Ritsch-Fisch Galerie

Étienne Champion travaille sur des sujets et des formes qui obligent le spectateur à réinterroger les perspectives et la lumière. C’est pourquoi les visages et les corps sont, pour lui, des objets d’étude de prédilection. Pour réaliser ses sculptures, E. Champion commence par dessiner son sujet une fois, deux fois, dix fois, sous des éclairages contrastants et orientés de différents angles. Au fusain, il restitue sur le papier les volumes par un jeu d’ombres et de lumières. De ces dessins en aplats de noir et de blanc à deux dimensions vont naître ses sculptures. L’artiste ne sculpte donc pas des visages, mais les dessins qu’il fait des visages en y ajoutant ce qu’il définit comme une « obligation de liberté » afin que l’ensemble devienne réellement sculptural. En cela, le travail d’Étienne Champion apporte à la sculpture une nouveauté : il n’ambitionne pas de restituer le plus fidèlement possible les formes, les détails ou encore les expressions, mais produit des formes qui, sous certains angles, sont purement abstraites et sous d’autres, sont pleinement figuratives. Le résultat obtenu invite le spectateur à choisir soit d’observer la multitude d’éléments et de détails qui composent l’ensemble en passant de l’un à l’autre, soit de libérer son œil de cette contrainte et d’embrasser la totalité de la forme pour laisser l’identification se faire et se défaire. C’est donc le regard posé par le spectateur sur la sculpture qui en anime les formes, selon une circulation définie par le point de vue et la position dans l’espace. En restituant le volume par la lumière, E. Champion nous donne à voir la partie la plus exposée de l’individu - le visage, et dans le même mouvement, le lieu le plus caché de son intériorité.

•Hervé Bohnert•
Sans titre, 2010
Sculpture sur marbre
8 x 14 x 16 cm

•Hervé Bohnert•
Sans titre, 2018
Bois sculpté
148 X 45 x 28 cm
Exposés au Musée Würth du 9 octobre 2022 au 21 mai 2023

Hervé Bohnert (né en 1967) pousse à l’extrême notre regard sur la mort et, plus encore, sur la vie. Avec lui, si la chair est tourmentée, elle est aussi heureuse. Cet artiste hors normes qui repousse un peu plus les frontières de l’art brut, s’inscrit dans la tradition une peu oubliée des fameux memento mori et des arts funéraires si populaires des siècles passés.
A la faveur de ses recherches pour trouver La pièce qui lui parle, Hervé Bohnert choisi toujours des pièces qui ont une histoire : de vieilles photos oubliées dans un tiroir d’antiquaire ou au fond d’une galerie de brocanteur.
Des sculptures du XVIIIe siècles, un meuble Henri II ou encore des cariatides monumentales qu’il décharne pour en faire apparaitre le squelette, délicatement sculpté par cet autodidacte, avec une habilité et des connaissances anatomiques stupéfiantes.
Mais, ne vous y tromper pas, ces personnages en partie décharnés, recouverts de sang ou de peinture qui devraient nous effrayer conservent leur grâce et son ramenés à la vie par le geste de l’artiste. C’est ici l’un des paradoxes qu’Hervé Bohnert, non sans malice, nous propose de réfléchir avec son travail.
Car, sans son intervention, les statuts, les photos, les objets, les corps qu’ils malmènent, resteraient sans vie, promis à un long purgatoire car devenus au fil du temps sans intérêts. En cela, le travail d’Hervé Bohnert n’est pas une médiation de la mort, mais une invitation à la vie qui nous rappelle que nous sommes vivants.

• Hervé Bohnert •
Sans titre, 2018
Travail sur photo ancienne
52 x 42 cm

Rencontre avec Richard Solti par Emmanuel Dosda / Photos Sybilla Weran.
« De Darger à Albert, en passant par Bohnert. Depuis 1996, Ritsch-Fisch est une référence internationale en matière d’art brut.
Le travail des outsiders historiques compose un solide socle à la galerie qui ouvre ses cimaises à d’autres artistes s’éloignant de la stricte définition de Dubuffet. Rencontre avec Richard Solti, passionné à l’incroyable parcours « … ». L’élégant maître des lieux a pour intention de « faire redécouvrir le travail des artistes historiques de l’art brut et montrer celui de jeunes artistes contemporains qui sont capables d’anticiper notre temps, de percevoir ce qu’on ne voit pas encore».
Richard et sa collaboratrice, Charlène Paris, situent tous les artistes qu’ils défendent sur le même plan, préférant construire des dialogues plutôt qu’ériger des chapelles. Nouvelle «recrue»: Cassandre Albert, plasticienne scénographe sortie de la HEAR l’année dernière dans un magnifique nuage de fumigène, a l’occasion de son projet de diplôme: une performance/ascension dans les hauteurs brumeuses de l’église Saint-Guillaume. Une randonnée artistique a priori éloignée des figurines en plâtre de Morton Bartlett ou des papiers d’emballage peints par François Burland. Pourtant, comme les outsiders, Cassandre Albert ressent une nécessité quasi vitale de créer, sortir les images qui emplissent sa tête. «Un artiste d’art brut a besoin d’extérioriser ses paysages intérieurs.
De mon côté, j’ai besoin de représenter encore et encore les paysages pour comprendre leurs rouages.
J’oscille entre la machinerie théâtrale et la fabrication de paysages, selon une démarche qui me permet de questionner nos perceptions et les influences qui déterminent notre regard.»
Déplacer notre regard. Mêler pulsion, obsession et émotion. Valoriser le singulier, la sponta-néité. Enfreindre les règles.
été 2024.

« Le regard que l'on porte sur l'art dit quelque chose de la société qu'on veut construire » Richard Solti

CARLO ZINELLI
NUMBER 115 IN THE GENERAL CATALOGUE
GOUACHE ON PAPER
35 X 50 CM
c. 1960
NAME: QUATTRO UOMINI CON UOVO E UC***LO SULLA TESTA

Carlo Zinelli (1916 – 1974)
La Galerie Ritsch-Fisch représente Carlo Zinelli depuis 1999 et a collaboré avec la Fondazione Culturale Carlo Zinelli (Vérone – It) à la réalisation et à la publication du catalogue général de l’ensemble de son œuvre (2000).
Cette figure de proue de l’art brut, qui en a aujourd’hui largement dépassé les frontières, a acquis une reconnaissance internationale et son œuvre a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles comme à la Biennale de Venise, au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, à l’American Folk Art Museum ou au Museo di Castelvecchio de Vérone. Les peintures recto-verso – réalisées par Carlo dans une forme d’urgence à poursuivre son élan créateur sur les deux faces des feuilles de papier – comportent à elles seules toute l’iconographie du paysage mental de Carlo : ses lignes et ses motifs répétitifs, l’utilisation audacieuse de couleurs vives et contrastées et ses figures stylisées emblématiques. Cet ensemble d’œuvres exceptionnelles – réalisées, rappelons-le, dans un hôpital psychiatrique près de Vérone – est issu de ce que le grand artiste et écrivain Jean Dubuffet a nommé ses « phases successives », passant rapidement d’une utilisation abstraite de l’espace à de grandes compositions narratives mêlant écriture, personnages, symboles et métaphores.

2024 solo show

Artist’s portrait • Portrait d’artiste

Henry Darger est né à Chicago, aux Etats-Unis. En 1896, sa mère décède. Le garçon vit seul avec son père pendant une année. Il est ensuite placé dans un foyer, puis dans une institution pour handicapés mentaux à Lincoln, dont il s’enfuit à l’âge de dix-sept ans, après avoir appris le décès de son père. Il revient alors s’installer à Chicago où il loue une chambre, et est engagé comme plongeur et nettoyeur dans des hôpitaux de la ville, poste qu’il occupe jusqu’à sa retraite, en 1963.
A sa mort, son logeur, le photographe Nathan Lerner, découvre une autobiographie de deux mille pages, ainsi qu’une œuvre littéraire dactylographiée de plus de quinze mille pages intitulée In the Realms of the Unreal (« Dans les royaumes de l’irréel »). Elle est accompagnée de plusieurs centaines d’aquarelles de très grands formats. Ses compositions mettent en scène des héroïnes au sexe masculin, les sept « Vivian Girls ». Elles empruntent aux albums de coloriage, à la bande dessinée et à la littérature enfantine du début du siècle. Cet ouvrage colossal, qui l’a occupé pendant plus de soixante ans, relève de la technique du collage, du décalque et du dessin à l’aquarelle.

Inquire : https://www.ritschfisch.com/artist/darger-henry/

Henry Darger • sans titre

Gouache sur papier
69 x 92,5 cm • 27,1 x 36,4 inch
entre 1950 et 1960

Artist’s portrait • Portrait d’artiste

Stefan Holzmüller, né en Allemagne (1949-2010), figure majeure de l’art brut historique dont les œuvres sont visibles à la Collection de l’art brut de Lausanne.
Stefan Holzmüller fut considéré comme un original. Son œuvre, inspirée par les paysages et les éléments naturels de son village, qu’il s’agisse de hauts-reliefs, de pièces autonomes, ou d’assemblages de pièces individuellement travaillées, converge pour créer des environnements poétiques immersifs.

•photo 1:
Sculpture en terre cuite vernissée
31 x 38 x 20 cm • 12,2 x 14,9 x 7,8 inch

•photo 2:
Sculpture en terre cuite vernissée
24 x 26 x 23 cm • 9,4 x 10,2 x 9 inch

Stephan Holzmüller • «Personnage»
terre cuite
62 x 20 x 20 cm • 24,4 x 7,8 x 7,8 inch
65 x 25 x 19 cm • 25,5 x 9,8 x 7,4 inch
C.1985

Stephan Holzmüller
Terre cuite
30 x 8 x 28cm • 11,8 x 3,1 x 11 inch
C.1977

Stephan Holzmüller • Le château

terre cuite
30 x 25 x 30cm
Exposé à pour l’exposition “HEY! CÉRAMIQUE.S », du 20/09/2023 au 14/08/2024
Reproduit dans le catalogue d’exposition

Exposé au musée pour l’exposition «ART BRUT. UN DIALOGUE SINGULIER AVEC LA COLLECTION WÜRTH » , du 9/10/2022 au 21/05/2023
Reproduit dans le catalogue d’exposition

Artist’s portrait • Portrait d’artiste

Le travail de l’artiste française Morgane Salmon est profondément enraciné dans la nature. Inspirée par les fleurs, les animaux et les feuilles, elle puise son imagination dans le jardin secret du vivant, qui est pour elle une source inépuisable d’inspiration, présent partout dans son travail, sous différentes formes.
Son processus de création est organique, semblable à celui de la nature elle-même. Elle commence toujours par une spirale, une structure fondamentale qui devient le principe directeur de ses œuvres. Elle superpose des motifs floraux et des formes animales, créant des compositions riches et dynamiques. Elle travaille par couches, laissant parfois des éléments cachés, comme dans la nature, où les animaux se dissimulent parmi les feuillages.
Morgane Salmon privilégie dans son travail une approche instinctive et spontanée. Elle ne reproduit pas la nature de manière réaliste, mais la réinterprète à sa manière, en jouant avec les formes, les couleurs et les motifs. Ses œuvres sont marquées par une explosion de couleurs vives et des formes exubérantes, reflétant une vision positive et joyeuse du vivant.

Morgane Salmon, terre cuite, 20 × 40 cm, 2023.
Morgane Salmon est inspirée par les formes et les motifs trouvés dans la nature et utilise la céramique comme un moyen d’exprimer sa propre connexion avec le monde qui l’entoure.
Exposition L’essence des choses, dialogue avec Stefan Holzmüller, 14 juin > 17 juillet 2024.

Stefan Holzmüller (1949 - 2010)
Sculpture en terre cuite, sans titre
24 x 26 x 23 cm
Non datée
L’essence des choses 14 juin - 17 juillet
Stefan Holzmüller fut considéré comme un original. Son œuvre est inspirée par les paysages et les éléments naturels de son village. Qu’il s’agisse de hauts- reliefs, de pièces autonomes ou d’assemblages de pièces individuellement travaillées, convergent pour créer des environnements poétiques immersifs.

Morgane Salmon émerge telle une voix douce et audacieuse dans le monde de la céramique. Elle est inspirée par les formes et les motifs trouvés dans la nature et utilise la terre comme un moyen d’exprimer sa propre connexion avec le monde qui l’entoure. Ses œuvres, souvent énigmatiques, célèbrent la beauté, la diversité et la fragilité de la vie végétale et animale. Le travail de Morgane Salmon interroge notre rapport avec la terre et notre place dans l’écosystème naturel, et nous invite à méditer sur la fragilité de notre lien avec le monde naturel et la nécessité de préserver son intégrité.

VERNISSAGE • PUBLIC OPENING — 14 juin 18h - http://eepurl.com/iQREhk

En photographie, l’image peut n’être qu’un masque fragile. La photo, de la série « photos brûlées » de Maurice Renoma, garde une part d’inaccessible, produit d’un rituel iconoclaste dont le but n’est pas tant de détruire les idoles que de nous rappeler leur statut de phénix.

Josef Wittlich ca. 1972 • 62,2 x 44,7 cm • Gouache on paper, signed. N°570 of catalog general.
Josef Wittlich (1903-1982) est né à Gladbach, dans le Land de Rhénanie-Palatinat en Allemagne. La mort prématurée de sa mère alors qu’il avait quatre ans semble avoir scellé son destin d’abandon et d’exil, le laissant sans protection entre les mains d’un père brutal. Malade, il a du mal à suivre les cours au collège et lorsque son père se remarie en 1915, rien n’est résolu. Sa belle-mère est hostile, préférant un autre fils qu’elle a amené dans la famille.
Josef Wittlich se renferme sur lui-même et devient un reclus. En réaction à l’adversité, il se met bientôt à peindre, mais les tableaux de sa jeunesse n’ont malheureusement pas été conservés. En 1920, il veut s’enrôler dans la
légion étrangère, car mourir à la guerre ou être battu à mort par son père revient au même. Mais, sa demande est rejetée.
Selon ses compagnons de travail, il
passait ses journées et ses nuits libres à
peindre sur du papier, réalisant des
œuvres qu’il donnait ou jetait ensuite.
Pendant la seconde guerre mondiale, il a
été enrôlé contre son gré, blessé et fait
prisonnier par les Russes. Après la guerre, il a travaillé comme ouvrier dans une usine de céramique et s’est remis à peindre, jusqu’à sa mort en 1982. Wittlich n’a pas trouvé ses sujets dans la réalité immédiate, mais dans des images qui, à première vue, offrent déjà un développement réaliste, par exemple des reproductions de peintures académiques, des photographies du pape, de couples royaux et de personnes

célèbres, des images publicitaires de vêtements et de sous-vêtements présentés par des mannequins. Wittlich souligne fortement la “lisibilité” de ces images, en durcissant les contours, en simplifiant les formes et en saturant les couleurs.
Geneviève Roulin

🎞️ « Photos Ratées, Photos Brûlées » 🎞️ de Maurice Renoma, à voir à la Galerie Ritsch-Fisch à Strasbourg jusqu’au 1er juin, propose d’explorer les expérimentations photographiques d’un artiste qui repousse les limites de la photographie traditionnelle et qui embrasse l’imprévu.

« Photos Ratées, Photos Brûlées »
📅19 avril - 1er juin 2024
📍Galerie Ritsch-Fisch, 6 rue des Charpentiers, 67000 Strasbourg

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🎞️ "Failed Photos, Burnt Photos" 🎞️ by Maurice Renoma, on display at Galerie Ritsch-Fisch in Strasbourg until June 1, invites viewers to explore the photographic experiments of an artist who pushes the boundaries of traditional photography and embraces the unexpected.

“Failed Photos, Burned Photos”
📅19th April - 1st June 2024
📍Galerie Ritsch-Fisch, 6 rue des Charpentiers, 67000 Strasbourg

Ritsch-Fisch Galerie

Vernissage : vendredi 14 juin 2024, 18h - 21h
Exposition : du 15 juin au 12 juillet 2024
Galerie Ritsch-Fisch, 6 rue des Charpentiers, Strasbourg - Fr.
[email protected]
Exposition de :
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La Galerie Ritsch-Fisch est très heureuse de présenter une exposition mettant en scène un dialogue entre deux céramistes de deux époques : Stefan Holzmüller, né en 1949 en Allemagne, figure majeure de l’art brut historique dont les œuvres sont visibles à la Collection de l’art brut de Lausanne, et Morgane Salmon, jeune artiste française de 31 ans. Au-delà de cette différence générationnelle, il convient de noter que leurs parcours respectifs sont, pour ainsi dire, en écho, et que leur travail respectif entre en résonance dans le geste, la matière et les motifs qu’ils mobilisent.
Stefan Holzmüller fut considéré comme un original. Son œuvre, inspirée par les paysages et les éléments naturels de son village, qu’il s’agisse de hauts-reliefs, de pièces autonomes, ou d’assemblages de pièces individuellement travaillées, converge pour créer des environnements poétiques immersifs. Quant à elle, Morgane Salmon émerge comme une voix douce et audacieuse dans le monde de la céramique. Tout comme Stefan Holzmüller, l’artiste est inspirée par les formes et les motifs trouvés dans la nature, et utilise la céramique comme un moyen d’exprimer sa propre connexion avec le monde qui l’entoure. Ses œuvres, souvent énigmatiques, célèbrent la beauté, la diversité et la fragilité de la vie végétale et animale.
Dans ce dialogue entre deux générations d’artistes céramistes, l’héritage de Holzmüller rencontre l’audace créative de Salmon dans une conversation qui interroge notre rapport avec la terre et notre place dans l’écosystème naturel, et nous invite à méditer sur la fragilité de notre lien avec le monde naturel et la nécessité de préserver son intégrité.