Maman Fine Art_BA

Maman Fine Art en Miami! Los esperamos!

Durante Miami Art Week, Maman Fine Art presenta dos exhibiciones paralelas de arte argentino en su warehouse Once artistas conectan su obra a través de “Marea” y “Una teoría del color y otras abstracciones”, dos muestras que exploran el mar y la geometría cromática. Aunque la Semana del Arte termina con el cierre de Art Basel Miami Beach, el domingo 10, esta muestra continúa hasta el 3 de febr...

In counterpoint with the rest of the room, Guillermo Kuitca’s painting makes a restricted use of color, emphasizing the pictorial space as a bare and theatrical stage made up of planes that define a concise abstract architecture.

En contrapunto con el resto de la sala, la obra de Guillermo Kuitca hace un uso restringido del color poniendo el acento en el espacio pictórico como un escenario desnudo y teatral conformado por planos que definen una escueta arquitectura abstracta.

In Enio Iommi’s sculptures, color functions as an element of “support”: “It was not the color as a painter would put it, I needed the color to vibrate in space, to feel that it was holding a line. I almost always use red to give a strong, aggressive, disturbing vibe to the audience.” The works that Iommi made in 1945 marked the beginning of concrete sculpture in Argentina. For the artist, beyond volume, it was “geometric shapes and lines that create directions in space” that mattered. It was no longer necessary to sculpt, carve, chisel or model, but to build, to “invent”.

En las esculturas de Enio Iommi, el color funciona como elemento de “sostén”: “No era el color como lo pondría un pintor, yo necesitaba que el color vibrara en el espacio, que se sintiera que estaba sosteniendo una línea. Casi siempre uso el rojo para dar una vibración fuerte, agresiva y que moleste al público”. Los trabajos que Iommi realizó en 1945 marcaron el comienzo de la escultura concreta en la Argentina. Para el artista, más allá del volumen, eran “las formas geométricas y las líneas que crean direcciones en el espacio” lo que importaba. Ya no era preciso esculpir, tallar, cincelar o modelar, sino construir, “inventar”.

ACEPTO DISENTIR de en exhibición en “Qué hacer con el pasado en un presente como éste”.
Dolores de Argentina - Aldo Sessa - Rómulo Macció - Luis F. Benedit - Pablo Suárez - Norberto Gómez- Alberto Heredia - Luis Wells y Nicolás Garcia Uriburu

Los esperamos!
Hasta el 15 de diciembre - De lunes a viernes de 11 a 19 hs.

Superman vs. Sin Pan y Sin trabajo.
Relaciones Peligrosas (1994) obra de Luis Wells expuesta en “Qué hacer con el pasado con un presente como éste”.
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(…)Luis Wells también recrea en los 90 la despareja relación de poder entre Argentina y Estados Unidos, titulando al cuadro Relaciones Peligrosas. Frase que nos retrotrae a la expresión “relaciones carnales”, un termino popular generado a partir del discurso de asunciones del ex-canciller Guido Di Tella refiriéndose a las relaciones diplomáticas entre ambos países es.- Patricia Pacino

Los esperamos!
Hasta el 15 de diciembre - De lunes a viernes de 11 a 19 hs.

Obra: Nicolás Garcia Uriburu, Silla del juez corrupto, 2002. ~ Exposición colectiva: “Que hacer con el pasado en un presente como éste”.

Los esperamos!
Hasta el 15 de diciembre
De lunes a viernes de 11 a 19 hs.

“Yo denuncio con mi arte el antagonismo entre Naturaleza y Civilización. Es por eso que yo coloreo mi cuerpo, mi s**o y las aguas del mundo. Los países más evolucionados están destruyendo el agua, la tierra y el aire, reservas del futuro en los países latinoamericanos”.
💚 Manifiesto Verde, Paris 1971.
Coloración Plaza Congreso - Homenaje a la Democracia, Buenos Aires 1983. Foto 80 x 100 cm

Obra: Nicolás Garcia Uriburu, Silla del político corrupto, 2002. ~ Exposición colectiva: “Que hacer con el pasado en un presente como éste”.

Los esperamos!
Hasta el 15 de diciembre
De lunes a viernes de 11 a 19 hs.

“No veo la hora de decirle al taxista ‘Déjeme acá, en Walker Street y yo”

MACCIO - BENEDIT - SUAREZ / Vista de sala de “Que hacer con el pasado en un presente como éste”.
El poder simbólico del monumento decimonónico ha sido re formulado y desmontado por varios artistas. La mayoría de ellos comprometidos con su contemporaneidad, haciendo de la obra un dispositivo critico o gesto de resistencia. Tal es el caso del Monumento al mendigo de Pablo Suarez realizado en 2004 y que hoy, adquiere un alcance mayor. Suárez desmantela la estatutaria decimonónica a través de la la figura de un mártir contemporáneo que ya no es un héroe de la patria sino un sobreviviente degradado. (…) - Patricia Pacino, curadora.
Ph. .____

Los esperamos!
Hasta el 15 de diciembre
De lunes a viernes de 11 a 19 hs.

Horizonte. Los Inmigrantes 2, Rómulo Macció, 1993

Comenzaron a llegar en forma masiva durante las últimas décadas del siglo XIX. Entonces duplicaron la población argentina y se impulsó una oficina para capacitarlos y buscarles trabajo; luego un hotel para alojarlos, hoy convertido en museo. Así recreó hace tres décadas Romulo Macció a aquellos inmigrantes - el sombrero del niño lleva su propio apellido - que cruzaron el Atlantico en busca de un futuro mejor, en una pintura que integra en la galeria Maman Fine Art la muestra actual titulada “Que hacer con el pasado en un presente como éste”. Un presente turbulento en el que muchos solo ven como posibilidad irse del país que los formó para tener un porvenir estable. - para PREMONICIONES en Sábado 04/011
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Foto 3: Obra - Luis F. Benedit, Hotel de Inmigrantes, 2002

Horizonte. Hotel de Inmigrantes 2, Rómulo Macció, 1993

“Comenzaron a llegar en forma masiva durante las últimas décadas del siglo XIX. Entonces duplicaron la población argentina y se impulsó una oficina para capacitarlos y buscarles trabajo; luego un hotel para alojarlos, hoy convertido en museo. Así recreó hace tres décadas Romulo Macció a aquellos inmigrantes - el sombrero del niño lleva su propio apellido - que cruzaron el Atlantico en busca de un futuro mejor, en una pintura que integra en la galeria Maman Fine Art la muestra actual titulada “Que hacer con el pasado en un presente como éste”. Un presente turbulento en el que muchos solo ven como posibilidad irse del país que los formó para tener un porvenir estable.” - para PREMONICIONES en Sábado 04/11
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Foto 3: Obra - Luis F. Benedit, Hotel de los Inmigrantes, 2002

~ Qué hacer con el pasado en un presente como éste” ~ 🇦🇷 Conmemorando 40 años ininterrumpidos de democracia, la galería Maman Fine Art inaugura una muestra colectiva que reúne las obras de nueve artistas relevantes. Dolores de Argentina, artista conceptual y nueva incorporación, junto a los históricos de la galería; Rómulo Macció, Luis Benedit, Pablo Suárez, Norberto Gómez, Nicolás García Uriburu, Aldo Sessa, Luis Wells y Alberto Heredia.

Con curaduría de Patricia Pacino y dirección general de Guillermo Alonso, la muestra propone celebrar y también reflexionar a través del trabajo de estos artistas, la mayoría de los cuales implican o implicaron una ética a través de su estética.

Obras: Luis F. Benedit y Manuscrito parte del catálogo de su muestra en Maman Fine Art en 2002.

Ph de Sala: .____

Los esperamos!

Pre-Opening de “Qué hacer con el pasado en un presente como éste”.

La muestra reúne obras de: Dolores de Argentina, Aldo Sessa, Luis Wells, Norberto Gómez, Rómulo Macció, Luis F. Benedit, Pablo Suárez, Alberto Heredia y Nicolás García Uriburu.

Dirección General: Guillermo Alonso
Curaduría: Patricia Pacino
Texto: Daniel Capardi

Los esperamos!.

Ph. .____

Pre-Opening de “Qué hacer con el pasado en un presente como éste”. / junto a las obras de Deidad Griega “El trabajo” y “No vendo Nada “.
La muestra reúne obras de: Dolores de Argentina, Aldo Sessa, Luis Wells, Norberto Gómez, Rómulo Macció, Luis F. Benedit, Pablo Suárez, Alberto Heredia y Nicolás García Uriburu.

Dirección General: Guillermo Alonso
Curaduría: Patricia Pacino
Texto: Daniel Capardi

Los esperamos!.

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Pre-Opening de “Qué hacer con el pasado en un presente como éste”.

La muestra reúne obras de: Dolores de Argentina, Aldo Sessa, Luis Wells, Norberto Gómez, Rómulo Macció, Luis F. Benedit, Pablo Suárez, Alberto Heredia y Nicolás García Uriburu.

Dirección General: Guillermo Alonso
Curaduría: Patricia Pacino
Texto: Daniel Capardi

Los esperamos!

LA ESTRATEGIA DEL ECLIPSE.

“La Estrategia del Eclipse” propone invisibilizar para volver a mirar. Me preguntaron: ¿Qué hay debajo de la tela negra? La historia.
Una tela negra envuelve el monumento y su conjunto escultórico. Se envuelve y al volverse extraño el monumento que había escapado de nuestra atención por naturalizarlo, es reapropiado y puede ser visto nuevamente. La intervención es efímera y protege al héroe del cansancio enfrentado a su tiempo. Es un señalamiento, un mapa poético y conceptual de la decadencia como un grito del malestar de época.
Es una obra de sitio, tiempo y acontecimiento político ESPECIFICOS. Al descubrirlo en el día de la Democracia traigo con este gesto la acción de visibilizar los valores simbólicos de Heroicidad, Libertad, Gloria, Valor y Padre de la Patria que buscamos en quienes nos dirigen desde los espacios de poder. Se trata de una idea de abrazo o de protección hacia el héroe y hacia la historia y la memoria.” - Dolores de Argentina.
Agradecemos especialmente a nuestros queridos que nos acompañaron en este evento único.

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LA ESTRATEGIA DEL ECLIPSE
Proyecto Que hacer con el pasado en un presente como este.
Monumento a San Martin y a los Ejércitos de la Independencia. Plaza San Martin de la Ciudad de Buenos Aires. Argentina
Curaduría Guillermo Alonso.
Ph Emma Llivingston

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La Estrategia del Eclipse -Que hay debajo de la tela negra? -La Historia. Ayer Eclipse parcial.

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, “eclipsado”: por qué su monumento está cubierto con una tela negra. Un mes después de que un referente de afirmara que el prócer no fue el Padre de la Patria, la artista interviene la escultura con esta acción que busca poner en valor ideales como la gloria, la libertad, el coraje, el heroísmo
🔗link en bio
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Recordando al gran maestro Fernando Botero. Tantos proyectos realizados juntos!

Sus obras expuestas en nuestras galerías de Buenos Aires y Miami. Esculturas emplazadas en el espacio publico y en ferias para que todos puedan disfrutar sus magníficas obras. Lo que más le gustaba. 🖤

Fernando Botero (1932-2023) Adiós querido maestro 🖤
Les comparto algunas fotos de mi visita a su taller de Pietrasanta. Un lugar único, en donde cobran vida sus tan famosas esculturas y se guardan los yesos, menos conocidos pero igual de increíbles.
Durante algunos días caminamos y recorrimos el pueblo, su casa y el taller. Fue una experiencia extraordinaria que guardaré siempre en mi memoria.

Maman Fine Art en !

Homenaje a Luis Wells y obras de Alberto Heredia, Alberto Greco, Luis F. Benedit, Alfrdo Hlito, Raúl Lozza, Antonio Berni, Guillermo Kuitca, Dolores Cáceres, Carlos Cruz-Diez y Fernando Botero.

Los esperamos! 1, 2 y 3 de septiembre en Costa Salguero.

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Maman Fine Art en !

Homenaje a Luis Wells y obras de Alberto Heredia, Alberto Greco, Luis F. Benedit, Alfrdo Hlito, Raúl Lozza, Antonio Berni, Guillermo Kuitca, Dolores Cáceres, Carlos Cruz-Diez y Fernando Botero.

Los esperamos! 1, 2 y 3 de septiembre en Costa Salguero.

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Wells considera a estas obras “la fiesta secreta”, por un lado, porque la mayoría de ellas no se conocen por ser concebidas para ámbitos privados y por otro lado, por el destino fatal de algunas que no fueron conservadas ya sea por negligencia, imposibilidad de guarda o falta de visión institucional.

El tercer techo realizado por Wells fue para el departamento de Jorge Romero Brest, en la calle Parera. Luego diseño la toralidad del departamento de Nisenson, en la Av. Del Libertador y Canning, una ambientación auténticamente funcional.

También en 1965, Wells presentó, en el Premio Di Tella, una obra ambiental que se desarrollaba sobre el muro y el techo, con volúmenes de superficies planas y curvas, pintadas con anchas bandas de colores planos y saturados. El jurado le otorgó un premio especial. y Alfred H. Barr, en una visita a Buenos Aires, solicitó la maqueta del techo para la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York (Moma).

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En sus techos, los relieves, los tubos de cartón y los colores contrastantes se trasladan a la altura y quedan suspendidos sobre las cabezas los espectadores. Wells conseguía “convertir el cielo raso en un objeto plástico […]. Según sus palabras “El techo era la corroboración que se podía vivir bajo una obra de arte… como expandir el horizonte”

El techo instalado en está inspirado en el primer techo que Wells realizó en 1964/5 para Osvaldo Giesso, a quien conoció en la segunda exposición informalista en noviembre de 1959 y con quien entabla una gran amistad. Este techo será su gran carta de presentación para futuros trabajos.
📸 Fotos: Luis Wells y Osvado Giesso (1987) y foto del Techo Giesso.

Wells ingresa en el mundo de los environment, comenzando por la realización de los techos para pasar a la conformación del espacio total. La necesidad de hacer crecer tanto el volumen lo lleva a las ambientaciones. Wells precisa que las personas interactúen con su obra. Como planteaba el propio artista “No soy un decorador sino un escultor que planea ambientes pensando en los demás. Lo que hago sirve para algo más que para producir un placer estético: es funcional, ayuda a vivir mejor” .

Los esperamos en !
1,2,3 de septiembre en Costa Salguero.

Nuestro rincón en homenaje a Luis Wells (1939-2023) ❤️💙🤍.
Los esperamos en !

Con Luis Wells se nos va una parte de la historia de nuestra galería. Queremos recordarlo como lo que fue: un vanguardista, un innovador. Luis fue un grande siempre joven que apoyó a las nuevas generaciones, un humilde del arte sin vanagloria, un ser cálido de hablar pausado y mirada sonriente. Adiós querido amigo! Te recordaremos siempre a través de tu legado.

Imagenes:
1. Retrato de Luis con sus toys de gomaespuma en el marco de la muestra 'Luis Wells 58 / 65. De la Destrucción al Juego' en la galería de Buenos Aires

2. Luis y Senior Critter, 1970

3. Obra exhibida en la exposición Relieves y Esculturas, Galería Lirolay, 1962

4. Luis por Jorge Roiger, 1962

5. Tapa del catálogo de la muestra 'Luis Wells 58 / 65. De la Destrucción al Juego', Maman Fine Art Buenos Aires, 2016

6. Conmovedora dedicatoria de Luis publicada en el catálogo 'Luis Wells 58 / 65. De la Destrucción al Juego'

7. De izq. a derecha: Daniel Maman, Luis Wells, Patricia Pacino, Rodrigo Alonso

8. Luis en el lanzamiento de su libro 'WELLS', la primera gran publicación dedicada a la vasta producción de su autoría


Daniel Maman
Patricia Pacinorodrigo.alonso

La comunidad argentina de Miami celebra la semana de mayo rodeada de arte y cultura

La comunidad argentina de Miami celebra la semana de mayo rodeada de arte y cultura El evento fue organizado por el Consulado Argentino en Miami junto a la Cámara de Comercio Argentino-Americano en Florida. Más allá de la celebración patria, el encuentro tuvo un tono emotivo por tratarse del último gran evento en el que el Cónsul General Leandro Fernández Suárez estará al ...

✨Celebramos el Dia de los Museos compartiendo fotos de obras de nuestra colección exhibidas en los museos más importantes de nuestro pais y el exterior. Que alegría poder compartir nuestras obras con tanto público!!
📷
- “Dormí tranquilo…” en Pablo Suarez, Narciso Plebeyo del .
- Sin título, Alberto Greco en .
- “Toy rayitas”, Luis Wells en Pensar en Abstracto .
- Toys de Luis Wells en “El camino de las formas” en el .
- Vuelta de Rocha, Victor Cúnsolo en .
“La Cucaracha” de Pablo Suarez en el -
Norberto Gomez en el .
- Luis F. Benedit en la

Compartimos algunas fotos de lo que fue la inauguración de “La mujer emprendedora en el arte latinoamericano”, una exposición y charla, organizada por Pro Mujer y Maman Fine Art Gallery.

El evento estuvo presentado por Carmen Correa, directora ejecutiva de Pro Mujer, una destacada empresa social sin fines de lucro con una larga Historia del empoderamiento de la mujer en América Latina. También en la conversación estuvieron la artista Lucia Maman, la Dra. Adriana Herrera Tellez, experta en arte y cofundadora de Aluna Art Foundation, y los galeristas Daniel Maman y Patricia Pacino.

“Invitamos a Pro Mujer a ser coanfitrión de este evento ya que compartimos un propósito común. Al igual que Pro Mujer, tomamos en cuenta los temas de género en nuestro trabajo. El arte desde principios del Renacimiento ha estado dominado por una perspectiva masculina, pero recientemente, este paradigma comenzó a fracturarse y las mujeres comenzaron a ser reconocidas como coautoras de los movimientos artísticos de vanguardia.

“Martha Boto es un claro ejemplo de ello. Fue una visionaria y tuvo un gran impacto dentro del movimiento cinético en París durante los años 60. Se convirtió en un miembro clave del movimiento y logró un gran reconocimiento en el panorama internacional, siendo incluida en la colección de museos como el Centro Georges Pompidou de París y el Museo de Bellas Artes de Houston, entre otros”.