Bxl_Art

⚡️GIVE-AWAY CONTEST⚡️

Bxl_Art launches its first contest with the talented Brussels artist .jooo.

For the occasion, she decided to allow three winners to win an exclusive work: a digital print of three illustrations in honor of Brussels 🇧🇪

To try to win it, it's very simple:
— Follow our two accounts .art - .jooo .
— Tag three friends in the comments.
— Share this contest in your story.

The contest starts today at 7pm and will end this December 5th at 7pm.

⚠️ The print comes without the frame ⚠️

Meet , an from

Passionée de peinture abstraite, je peins et dessine depuis toujours. Je travail la couleur et l’équilibre d’une composition au depart d’une simple tache de couleur. Pour moi, tout part d’un hasard, d’une sinuosité sur un chemin, de quelque chose que l’on ne maîtrise pas, que l’on ne choisit pas, d’une suite non logique de petits incidents que l’on essaie de maîtriser et de sublimer tout au long de la vie. C’est pourquoi, quand je peins, mon point de départ est une « erreur », une tâche déposée au hasard que j’essaie ensuite de contrôler et de magnifier, et de cela surgit la composition qui se construit dans le contrôle, le lien et l’interférence entre les coloris. Je crée toutes mes couleurs. J’imagine des jeux de lumière, de teinte et de transparence. À chaque nouvel aplat, la dynamique de la toile se transforme en une perpétuelle quête d’équilibre, presque thérapeuthique.

Meet , an from .

La pratique artistique de Francesco se développe à travers différentes familles d’œuvres, qui s’entremêlent pour créer de nouvelles directions de recherche.
Au cœur du travail de l’artiste demeure l’intérêt pour le rapport à la matière,
parfois travaillé comme on interrogeait autrefois les entrailles des animaux pour deviner l’avenir. D’autres fois par une réflexion visant
à dialoguer avec elle, où la représentation devient un prétexte pour mettre en valeur les qualités de la surface picturale, enrichissant la
narration de la toile.

Meet , an based in .

“Clara Wouters (she/her) graduated this year from Sint Lukas Brussels and currently lives in Berlin. As an artist and art historian, Clara likes to combine the visual with the conceptual.

Her work starts from a thorough questioning of the medium of photography and its role in our society. Because of her love-hate relationship with photography, she increasingly finds solace in found footage and internet content, in which she blends photo and video.

All her projects have a strong social criticism undertone, which she camouflages with a layer of irony. In Anesthesia, Me, myself and ai and SHOP NOW TO BECOME A SUPERSTAR, she questions subjects she sees taking over her own life.”

Meet , an based in .

"Ethel Coppieters naît à Bruxelles en 1996. Elle étudie à l’erg pendant 5 ans, où elle obtient son master de peinture en 2021. Elle peint des portraits de femmes emprunts d’évocations contradictoires et de sentiments mêlés. Il y a dans ces visages flegmatiques de la violence et de la tendresse. Dans les corps, il y a la résilience et quelque chose de l’après. L’après du chaos, l’après de la tempête. Il ne semble pas nécessaire de nommer l’après quoi, en ce que ces femmes sont comme des monuments, qui étaient là avant, et seront là après. Inspirée par les femmes qu'elle côtoie, elle utilise des accessoires, vêtements, objets qui font écho à notre génération. Elle crée des scènes oniriques afin de parler de l'intime et l'universel, à travers ces portraits de femmes déconstruits dans leurs proportions, et délivrés des injonctions de beauté que l’on connait."

Meet , an based in .

« Artiste multidisciplinaire, Marine Penhouët transite entre références à l'histoire de l'art, romantisme, symbolisme et pratique contemporaine, établissant des liens entre paysages réels et imaginaires, passé et présent par le biais de la déconstruction, de la répétition et de l'apparition du procédé. ... une série d’œuvres-objets conçues comme des dioramas scientifiques et dont la disposition, à la manière de ruines archéologiques, rappelle une photographie de la colonne du Pharaon de Pétra, accrochée en regard. Fondant la base d’un vocabulaire et d’une mythologie personnelle à l’agencement mouvant, les œuvres présentées par Marine Penhouët dévoilent une pensée faite de strates, telles des couches géologiques, dans lesquelles techniques, temporalités et symboles se croisent et entremêlent iconographie de vinyles des années 80 et des raves des années 90, fragments de gravures ou de peintures classiques, poésie et Histoire de l’Art, dans une démarche d’assemblage d’idées et de références fonctionnant à la manière d’un rébus acide et romantique à la fois… »

Extrait du texte de Julie Dumont pour l’exposition Moving Scapes, Brusselsdrawingweek, 2021

Meet , an based in .

Artiste belge née à São Paulo en 1978. Vit et travaille actuellement à Bruxelles.

La clef de lecture de l’oeuvre de Dona’ Gillon est la couche. Ce sont des lectures superposées qui s’offrent à nous : dans la matérialité de l’oeuvre et dans la symbolique qui l’entoure. Quand les sujets ludiques et légers cachent en réalité des thèmes bien plus profonds et sombres, c’est parfois la matière elle-même qui vient recouvrir ou taire le sujet antérieur. Cette pratique d’empilement des couches s’articule autour de la matière et l’immatière, qu’elle aime qualifier de « visible et d’invisible ».

L’idée de contraste est omniprésente dans son œuvre, notamment par la couleur qui est mise en tension. Ces tons vifs et parfois acidulés dégagent une énergie très spéciale et dénotent le plus souvent du reste de la toile. Donnant ainsi vie à certains éléments du tableau, qui s’apparentaient dans un premier temps à la nature morte. Ce processus créatif libère l’artiste d’une spatialité cadenassée, par une spontanéité du geste et de la pensée.

La question du volume est pour Dona’ Gillon particulièrement importante pour ce qu’il renferme : l’espace et le temps, qu’elle interprète le plus souvent par le jeu entre ces éléments. En se libérant des codes picturaux et perspectifs, elle réinvente une atmosphère aérienne. C’est une peinture hors du temps qui émerge de cette pratique. Ces bulles ou capsules temporelles se font les témoins d’un passé et d’un futur en ne représentant jamais autre chose qu’un présent qui nous échappe déjà.

Meet , an based in .

« Ils passent, lentement, d’un côté à l’autre du format. Ils sont des éléments interchangeables. Ils représentent des souvenirs en suspens. Un monde loufoque s’articulant autour de structures peinturlurées et de squelettes organiques qui viennent donner un équilibre aux différents agencements. Un univers à l’image de sa créatrice, bien loin de l’image édénique et paradisiaque et ce malgré le calme et l’ordre qui y règnent. C’est l’entropie qui émane des pensées prolifiques de Clémence qui nourrit ses compositions. Des cycles mis en arrêt sur image, le temps que nos yeux croisent ceux dessinés et peints, en très grand, dans les brumes colorées. Ces regards aux allures de cartoons dialoguent avec des emboitements de files et de tuyaux, embrassent des langues rigides et fixent des objets sans noms. L’absurde semblerait alors atteindre une apogée.
Mais de quelle absurdité parle-t-on ? Comment comprendre ce qui défie la logique ; la nôtre, dans un monde ; le sien, obéissant des règles formelles et structurelles ? C’est à partir de ce moment, de ce questionnement, que l’on rentre vraiment dans le travail de Clémence. Qu’il soit bidimensionnel ou tridimensionnel, au crayon ou à l’huile, ce territoire fictif nous fait voyager dans ses souvenirs, dans son enfance et dans ses obsessions. »
Extraits d’un texte de V. Vandenbogaard

Meet , an based in .

Tina Obem
Née à Palerme (Sicile) en 1993 je vie à Liège depuis 2017.
Master en Art plastique - visuel et de l’espace option gravure
Académie Royale des Beaux-Arts - Liège septembre 2017 - juin 2019

« Ma recherche artistique s’articule autour de la vision photographique, de la gravure, et de l’installation.
Le travail démarre toujours à partir d’interactions avec mon environnement proche, il est lié au temps (les saisons qui traversent mon année), aux espaces que je côtoie, aux concepts philosophiques qui m’habitent.
Durant ces dernières années, j’ai travaillé sur le concept du cycle, de l’illusion et de la projection de soi sur la matière.
Dans ma recherche je m’intéresse aux mondes organique et artificiel.
Je travaille avec des objets parfois physiques, en fin de vie, je m’intéresse à l’après, que deviennent les objets , les végétaux ( plantes, fleurs fanées, racines d’oignons, écorces d’agrumes, nourritures …) une fois leurs cycles de vie terminés? Je m’intéresse à la transformation, la dégradation, les moisissures, la rencontre avec tous ces éléments organiques se matérialisent et évoluent dans l’espace où je vais les installer.
Actuellement, j’ai introduit la vidéo et le son dans mes installations, une autre manière de travailler sur soi en questionnant le rapport à ma féminité.
Mes dernières vidéos parlent d’expérimentations. Une mise à nu dans le contexte intimiste de ma salle de bain a été le point de départ d’un travail introspectif reliant mes peurs, mes angoisses, mes désirs. »

Meet , an from .

Je m'appelle Maria Vita Goral et je suis une artiste qui vit et travaille en Belgique depuis sept ans, entre Liège et Bruxelles. J'ai terminé l'académie des Beaux-Arts en Ukraine, section peinture, j'ai également étudié en Italie et en Pologne et à Liège.

Née en Ukraine en 1991, je suis une artiste qui regarde autour d'elle les choses avec intérêt, respect, amour et équilibre.
Les créations de mon travail sont toutes nées de contacts humains, d'observations, de silences, d'écoutes, de jardins secrets ...
Je travaille avec l’installation, la sculpture, l’image, l'audio-visuel qui demandent ,selon moi, une approche émotionnellement fine, sentimentale, fragile et puissante à la fois.
L'important, pour ma part, est de garder la porte ouverte à la poésie, à l’imagination, à la fantaisie et surtout à la métaphore.
Les symboles, les rituels, les cérémonies, les talismans, l'histoire, la vie, deviennent ainsi une source d'inspiration ouverte. Physique et spirituel, imaginaire et réel, familier et inconnu, sont les fondements de mon intérêt artistique.
Dans mon travail, je laisse souvent la place aux pauses, aux questions, aux illusions, aux choix - évolutifs et infinis mais, en fait, limités dans le temps, retardés, arrêtés.
Je cherche une libération du regard et du dictat des habitudes, un détachement des idéologies, clichés et stéréotypes. Nous vivons dans une période où la société devient machine, quand l'humain passe au plan mineur. Les caractéristiques humaines en deviennent presque gênantes, instables, malades, superflues. C'est un besoin de ma part de parler de l'homme de manière laconique, pointue et ouverte, de parler à propos de la nature humaine, de monologues qui tissent un pont intérieur. La présence de langues, de gestes, de nature, de sons, de couleurs forment la thématique de mes recherches actuelles.
Sans chercher à garder un contrôle absolu sur l'œuvre, j'essaie de dialoguer avec le spectateur pour transformer mon travail en émotions, en voyages, en pensées, en changements, en doutes, en échos ...

Meet , an based in .

Johan Poezevara: “Après des études universitaires en histoire de l’art à Paris d’où il est originaire, c’est au sein de l'ESA le Septante-cinq que nait l’intérêt de Johan Poezevara pour la photographie documentaire.
Basé à Bruxelles depuis 2013, il y développe une imagerie acidulée et légère; portée par le portrait, la nature morte et le paysage; que ce soit à travers les images de sa série en cours Tumbleweeded ou les portraits d’artistes du duo dont il fait partie.
A travers des scènettes façonnées par le cinéma hollywoodien, l'âge d'or de la photographie américaine et de la publicité, la série Tumbleweeded documente cette manie qu’a l’imagerie américaine d’insidieusement pointer le bout de son nez dans le paysage culturel européen.
La série prend la forme d’un road-trip imaginaire au coeur d’une Amérique « plus vraie que nature » où rencontres hasardeuses et micro-événements questionnent notre rapport aux symboles, à l’ « ailleurs ».”

Meet .delplanque, an based in .

Jennifer Delplanque: “Après avoir obtenu mon DNAP aux Beaux-arts de Rennes, je suis partie étudier une année en Roumanie à Cluj-Napoca en Transylvanie, pour finalement y habiter 5 ans.
En 2011 je décide de rentrer et m'installe un peu par hasard à Bruxelles.
Ces années vécues à l’Est, terre de fantasmes et de mythes, ont profondément nourri mon imaginaire et mon travail plastique. Ces souvenirs de nature dominante imprégnés dans ma mémoire ne cessent de me questionner sur le vivant et le rapport au sauvage.

Je dessine librement sans trop réfléchir au sujet et à la forme et laisse l’imagination et le geste en action. La distorsion de la réalité par le rêve nous interroge sur la compréhension de celle-ci. Mes dessins sont une succession de rencontres intermittentes entre le monde tel que je l’appréhende et le sauvage. J’y invente une mythologie personnelle, intime, où je questionne l'identité par la métamorphose et la projection de moi-même, et où la figure de l'homme-sauvage prend toute sa place dans une série d’autoportraits libres et fantasques, représentés à la manière de masques aux inspirations primitives et païennes. Animal, humain, chimère, sauvage ou divin, le masque se décline depuis 2017 et devient la cartographie d'instants vécus et de terres lointaines remémorées.

Les paysages volcaniques sont fantasmés; les laves colorées, coulantes et autres formes organiques, minérales, deviennent obsessionnelles. S’y côtoient roches et silex nous ramenant - encore une fois - au primitif. Ces fragments rudimentaires cristallisent des moments ou des idées dans leurs formes primitives, voire régressives.
L'autoportrait disparaît peu à peu, laissant place à la narration aléatoire que j’aime entretenir avec la réalité. Les métamorphoses s’y meuvent avec une grande liberté.”

Meet .demaio, an based in .

Elise De Maio is a French artist, book-binder, book and paper designer, living and working in Brussels. She first started by studying space design to then go on to graduate from a master’s degree in book and paper design from the Belgium school l’ENSAV la Cambre.

Her work articulates around her fascination for architectural spaces as well as the physical potential of a volume as an object and as a place to come manipulate and wander. Situated halfway between books and sculptures, seeks to interrogate the primary use of these objects in the era of obsolescence.
Therefore, the book enters a sensual space where its aborted function questions the ancestral gestures of a book-binder as well as the volume’s physical attributes.

Meet , an based in .

Aldo Mazzoni, 26 ans, italo-vénézuélien, Belge de coeur, basé à Bruxelles.

Je m’intéresse particulièrement à l’univers de la construction. Mes sculptures en béton et plus récemment mes peintures sur Gyproc sont des représentations abstraites d’observation et de réflexions faites sur les différents chantiers que j’ai pu fréquenter.

J’ai arrêté mes études d’architecture d’intérieur et de design pour me concentrer sur mon bien être et une vie plus simple. Cependant, j’ai appris beaucoup de choses pendant ces quelques années et elles m’apportent encore beaucoup dans mes projets actuels. Notamment la capacité d’observation. Aujourd’hui, je continue de me promener sur les chantiers et j’observe avec attention les différents corps de métiers qui s’harmonisent et les différents matériaux qui entrent en jeux dans un grand désordre pour finalement arriver à un résultat propre, délicat. Cela me fascine toujours. 
L’univers de la construction a aussi ses propres codes, ses couleurs, ses conventions. Je m’amuse à parfois les mettre en avant et parfois les transgresser. 

A la façon des expressionnistes abstraits, même si j’ai une idée du résultat que j’aimerais atteindre quand je commence une œuvre je me laisse porter par mes émotions, mes humeurs et mes pulsions du moment. J’improvise les gestes que je fais ainsi que les outils que j’utilise (souvent trouvés sur les chantiers que je visite) jusqu’à ce que les formes, les couleurs, les textures s’harmonisent et m’apaisent. 

Meet , an from .

Jules Wittock: « Bonjour je m’appelle Jules Wittock. Je dessine depuis que je suis tout petit. J’ai toujours gribouillé des labyrinthes, je ne sais pas trop le pourquoi du comment. Ca me permet de me vider la tête, c’est méditatif. J’avais arrêté pendant quelques années er récemment j’ai eu une phase un peu difficile et j’ai recommencé, je me suis dit que ça pouvait peut-être plaire à d’autres donc j’ai décidé de montrer mon boulot. Chaque labyrinthe a une seule solution et la solution dessine un mot. Certains sont très complexes d’autres sont plus simples, tout dépend de mon mood. »

Meet .hermano, young from .

Alexandre Hermans : « Growing up as a kid with parents that are active in interior design, I have always been surrounded by interesting paintings, objects and furniture. This always had a considerable but lasting impact on my youth and sentiment towards interiors and art. Therefore I am grateful and consider myself lucky to have been part of this ‘interior world’ that I grew up in. My parents are and will no doubt continue to be an important source of inspiration in my creative development.

I believe my passion for creativity blossomed in 4th grade, after joining the Steiner School, which gave me the opportunity and freedom to express myself. I had the opportunity to open my mind by drawing, creating and embarking on different projects simultaneously. From then on, I realised I wanted to take a path towards a more creative career; It would be a path I’d always love and be extremely passionate about, which to me feels crucial. And so, I pursued my studies of interior architecture & Design at the College of Art & Design in Brussels.

In my approach towards creating objects and sculptures I try to visualise a wide range of ideas and then aim to build a prototype rather quickly which then allows me to focus on proportion. The beauty with sculpting is that most of the time I start with an idea and in the end the idea has completely changed during the process. My recent work evokes organic and architectural shapes with a grounded/earthy feeling. I am eager to continue discovering new materials and techniques to make sure I expand my knowledge. »

Meet , based in .

Clément Davout peint des ombres de plantes. Dans un court texte de présentation de son travail, il écrit qu'il pratique une peinture « à tendance figurative ». L'expression est remarquable, elle situe l'œuvre dans un entre deux, une zone grise. L'ombre en effet n'est pas le motif lui-même mais déjà sa projection. Celles peintes par Clément Davout sont diffuses, évanescentes, mobiles, elles ne relèvent donc moins du dessin que de « la matière qui aspire à la forme » selon les mots d'Hubert Damisch au sujet du nuage. L'artiste, qui a supprimé le noir de sa palette, associe ces ombres à un fond peint dans les mêmes nuances de couleurs et dont les variations restituent une luminosité diaphane. On pourrait songer que Clément Davout peint la peinture. On pourrait inversement s'attarder sur le sujet de ces œuvres, le choix de cette nature domestiquée qui renvoie à l'environnement immédiat dans sa simplicité et sa banalité. Mais l'essentiel est peut davantage dans la tension que produit cette démarche avec l'image. Travaillant à l'aide de photographies, ces ombres projetées deviennent vibrations colorées de la matière picturale, elles sont ensuite inscrites comme un fragment dans une surface dont la couleur correspond, en peinture, à un nuancier obtenu en plaçant l'œuvre sur Instagram. Dans ces aller et retour, il est bien question de ramener dans la peinture ce qui pourrait n'être qu'image avec le régime de diffusion qui la définit actuellement.
On comprend alors à quel point cette pratique est inscrite dans l'aujourd'hui comme une forme de résistance discrète. Dans un monde qui revendique la transparence, où chacun s'en fait acteur par les réseaux sociaux et ou prévaut un rapport univoque aux choses, le choix de l'ombre ne peut qu'interpeller. C'est le choix du trouble et de l'incertain, du refoulé et de l'insaisissable."
Romain Mathieu

Né à Flers en France en 1993, réside et travaille actuellement à Bruxelles en Belgique.

Meet , an based in .

Seppucookie: “Having had the standard path of an artist - a master’s degree, an artistic search, an artistic loss - I decided that my art germ lies instead in separating myself as a person from myself as an artist. This is how I found Seppucookie. A whole other person found hiding inside of me, she serves as a bridge that links my hidden thoughts with the outside world of creation. 

This body of my works, collectively entitled “Nosebleed Nostalgia” is deeply rooted in childhood experiences. Growing up in war time patriarchal Balkans, the role of a woman was a problematic question. As I was in a impressionable age, strong female archetypes resonated with me - particularly ones portrayed in old black and white movies. Martyred femmes, graceful and perfect. Those images of the feminine and perpetually smiling sufferers never left me, moving me to explore boundaries between fragility, stability, persistence and impermanence. 

The works comprising “Nosebleed Nostalgia” are portraits, but not of real people. These are portraits of moods, aimed at eliciting a psychological reaction from the interpreter. The fact that they’re produced in a Polaroid format goes in this direction as well - a Polaroid picture is an extremely intimate form of recording an image, and intimacy is something that my work focuses heavily on. In this way, one could say that my works are a kind of autoportrait as well. However, I could not say if they are mine, Seppucookie’s, or of the interpreter themselves.”

Meet .jooo, young from .

Je réalise des illustrations généralement aux crayons de couleurs gras ou avec ce que je peux trouver autours de moi. 
Les couleurs et les motifs sont les éléments principaux de mes dessins. Je ne fais jamais de brouillons et me lance plutôt sans trop réfléchir ou me soucier de la perspective ou des proportions. on retrouve souvent un gros bonhomme dans mes illustrations, je sais pas trop c’est qui mais ça m’amuse de le représenter. 

Meet , young from .

Originally from Paris, Hanna Pallot is a 24 years old young artist-photographer who sees her work as an artistic journey that aims to link image, writing and dance.
She develops her artistic practice at the crossroads of staging, image and gesture, through a research that is at once visual, danced and written. Dance plays an important role in her work, making body a central point of the questions she develops around identity, femininities and nudity.

Navigating between photography, choreography and fashion, Hanna develops her own quest through body composition, choreographic writing and image staging.

Living in Brussels since 2019, she keeps developing her personal research, while building professional and artistic collaborations.

Meet , young from .

Après avoir vécu entre Londres et Vancouver pendant les 5 dernières années, Ella est revenue vivre à Bruxelles où elle a basé son nouvel atelier. Diplômée de l’ERG en 2015, sa vie à l’étranger lui a permis d’approfondir sa pratique et de s’affirmer en tant qu’artiste.
Abordant le nu, ses courbes et ses ombres, les peintures d’Ella explorent la sensualité des corps entrelacés dans leur nature sinueuse. Complexe dans ses formes raffinées, sa vision s’inspire des imperfections de la nudité, remettant toujours en question les différentes manières d’aborder le désir.

Meet , young from .

Mon travail est avant tout lié à l'atelier, au faire et à ce qu’il produit dans la rencontre entre les objets glanés, les éléments architecturaux et les matériaux de construction. L’espace urbain et les éléments qui le constituent (sédimentation, strates, recouvrement, …) sont à la base de transferts permanents qui nourrissent ma pratique.

Lors d’un acte de travail des procédures, des protocoles naissent et évoluent au fur et à mesure des expérimentations. Être à l’écoute de ce que la matière impose, la tordre, l’assemblée, la pousser à la limite pour attester de ce qui se produit, ce qui se crée sur cette frontière et d’utiliser ces découvertes.

L’entre-deux, les zones de transit comme point d’ancrage et de prospection. Exploiter les failles, les surfaces et les interstices pour appréhender la multitude de relations qui structurent ces espaces définis par le maillage et le mouvement.

Meet , young from .

Je vis et je travaille actuellement entre Bruxelles et Lyon. Ma pratique de création s'allie à des pratiques collectives notamment au sein de L'histoire d'un ciel en creux, cycle d'expositions, de concerts, de résidences et autres plaisirs abordés dans un prisme magique, nomade et poétique.
Dans ce cadre, je suis en charge avec .best de la programmation. Un prochain et joyeux chapitre de l'histoire devrait se dérouler prochainement à Bruxelles.
https://www.instagram.com/histoire_d_un_ciel_en_creux/

Ma pratique allie photographie, écriture poétique, film expérimental et installation immersive. Lors de mes pérégrinations, je rencontre des images, des mots, des sons, des objets que je prends le temps d’accueillir, leur donne forme à travers des installations.
Ces espace-temps réunissent des conditions particulières qui permettent de porter une attention sensible sur ce qui nous échappe.
Tout comme dans l’écriture, je recherche ce qui est caché sous la langue, dans l’image, je cherche les limites du visible. J’attends les instants où l’image devient prédiction, là où elle exprime ce qui est en présence avant même la diction. Les images et mots que je déploie sont le résultat d’une attention minutieuse.
Je cherche à représenter une absence par la présence photographique. Le sujet photographié et la dimension matérielle de l’image agissent alors de pair, pour représenter indirectement, devenir la contre forme, le creux, la présence par l’absence.
L’attention n’est pas centrée sur un point fixe qui apparaîtrait alors comme une réponse unique ; ce sont justement comme des environnements que fonctionnent mes installations, ou comme j’aime les appeler, mes réunions d’images.

Meet .pollet , young from .

Polly Pollet (1993); Some paper and a ballpoint pen are all the Belgian talent needs to create unique drawings dealing with subjects such as sexuality, social media and the state of society. Each of her artworks is a passionate and candid response to the world we live in, inspired by her own experiences and impressions – the good, the bad and everything in between. The result is an already impressive body of work best described as “positively provocative”, challenging the audience in a bold and playful way to think about the complex and often uncomfortable issues of today.