings)⋯⋯。只可惜他們最終在 1983 年解散工作室，三位成員中的兩位 Storm Thorgerson 與 Peter Christopherson 也相繼過世。

本書《Vinyl . Album . Cover . Art》由 Hipgnosis 成員之一 Aubrey Powell 編輯完成。收錄已逝成員，設計師 Storm Thorgerson 於 1977 年撰寫的文章〈How to Design a Record Cover（如何設計一張唱片封面）〉。記載了 Hipgnosis 於 1967-1983 年間的全部作品，而這些作品從未被整理出版。依據年份完整排序，伴隨著詳細的介紹，解析著當時的製作過程與概念。這本書乘載了七、八〇年代搖滾黃金歲月，可說是流行藝術史上不可撼動的一部重要圖錄。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《The Portrait Photographer's Manual》
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攝影史上肖像攝影的技法與流派百家爭鳴，如何取材、以什麼樣的風格拍攝、黑白抑或彩色、寫實還是超現實？ 該如何拍出一幅動人的肖像？

攝影師 Cian Oba-Smith 與視覺藝術家、策展人 Max Ferguson 以自身經驗出發，精心編撰一冊肖像攝影指南《The Portrait Photographer's Manual》，邀請立志成為肖像攝影師的新手，以及對於肖像背後的動人故事感興趣的讀者們，展開一趟知識滿載的視覺饗宴。

書中以清晰的架構、淺白的文字敘述與豐富的圖片呈現。內容拆分成重點專題，諸如黑白肖像攝影、自拍型態的攝影、紀實攝影、超現實攝影等；讀者能夠通過在該攝影領域有出色表現的攝影師分享的創作心法及作品賞析，汲取每一幅肖像帶來的啟發與養分，並在不斷地試錯中，探尋屬於自己的肖像攝影風格。

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「照片是一個關於祕密的祕密，它揭示的越多，你知道的就越少。」—— Diane Arbus (1923-1971)

傳奇的美國紀實攝影師 Diane Arbus，她的肖像攝影探索著 1960 年代的美國社會邊緣人，包含天體主義者、侏儒、變裝癖、流浪漢、唐氏症患者，甚至是在當時仍有少許人認為是不祥徵兆的雙胞胎。她的影像穿越了表象，傳達人物的感知與社會的脈動，值得人們探討議論。隨著 1960 年中的幾個公開展覽，使得 Diane Arbus 的作品開始被廣泛討論，並成為具有影響力的攝影師。只可惜 1971 年因嚴重的憂鬱症而最終服用藥物並割腕自殺，結束了 48 年的短暫生命。

Diane Arbus 過世後，MoMA 舉辦她的攝影回顧展，而觀眾的反應是前所未有的熱烈。1972 年，她成為第一位參與威尼斯雙年展的美國攝影師。同年由 Aperture 所出版的《Diane Arbus: An Aperture Monograph》更是 Diane Arbus 的第一本攝影集，全書收錄了八十幅照片，由她的女兒 Doon Arbus 與藝術家友人 Marvin Israel 共同編輯與設計，忠於呈現攝影師的作品面貌與意念。這本書也成為有史以來最暢銷的攝影集，直至今日仍然不斷再版，並被公認是一本永恆的傑作。

此書《Diane Arbus: An Aperture Monograph》是出版四十週年紀念精裝版本，同樣由美國出版社 Aperture 出版，裝幀與設計與首刷相同。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《The Street Photographer's Manual》David Gibson
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近年來，在社群媒體上分享照片的風氣促使「街頭攝影」回春，《The Street Photographer’s Manual》便因應這股重燃生機的精神，由英國街頭攝影師兼攝影作家 David Gibson 運用實戰經驗，提出街頭攝影這種手段所承載的豐富可能性，並呈現輕鬆投入街頭攝影、完美攫住都會瞬間的方式。

《The Street Photographer’s Manual》將街頭攝影常用的手法分門別類成「光影」、「尾隨」、「空景」、「倒影」⋯⋯，透過簡單易瞭的教學內容，示範在茫茫人海中捕捉單一臉孔的秘訣，或訓練雙眼練習觀察、留下意外畫面的能力。不僅如此，本書也以實際作品搭配詳細解說，帶領讀者深入認識 20 位廣受肯定的國際街頭攝影師。

在這次重新修訂的版本中，《The Street Photographer’s Manual》首先細細回顧街頭攝影的過去、當下與未來，審視此攝影類型隨時間經歷的變化；配合因社群媒體而變化的影像傳播途徑和展示形式，本書亦順應時勢加入對於 Instagram 軟體的使用建議，此外還有馬格蘭攝影通訊社候選人 Matt Stuart 所撰寫的序。其中，以專文介紹的 20 位攝影師包含 6 位備受關注的新星攝影師：Troy Holden、Merel Schoneveld、Melissa Breyer、David Gaberle、Michelle Groskopf 和 Craig Whitehead。

《The Street Photographer’s Manual》生動地向讀者證明：擔任街頭攝影師的部分條件是適時、巧妙的運氣，而運氣有時需由靈感觸發──這正是需要本書的原因。

David Gibson 生於 1957 年，從 1990 年初期開始從事街頭攝影，並於 2000 年成為第一個現代跨國街頭攝影師集團 In-Public 的創辦人之一，為全球益發熱烈的街頭攝影風潮帶來深刻影響。

David Gibson 的作品散見於各種展覽和出版品，其中也包括《Street Photography Now》這本精選全球 56 名頂尖街頭攝影師的選集。目前 Gibson 除了持續發表街頭攝影作品，也在英國倫敦與各城市舉行相關的工作坊。

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在字體排版的世界中，時常會在同一個設計中看到襯線體和無襯線體的搭配。然而，如何巧妙地交互運用這兩種字體，以避免不必要的視覺張力或字體衝突，同時確保排版中的文字具有最佳可讀性，卻需要十足的技巧。

從字型的粗細到分類，每種字體都有其獨特的個性，必須謹慎搭配，從而傳達出設計所需的正確語調與氛圍。《Type in Use: Sans & Serif》以兩冊內容《Sans In Use（無襯線字體應用）》 、《Serif In Use（襯線字體應用）》，分別展示一系列精選的字體範例、其設計應用及背後的思考過程，並收錄了兩大字體類別的最佳組合，為尋求靈感的字體設計師和平面設計師提供專業的參考。

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《Type in Use: Sans & Serif》由位於香港的設計工作室 viction:ary 推出。自 2001 年以來， viction:ary 已製作近百本設計參考書籍，透過紙本印刷的力量深入探索每個專業範疇。其出版內容不僅圍繞於藝術、插畫和平面設計，更包含藝術版畫、旅遊指南、兒童書籍與遊戲等廣泛的主題系列，以無窮的創意視角，連結來自世界各地的創意人才與設計愛好者。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《The Mindful Photographer》Sophie Howarth
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數百萬張照片每天被拍攝下來、步調雜沓的環境令創造力逐漸耗盡的世界裡，《The Mindful Photographer》提出了一種解藥：放慢腳步。Sophie Howarth 通過 20 個概念，例如「自信」、「感念」、「玩心」和「憐憫」，結合實用的任務，邀請讀者反思自己的攝影實踐，試圖停下腳步，專注於周遭的世界，與之融為一體。

《The Mindful Photographer》收錄了從經典到當代的攝影師的作品，包括 Saul Leiter、川內倫子、Sally Mann、Edward Weston、Gueorgui Pinkhassov、Teju Cole、Sarker Protick、Tamsin Calidas 等人。這些影像佐以吸引人的軼事、短文和引述，以啟發讀者，同時擴展他們的攝影知識和創意視角。

放下既定觀念和完美的 Instagram 貼文所帶來的比較心理，《The Mindful Photographer》重新定義了我們與攝影實踐的關係，讓它成為一種愉悅和體驗。透過 Sophie Howarth 的指引，不僅引導著新的攝影方式，更直抵心靈深處，探詢自我。

Sophie Howarth 是一名藝術家、作家和導師，為心靈成長平台 The School of Life 的聯合創始人和第一任總監。並曾擔任泰特現代美術館策展人。

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一窺毛絨絨不速之客的夜間盛宴──偶爾還有蛞蝓和螞蟻。

松鼠、山雀、蛞蝓、田鼠、螞蟻、麻雀，都是牽動德國攝影師 Lia Darjes 神祕故事走向的主角；牠者進入視線的模樣絲毫不駭人，鬼鬼祟祟的隱秘氛圍，反而格外引人好奇。

由於害羞的小動物喜歡在暗處動靜，所以 Darjes 轉化年少受荷蘭繪畫大師啟發的經驗，在自家或親友家的花園裡鋪開斑斕的桌巾，誘餌擺設妥當，隨後的奇觀就交由相機捕捉；必備道具無他，就是一盤又一盤剩菜。

Darjes 通常把相機留置在外長達數小時甚至好幾天，由偵測到的動作來觸發快門，無論大小色彩毛多毛少，都拍得像靜物畫裡的主角。這種紀實研究介於編導式攝影和機遇之間，似乎也剛好呼應著友伴與我們明明並肩生活，關係卻又如此疏離。攤開寧靜卻熱鬧，繽紛又神聖的《Plates I- # # 》才知道，不速之客也好，神奇的平行世界也好，原來都比我們想像得更近、更有趣，更無所不在。

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Lia Darjes 於 1984 年生於柏林，曾就讀漢堡應用科學大學，師從 Ute Mahler。憑紀實靜物研究系列作〈Tempora Morte〉聞名，將加里寧格勒非官方街市上的小攤販誇飾得近乎偶像，後來也出版成第一本攝影專著。2018 年，Darjes 開始在東十字攝影學院教授攝影，五年後成為該機構的共同經營者。作品展遍國內外，亦發表在雜誌上，亦廣獲專門為女性攝影師設立的維吉尼亞攝影獎、Voies-Off 攝影獎、Lotto Brandenburg 藝術獎等獎項、獎助金肯定。Darjes 現居漢堡及柏林。

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粗獷主義建築的外觀總給人冷冽而剛毅的形象，從早期為了紀念戰爭或偉人而矗立，到 Le Corbusier 所設計之公寓住宅為全球各地不斷增長的城市居民與百姓生活而挺立。而當粗獷主義建築遇上了綠意盎然的生命，堅定與柔情、韌性與意外間的相遇之美，更交織出了《Brutalist Plants》一書在無機混凝土與有機植物之間的迷人對談。

自 2018 年設立「」的 Instagram 帳號以來，這項由本書主要創作者 Olivia Broome 發起的建築攝影運動便吸引了眾多建築師、城市探險者、園藝師及攝影愛好者的關注與響應，他們不僅因純粹的興趣與熱情而聚於此地，也為當今粗獷主義建築多面臨無人修繕或預計拆除的危機而團結。

「歲月流逝，流行與喜好不斷更迭，連粗獷主義也不例外地在時代洪流中漸漸走下舞台。它們所留下的建築物如今在被列入保護名單與被拆除之間不停搖擺。正因如此，我們更需要在這些有爭議的『怪物』化為真正的廢墟之前，向它們致上敬意。」——Olivia Broome

《Brutalist Plants》Olivia Broome
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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Pink Floyd: The Dark Side Of The Moon》
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傳奇搖滾樂隊 Pink Floyd 的經典專輯《The Dark Side of The Moon》，從發行至今已過了半個世紀。1973 年的三月，這張專輯一問世便取得空前的成功，在美國 Billboard 排行榜上共停留了 1,630 週，創下史上第一。撇除音樂本身的完美絕倫，革命性且帶有超現實的封面設計，更是將它的知名度無遠弗屆地拓展，重新定義了七、八〇年代的搖滾音樂史。

為慶祝專輯發行 50 周年，英國出版社 Thames & Hudson 於 2023 年推出 50 周年紀念攝影集《Pink Floyd: The Dark Side Of The Moon》，收錄許多珍貴的資料和影像，包括原始封面設計概念、完整巡迴日期列表，以及 1972 年至 1975 年樂隊巡演期間，超過百張在舞台與後台、演出前後的罕見照片，由四位攝影師 Storm Thorgerson、Jill Furmanovsky、Aubrey Powell 和 Peter Christopherson 共同拍攝。

書中另收錄一篇原刊登於 1972 年《Melody Maker》音樂雜誌的評論，為 Pink Floyd 最著名的英國溫布利球場的演出提出深刻的洞見。

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「一名描繪肖像的人就如同人類觀察家，他對於被描繪的人的態度與感覺將反應在他的作品中。一個人的性格會反映於他的面孔，另一部分的性格則透過姿態展現——但最能夠彰顯其性格的仍然是臉，人們會形塑自己的相貌，而 Larry Stanton 深知這一點。」──英國藝術家 David Hockney

《Larry Stanton: Think of Me When It Thunders》一書由 Fabio Cherstich 和 Arthur Lambert 共同編撰，為早逝的美國藝術家 Larry Stanton 留下曾經深刻存在的印記。

書中收錄 139 幅 Larry 的作品，其中包括許多他為夜間出遊時偶遇的男孩們畫的肖像，以及朋友、家人和大量的自畫像，穿插部分自述與他人為之撰寫的文字，勾勒出一個以 Larry Stanton 為中心的肖像世界。

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🇬🇧 英國藝術出版社Thames&Hudson 75週年書展
📚 推薦書目《Ravens & Red Lipstick: Japanese Photography Since 1945》
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近年來，「日本攝影」在海外備受矚目，當人們急需從全球視點概觀日本攝影史的書籍之時，對日本有深厚了解的英國策展人 Lena Fritsch 以編年方式，爬梳從戰後萌發的現實主義到百家爭鳴的日本當代攝影史，並親自訪談 25 位具代表性的日本攝影師，於 2018 年完成並出版了這劃時代的一冊——《Ravens & Red Lipstick: Japanese Photography Since 1945》。

而在 2024 年，新版《Ravens & Red Lipstick: Japanese Photography Since 1945》再度出版，相比舊版內容不僅完全相同，更將全書尺寸改為了更加易拿、易攜帶之大小。

《Ravens & Red Lipstick: Japanese Photography Since 1945》是一本由歐洲觀點出發，探討了日本攝影的多樣性，無論剖析方式抑或視覺選材，都大膽呈現的一部近代攝影史。從戰後的商業活動、教育狀況、藝術產業、年代背景等各方面深入剖析，包括六〇和七〇年代的日本消費主義和資本主義政爭，以及在社會變遷背景下所發展而成的「現實主義」、「女性攝影」。也觸及 1968 年創刊的日本前衛攝影雜誌《Provoke》，其中成員如中平卓馬、高梨豊、森山大道等人之作品及思潮回顧，總計收錄了 1945 年以來超過 70 位攝影師，共 200 餘件作品。

Lena Fritsch，現為英國牛津的阿什莫林博物館現代和當代藝術策展人，統籌與策劃展覽事務及國際聯繫事宜。在 2017 年至阿什莫林博物館工作前，曾為 Tate 美術館助理策展人。鑽研 20 及 21 世紀的日本藝術及攝影史，同時也從事翻譯，致力於日本藝術有關之展覽。

〈訪談收錄作家〉
荒木経惟、安齋重男、石内都、伊島薫、大森克己、川内倫子、川田喜久治、北井一夫、澤田知子、志賀理江子、柴田敏雄、須田一政、鷹野隆大、土田ヒロミ、TokyoRumando、長島有里枝、蜷川実花、野村佐紀子、畠山直哉、HIROMIX、細江英公、森村泰昌、森山大道、吉行耕平、米田知子

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作為上世紀首屈一指的西班牙藝術家，Xavier Corberó 的粗獷雕塑彷彿信手劈鑿石塊、大理石和青銅而成，實實在在地體現了貫串達利、杜象、馬克斯·恩斯特（Max Ernst）和胡安·米羅（Joan Miró）等超現實藝術家的風格，同時仍充滿清晰鮮明的個人性格，因而廣獲世界各地的藝術機構讚揚，也被倫敦 V&A 博物館與紐約大都會藝術博物館納入典藏。

不過，說起 Corberó 畢生最偉大的創作，或許是他花費 50 餘年在巴賽隆納郊外的埃斯普盧加斯為自已打造的住宅。儘管形式屬於家屋，外觀與動線卻猛力跳脫普遍的住家想像，反而如活生生的有機體般，在不斷的改造過程中長出迷宮般的房間、層層空間與量體。當中最迷人的設計，莫過於或大或小、繁衍不盡的拱門——每當 Corberó 賺到了錢，或與當地建築工人一同在早上邊散步邊構思新計畫，這幢引人入勝的史詩便進入下一個篇章。

隨著 Corberó 逝世，趕在埃斯普盧加斯宅可能出售前，Corberó 之女 Ana Corberó 親自編輯豐富影像、文字與訪談資料，並由西班牙著名的非主流室內設計雜誌社 Apartamento 出版。《The House of Xavier Corberó》是史上第一本前進埃斯普盧加斯深入探索 Corberó 住宅的出版品，當中的攝影原作出自攝影藝術家 Daniel Riera 之手，若干文章則來自與 Corberó 相交多年的摯友兼同事，包括建築師 Ricardo Bofill、Josep Acebillo；世界建築節計畫總監 Paul Finch；藝術家兼藝評家 Celia Lyttelton；RBTA 建築事務所總監 Pablo Bofill 等。特別的是，導演 Albert Moya 曾為《Apartamento》第 16 期雜誌訪問過 Corberó，本書也一併收錄了珍貴的原始報導。

《The House of Xavier Corberó》
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Xavier Corberó (1935–2017) 生於加泰隆尼亞，曾旅居巴黎、斯德哥爾摩、倫敦和紐約，是倫敦中央藝術與設計學校史上第一位西班牙學生，被譽為「繼高第後最重要的加泰隆尼亞藝術家」。1955 年首度展出金屬雕塑品後，Corberó 連續兩年在前衛藝術設計展 Saló de maig 中獲獎，並於 1963 年在慕尼黑舉行首場個展，此後的展覽足跡也從歐洲延伸至美國各州。除了加泰隆尼亞各地，在帕爾馬、杜拜、芝加哥、倫敦等城市街頭亦可見到 Corberó 創作的公共紀念雕像，他也因為多年來為巴賽隆納公共雕像計畫付出的成就，而在 1992 年榮獲加泰隆尼亞政府頒發的聖喬治十字獎。

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活躍於國內外的日本插畫家木內達朗，收錄迄今的藝術生涯，首部作品集隆重問世。

自日本的大學畢業後，木內達朗決心追隨童年以來的繪畫之夢，赴美留學於藝術中心設計學院，專攻插畫，回國後便展開了作為插畫家的職業生涯。初期雖然以油畫為主，然而透過油性粉彩輕快的筆觸、數位手法製作版畫風格的新畫風，卻也開拓出了更多工作機會。

在國內，木內達朗主要參與繪製書籍封面和小說插畫，其中改編成電視劇的《下町火箭》系列最為聞名。在國際舞台，他曾為〈The New York Times〉等報紙和雜誌繪製插畫，並參與星巴克和英國皇家郵政的聖誕郵票等世界規模專案。此外，他更投入心思創作了眾多國內外繪本。

本書收錄的作品包含各種商業案的原畫和原創作品、充滿著黑色幽默又胡說八道的幽默漫畫、刊載在部落格上的文章等。日英併記，增添了閱讀的豐富層次。

《木内達朗作品集》
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木內達朗 1966 年生於東京都，畢業於國際基督大學理學部生物學科、藝術中心設計學院插畫科。曾三次獲得紐約插畫家協會金獎，並在義大利波隆那國際兒童書展、布拉迪斯國際插畫雙年展等大賽中獲獎，且多次榮獲講談社出版文化賞。為紐約、東京插畫家協會會員，同時身兼東京插畫青山塾講師一職，並主理插畫工作室「PEN STILL WRITE」。

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